Da anni “Expression” dedica spazio ai migliori giovani ballerini dei principali corpi di ballo in Italia – che  malgrado le grandi difficoltà economiche riescono a rimanere a un livello di grande prestigio – riuscendo in molti casi a portar loro fortuna. A distanza di tempo, è molto bello infatti vedere quanto quel loro talento li abbia poi portati a spiccare il volo definitivamente. 

In questa intervista doppia a raccontarsi sono le due nuove stelle del Teatro Alla Scala di Milano: Martina Arduino, torinese classe 1996, e Nicola Del Freo, nato a Massa nel 1991. Mentre la prima ha una formazione interamente scaligera, il secondo ha studiato alla Hamburg Ballett Schule John Neumeier muovendo anche i primi passi nell’omonimo corpo di ballo. Ma sono accomunati dall’energia, dall’eleganza e dalla determinazione che dimostrano in scena.

Come nasce la tua passione per la danza ? 

Martina «Per caso, a tre anni, quando accompagnai mia sorella alla scuola di ballo per una lezione di prova. Non so dire che cosa mi affascinò di più di quel luogo, ma ricordo che lei scappò e io rimasi dentro». 

Nicola «Mia madre mi portò a vedere il Balletto di Toscana quando avevo 13 anni. Rimasi profondamente colpito da quello che i ballerini esprimevano con il corpo e chiesi di poter prendere lezioni».

Il momento in cui hai capito che con la danza potevi fare sul ‘serio’, ossia avere un futuro professionale? 

Martina «Credo che, inconsciamente, capii subito che la danza era la cosa che volevo. Ma la vera consapevolezza l'ho avuta crescendo e maturando all'interno dell'Accademia del Teatro alla Scala dove sono entrata all'età di 11 anni». 

Nicola «Quando ero studente della scuola di ballo ad Amburgo e ho dovuto sostituire un ballerino che si era fatto male durante una prova aperta del balletto “Nijinsky”. Ricordo ancora la fortissima emozione al momento degli applausi finali, volevo che non smettessero mai… Lì mi sono reso conto che avrei potuto intraprendere questa professione». 

Il maestro che non puoi dimenticare...

Martina «Vera Karpenko e Tatiana Nikonova che sono state fondamentali per la crescita e la formazione.  Ricordo ancora correzioni e consigli che cerco di mettere in pratica anche adesso. Da quando ho iniziato il mio percorso da professionista, ho avuto l'onore e la fortuna di avere come maestro, Massimo Murru, che non potrò mai dimenticare. Quando ho debuttato in grandi ruoli come Odette/Odile e Giulietta, è stato lui a prepararmi e a incoraggiarmi, trasmettendomi la sua  esperienza e insegnandomi come si entra in un personaggio.  Spero che mi accompagni ancora per gli anni a venire. 

Nicola «Sicuramente John Neumeier. La sua passione per il teatro mi ha sempre ispirato. Negli anni in cui sono stato sotto la sua direzione, ho potuto apprezzare appieno le sue opere. È quasi scontato aggiungere però che ci sono stati molti altri maestri per i quali nutro una stima davvero profonda».

La danza per te è...

Martina «Ciò che mi fa star bene, è la mia vita». 

Nicola «La manifestazione attraverso il corpo delle mie emozioni».

Il ruolo che più ti ha emozionato danzare e il ruolo che invece vorresti danzare un giorno?

Martina «Interpretare Odette/Odile è stato indimenticabile, a maggior ragione se si considera che è stato il primo grande ruolo che ho danzato al Teatro alla Scala. Ricordo ogni attimo di quel giorno. Guardando al futuro, vorrei ballare qualsiasi ruolo anche se il più grande desiderio rimane quello di danzare Giselle». 

Nicola «Ho adorato Mia Siegfried nel “Lago dei Cigni”. Mentre quello che a cui aspiro da sempre è Onegin, nell'omonimo balletto di Cranko».

Qual è il tuo stile? Come pensi di riuscire a catturare il pubblico? 

Martina «Molti mi ritengono una ballerina romantica, ma non credo di non avere uno stile in particolare. Anzi, mi piace lavorare sullo stile specifico di ogni balletto andando sempre alla ricerca della bellezza. Credo che una delle cose più belle del mio lavoro sia poter coinvolgere e rendere partecipe il pubblico nella storia che sto raccontando ed esprimere le emozioni che sto provando in quel momento. Anche quando un balletto è privo di trama, cerco di far arrivare fino all'ultima fila del loggione la passione e la gioia che provo mentre danzo». 

