C’è un momento preciso, durante le feste di piazza in Sardegna, in cui lo spazio urbano smette di essere un semplice luogo di transito e diventa un ambiente vivo, dove la comunità si ritrova in una sorta di rito celebrativo. Succede quando i suoni millenari delle “launeddas” e le note dell’organetto iniziano a vibrare nell’aria: le persone si avvicinano, si cercano con lo sguardo e si stringono le mani. In pochi secondi prende forma “su ballu tundu” il ballo tondo. Non si tratta di una semplice esibizione folcloristica a uso e consumo dei turisti ma di un rito collettivo profondo dove memoria familiare e nostalgia tornano prepotenti nel vissuto e le barriere anagrafiche e sociali sfumano nell’intreccio delle dita e nell’intesa degli sguardi. Il ballo sardo è incontro, identità, comunità, è parte di una storia che continua a essere scritta e tramandata.
Per molto tempo le danze popolari sono state viste come mero elemento della memoria etnografica, oggi finalmente assistiamo a una loro riscoperta straordinaria. In particolare, il ballo sardo si rivela un terreno d’indagine affascinante non solo per chi ama le tradizioni, ma anche per chi osserva la danza con gli occhi della contemporaneità. La sua struttura, la sua postura e la sua gestione del ritmo sono spesso stati reinterpretati in linguaggi coreutici d’avanguardia.
La prima caratteristica del ballo sardo che colpisce è la geometria e la gestione dello spazio. Il cerchio chiuso o la catena serpentina non sono scelte casuali ma simboli arcaici di eguaglianza e protezione. Nel “ballu tundu”, non esiste un centro inteso come palcoscenico per un solista, né una gerarchia tra “chi è bravo” e “chi sbaglia”: l’individuo esiste solo in quanto parte del tutto, della comunità. Il legame fisico tra i ballerini (che si tengono per mano o a braccetto) crea un circuito di energia condivisa: un richiamo alla continuità tra le generazioni, al richiamo con la terra natia.
Nel ballo tundu il cerchio si fa corpo collettivo: rappresenta la tenacia di un popolo, la continuità dei suoi valori e il legame indissolubile con la terra di Sardegna.
Dal punto di vista della postura, è importante cogliere le peculiarità del ballerino sardo: la parte superiore del corpo rimane quasi immobile, regale, eretta, le spalle sono rilassate ma salde, il volto fiero. Tutto il dinamismo si concentra dalla vita in giù: i piedi eseguono piccoli passi rapidissimi, vibrazioni, battiti e scatti incisivi (is passos). Il contatto con il suolo è costante, quasi viscerale. Non si cerca l’elevazione eterea o la fuga dalla forza di gravità tipica del balletto classico al contrario il suolo viene cercato, “percosso” e ascoltato: è il proprio il contatto con il suolo a dare il ritmo calzante del “ballu tundu”.
Il ballo tradizionale, a differenza degli altri tipi di danza e di ballo, non cerca l’effetto sorpresa attraverso figure sempre nuove ma vive nella ricorsività di un modulo base dove la variazione è minima e l’accelerazione progressiva: il movimento cattura il corpo e la mente conducendo chi balla e chi osserva dentro una nuova dimensione condivisa.
Ed è proprio questa grammatica così rigida a rendere il ballo sardo un materiale di partenza straordinario per la composizione coreografica. Guardare alle danze tradizionali con gli occhi della contemporaneità non significa tornare al passato ma coglierne i benefici, estrarre i principi (la struttura, il ritmo e la gestione) e usarli come dispositivi scenici per parlare al presente e rinnovare la propria danza proprio passando dalla tradizione.
È qui che si apre una sfida e un’opportunità preziosa per la scena regionale, nazionale e internazionale: le scuole di danza, i centri di residenza e le compagnie sarde possono trovare in questo patrimonio immateriale un vero e proprio laboratorio di ricerca. Attraverso percorsi formativi dedicati e grazie a progetti di residenza artistica la decostruzione del ballo tradizionale può diventare un metodo di lavoro condiviso fornendo agli interpreti e ai coreografi appigli concreti per sviluppare un linguaggio unico, identitario e al contempo internazionale.
Un esempio emblematico di questo percorso è il lavoro di Moreno Solinas che, con lo spettacolo Karrasekare, ha saputo attingere alla ritmica e alla circolarità del ballu tundu e delle feste tradizionali cogliendone la ritualità per trasformarle in una composizione capace di riflettere sul concetto di comunità, resistenza e liberazione collettiva.
In questo dialogo aperto tra memoria e sperimentazione il “ballu tundu” smette di essere un codice intoccabile per rivelarsi quello che è sempre stato: una struttura alla base del gesto rituale comunitario, una risorsa viva per la danza di oggi e un ponte solido verso la ricerca coreografica di domani. ⬢