Nicola «Penso che il modo attraverso il quale cerco di catturare il pubblico sia la semplicità. Cerco di mostrarmi per quello che sono».

Manie e o piccole fissazioni prima di entrare in scena? 

Martina «Niente di particolare, solo tanta concentrazione».

Nicola «Penso semplicemente alle persone che mi vogliono bene e mi faccio il segno della croce. Poi controllo più volte che le scarpette siano allacciate bene».

Cosa ti ha dato la danza? Cosa invece ti ha tolto? 

Martina «La danza mi ha regalato quella che oggi sono. Mi ha dato il rigore, la disciplina e il rispetto per il mio lavoro e quello degli altri. Giorno dopo giorno la danza ha contribuito a smussare il lato introverso del mio carattere, facendomi aprire anche verso gli altri. Credo non mi abbia tolto nulla perché,  pur non avendo vissuto alcuni momenti ed esperienze tipici dell’età adolescenziale, non li considero  rinunce ma scelte».   

Nicola «Mi ha dato la possibilità di fare della mia passione un lavoro. Di viaggiare e anche di rapportarmi con persone provenienti da tutto il mondo. Il rovescio della medaglia è che, purtroppo, mi ha portato ad allontanarmi molto giovane dalla famiglia».

Se guardi avanti, ai prossimi cinque anni, ti immagini... 

Martina «Non riesco a vedermi fra cinque anni perché il futuro è talmente imprevedibile che preferisco  godermi ogni attimo del mio presente». 

Nicola «Spero che il mio futuro sia qui, al Teatro alla Scala».

Il ballerino/a che apprezzi di più? Quello con cui vorresti un giorno danzare in coppia? 

Martina «Fra le donne, ho un’adorazione per Mariangela Nunez. Avendo avuto l'occasione di conoscerla da vicino in sala prove, posso dire che lei per me incarni la dedizione al lavoro, l’umiltà e anche la simpatia. Tra gli uomini, il grande Roberto Bolle con cui vorrei far sempre coppia». 

Nicola «Fin da piccolo mi ha sempre affascinato Mikhail Baryshnikov. Nel lavoro quotidiano ho seguito l'esempio di Roberto Bolle. Ho sempre sognato di ballare con Polina Semionova avendola potuta ammirare nella mia esperienza berlinese». 

Tre doti fondamentali per i giovani che aspirano al professionismo nella danza?

Martina «Serietà, onestà e grande dedizione. Ed è molto importante affidarsi alla scuola giusta!». 

Nicola «Passione, costanza, determinazione».

Come si svolge la tua giornata tipo? 

Martina «Mi alzo alle sette e mezza di mattina perché dedico molto tempo alla prima colazione, fondamentale per iniziare e affrontare i miei allenamenti. Alle 8.45 esco di casa per raggiungere il teatro, dove mi preparo e riscaldo per la lezione che inizia alle 10. A seguire le prove fino alle 17.30 con una pausa di 40 minuti per mangiare qualcosa. In genere, poco prima dell’inizio degli spettacoli mi trattengo anche fino alle 18.30 per lavorare, fare stretching e almeno una volta alla settimana  un massaggio. Quando le giornate sono meno impegnative mi dedico a cene fra amici. Infine un buon riposo per recuperare per il giorno successivo». 

Nicola «La mia giornata è assorbita dalla danza, con le lezioni dalle 10 del mattino e le prove nel pomeriggio fino alle 17.30. Quando abbiamo gli spettacoli, invece, le prove si svolgono di mattina e finiscono alle 13.40, mentre dalle 18.45 si riprende con il riscaldamento che precede l’entrata in scena». 

Cosa c'è oltre alla danza, nella tua vita? 

Martina «La mia famiglia».

Nicola «La lettura, il cinema e lo sport, durante la stagione estiva quando trascorro una vita piuttosto ritirata. La mia famiglia e i viaggi durante i periodi di ferie».

Meglio la danza in Italia o in altri Paesi?

Martina «La danza in Italia sta affrontando dei problemi con la conseguente chiusura di corpi di ballo. Quindi sicuramente all’estero c’è più possibilità di lavoro. Ciò non significa, però, che la danza  sia migliore negli altri Paesi. Spero che le cose cambino, infatti ho voluto e voglio credere nel mio paese».

Nicola «Purtroppo la considerazione che si ha della danza in Italia è piuttosto bassa. Anche se considero il Teatro alla Scala uno dei migliori».

Il tuo sogno nel cassetto?

Martina «Come tutti i desideri,  se si rivelano, non si avverano! Lo tengo nascosto nel mio cassetto...».

Nicola «Avere la possibilità di esibirmi sul palcoscenico del Covent Garden a Londra».

Cosa ne pensate l’uno dell’altro? 

Martina «Nicola è stato il mio primo partner. Con lui ho affrontato il mio primo ruolo principale e spesso veniamo scelti per danzare insieme. Sicuramente è un grande lavoratore, oltre che un ballerino molto talentuoso al quale auguro una splendida carriera!». 

Nicola «Martina, oltre che nel “Lago dei cigni” è stata la mia partner già nel “Giardino degli amanti”. È una ballerina che stimo moltissimo e con la quale è veramente un piacere ballare».

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2017

In maniera eloquente, il suo storico maestro Zarko Prebil, l’ha definita: “La Anna Magnani della danza”. Petra Conti sembra infatti parlare con il corpo, e non solo. Perché anche il suo viso, neanche fosse la più consumata attrice, sa essere di un’espressività commovente. E anche a sentirla parlare, la sua voce carezzevole lascia intuire una grande tempra, oltre che una profondità sorprendente per la sua giovane età. 

Petra, com’è nata la tua passione per la danza? Che influenza ha avuto la tua famiglia?

«In casa si è sempre respirata aria di arte, danza e musica classica… mia mamma e mia sorella sono state ballerine. La passione è cresciuta insieme a me. Mi piace pensare che la danza sia stata una vocazione».

Come pensavi alla danza quando eri bambina?

«Alle elementari, per tutti, ero già una piccola ballerina: non solo per il fisico, ma soprattutto per il modo in cui mi muovevo, per la voglia di ballare che avevo dentro. Anche il mio maestro di tennis diceva che correvo per il campo con la racchetta da tennis ma con la grazia di una ballerina. Eppure non sapevo molto del mondo della danza… non sapevo neanche cosa fosse il collo del piede finché non ho iniziato l’Accademia! Sapevo però cosa fosse la spaccata, perché ogni tanto mamma si metteva a farla… Sono cresciuta pensando che la danza fosse qualcosa di naturale e spontaneo, e che in ogni famiglia fosse così». 

Come sei arrivata all’Accademia Nazionale di Danza di Roma? Cosa ricordi di quel periodo?

«In quinta elementare, sono stata io a chiedere ai miei genitori di mandarmi in un’accademia professionale, come quella che avevano frequentato mia madre e mia sorella in Polonia. Abitavamo a un’ora da Roma e l’Accademia Nazionale di Danza mi sembrava facesse al caso mio. Per i miei genitori non è stato facile vedermi maturare cosi in fretta: a 11 anni mi sono trasferita in un collegio di suore nella capitale e così è iniziata la mia avventura. I primi anni in Accademia sono stati i più emozionanti: tutto mi sembrava più un bel gioco che un lavoro impegnativo. Non vedevo l’ora che arrivasse il momento di mettere le punte! E il primo saggio di fine anno è ancora un ricordo vivido e felice».

Quando hai preso coscienza del tuo talento? 

«Non c’è stato un momento in particolare ma, con il passare degli anni, le piccole e grandi soddisfazioni mi hanno reso cosciente del fatto che stavo lavorando per il mio futuro, che diventare una ballerina era il mio destino, che la mia vita sarebbe per sempre stata legata alla danza…».

Quali sono stati gli incontri più significativi o le esperienze che più hanno contribuito a far crescere il tuo talento?

«L’allora direttore dell’Accademia, Margherita Parrilla, è stata la prima a vedere potenzialità in me: grazie a lei ho iniziato molto presto a fare le prime importanti esperienze in scena, a viaggiare all’estero per confrontarmi con ballerini di tutto il mondo, assaporando quindi la vera vita di una ballerina. Proprio lei, negli ultimi anni di Accademia, mi ha assegnato al maestro Zarko Prebil con cui si è sviluppata una relazione che è andata al di là del rapporto insegnante-allievo. Mi ha trasmesso il valore e l’arte della danza, mi ha insegnato il rispetto e la dedizione per il nostro lavoro, mi ha fatto capire cosa vuol dire qualità, disciplina, e duro lavoro. Un maestro dolce e severo allo stesso tempo, Prebil ha creduto in me prima e più di tutti. Era il mio mentore, il mio fan più grande e il critico più severo. Se sono diventata la ballerina che sono, lo devo anche a lui… Con la sua recente scomparsa si è spento un pezzo di storia della danza. A me è venuta a mancare la persona che meglio conosceva le mie debolezze e i miei talenti, ma anche la mia ancora di riferimento, il nonno che non ho mai conosciuto». 

Cosa rappresenta la danza per te? 

«È il mio modo preferito di comunicare! La danza credo sia davvero un linguaggio universale, con il quale io riesco a esprimere emozioni e stati d’animo che perdono di valore e intensità se raccontati a parole. Il fatto di essere emotiva mi aiuta a immedesimarmi nel mio personaggio in scena. Dietro a ogni passo o gesto c’è un perché: la danza è un linguaggio puro, che continua a evolversi di generazione in generazione».

Quali sono stati i momenti di maggiore difficoltà? 

«Ogni mio infortunio è sempre stato un momento difficile: il fatto di dovermi fermare, per poi affrontare la grande fatica di ritornare in forma. Ovviamente non posso dimenticare la terribile scoperta del cancro al rene. La settimana prima di essere operata, ho ballato il “Lago dei Cigni”, provando un’emozione indescrivibile perché pensavo che forse sarebbe stato l’ultimo per me… Ora a più di un anno di distanza, senza più tumore, mi sento davvero fortunata. Quest’esperienza mi ha cambiato molto, pure nel modo di danzare. Anche le vocazioni vengono messe a dura prova…». 

Dopo il diploma e dopo un anno a San  Pietroburgo e uno a Monaco di Baviera, a 21 anni, sei entrata nel corpo di ballo del Teatro alla Scala di Milano dove sei diventata presto prima ballerina…

«Sì. Ho danzato “Giselle” dopo appena tre mesi dal mio arrivo in compagnia e questo ha segnato il vero inizio della mia carriera. Grazie all’allora direttore artistico Mahar Vaziev, ho potuto crescere e ballare tanto in scena. Sono state tante le ore di lavoro, ma anche tante le soddisfazioni, e diventare prima ballerina alla Scala di Milano è stato un traguardo che sognavo e al quale puntavo, ma che, una volta superato, mi ha fatto capire che questo era solo l’inizio, non un punto d’arrivo». 

Come nasce la decisione di accettare di trasferirti negli Usa, dove lavori come free-lance  e principal ospite per diverse compagnie quali il Boston Ballet e il Los Angeles Ballet? 

«Dal desiderio di continuare a perfezionarmi, di mettermi di nuovo in gioco, di superare nuove sfide e di crescere come artista, e come persona. Proprio per questo, ora voglio sentirmi libera di fare le mie scelte e prendere le strade che credo mi faranno crescere ulteriormente. Sono entusiasta di viaggiare e lavorare nei teatri di tutto il mondo, perché mi piace cambiare, apprezzare culture diverse e imparare da ognuna qualcosa di nuovo. Casa per me ha un valore affettivo e simbolico, non è un luogo ben preciso. La famiglia è lontana fisicamente, ma la sento molto vicina a me. La lontananza e la malinconia ho imparato a domarle da bambina». 

Quanto è stato importante condividere questa esperienza con tuo marito Eris Nezha? 

«Il fatto di esserci trasferiti in America e di essere lontani da tutti, ci ha unito ancora di più come coppia. Abbiamo preso insieme la decisione, coscienti di quello che avremmo perso, e vagamente a conoscenza di quello che ci aspettava oltreoceano. Siamo entrambi avventurieri e adoriamo le sfide, perché pensiamo che ogni sfida ci faccia crescere come artisti e come persone». 

Come vi siete conosciuti e com’è condividere tutto: lavoro e vita privata?

«Avevo solo 17 anni quando, entrambi ospiti dell’Arena di Verona, ci siamo trovati a danzare in  “Cenerentola”, il mio primo balletto intero. Lui era alla mia prima “Giselle” alla Scala. Poi abbiamo fatto tutto insieme dalla nomina a primi ballerini sul palco del Bolshoi alla decisione di trasferirci in America, dalle piccole e grandi soddisfazioni, alla notizia di avere un cancro, al fatto di averlo superato e di continuare la nostra vita in modo normale… Senza Eris al mio fianco non ce l’avrei fatta a fare tutto questo, e a superare con tanta forza i momenti difficili… Condividere lo stesso lavoro è unico per noi: non si tratta solo di affiatamento artistico in scena, ma del lavoro di tutti i giorni, insieme dalla sbarra, fino alle prove fuori orario la sera, fino a rimuginare sul ruolo o farci le correzioni durante la cena. Ci sosteniamo ed aiutiamo a vicenda, e impariamo continuamente l’una dall’altro. Non ha prezzo soprattutto il fatto che Eris mi faccia da personal coach! Questa generosità infinta è forse la qualità più grande di mio marito. Stare in sala a lavorare da soli è ciò che ci ha uniti sin dall’inizio. Questa nostra intesa, cura del dettaglio e ricerca della qualità è ciò che il pubblico apprezza quando balliamo insieme, ciò che ci rende speciali come coppia».

Come valuti la situazione della danza in Italia rispetto a quella negli Stati Uniti?

«Nel nostro Paese manca il necessario supporto… Ma nonostante questo momento di crisi, tanti talenti continuano a emergere. Questo ci dovrebbe far riflettere sull’attenzione e sulle condizioni che l’Italia dovrebbe offrire, affinché questi talenti non scappino all’estero alla prima occasione! A maggior ragione se si considera che l’Italia ha una storia che la maggior parte del mondo sognerebbe di avere, ma che se avesse, custodirebbe con grande cura. I teatri e le compagnie di danza sono patrimoni culturali dei quali l’Italia dovrebbe essere orgogliosa come lo è del David di Michelangelo, o del Colosseo».

Qual è il ruolo che hai interpretato, che più ti ha emozionata? 

«Personalmente adoro i ruoli drammatici, quelli con una storia profonda e dove il mio personaggio si evolve. La cosa che più mi piace della danza è diventare il mio personaggio, studiare ogni suo pensiero, azione, movimento. La recitazione e la ricerca artistica sono le cose su cui mi concentro di più, ed è per questo che amo in particolare i balletti con più atti, dove devo interpretare scene d’amore, di pazzia, di passione, di disperazione... Ho un debole per i ruoli dove devo piangere o morire in scena».

Che consigli daresti ai giovani di oggi che sognano un futuro da ballerino? Quali caratteristiche sono necessarie e quali gli ostacoli da affrontare?

«Un ballerino, come ripeto spesso, deve avere il “cuore”: le emozioni vengono trasmesse al pubblico solo se sono genuine. Sul palco esce il nostro io più nascosto; la tecnica è al servizio dell’artisticità e delle emozioni che abbiamo dentro. La propria personalità non va soffocata, ma coltivata con cura, perché più si è veri con se stessi più il ballerino è in grado di calarsi completamente nel personaggio e farlo suo. Non imitate gli altri, ma imparate dagli altri. E poi, ai giovani ripeto quello che mi ripeteva sempre il mio amato maestro Prebil: “Lavoro, lavoro, lavoro!”. La perfezione non esiste, esiste solo la voglia di raggiungere l’eccellenza personale in ogni passo o gesto». 

Com’è la tua giornata tipo? Cosa ti piace fare al di fuori della danza?

«La mia giornata tipo si svolge in sala da ballo, o in teatro durante gli spettacoli. Dopo un’ora e mezza di lezione quotidiana, inizio le prove per i prossimi spettacoli, che continuano anche dopo la pausa pranzo. Le prove sul palco si fanno solo prima di andare in scena e in quei giorni, quando la tensione si fa più grande, non ho né la testa né il tempo per pensare o fare altro che non sia lavorare sul balletto o cucirmi-prepararmi le tante paia di punte che userò in scena. Prima dello spettacolo mi piace il momento del trucco e parrucco, perché è li che già entro nel mio personaggio. Ceno dopo lo spettacolo e spesso capita che io non riesca ad addormentarmi per via dell’adrenalina o delle emozioni forti che ho provato in scena. Nel tempo libero invece mi piace riposare, dormire tanto, e stare a casa con mio marito e guardare un film, o ancora meglio una bella serie tv americana…».

Ti piacerebbe ritornare in Italia?

«L’Italia è la mia patria, e spero di tornare a ballare spesso nei teatri italiani».

Progetti a cui ti stai dedicando, oltre la danza?

«Sto studiando per ottenere una laurea in Scienze di Leadership alla Northeastern University. Vorrei diventare una leader che stimola la comunicazione, che ascolta e supporta, che non ha paura di sfide e cambiamenti per il meglio, e il cui principale obbligo è prendersi cura del proprio team e far sì che le persone siano contente di venire a lavorare. Ho imparato che si ottiene il triplo se ci sono le condizioni necessarie e l’atmosfera giusta per svolgere il proprio lavoro. Spero un giorno di applicare la mia conoscenza e la mia esperienza a capo di una importante organizzazione, artistica o non». 

Un sogno nel cassetto?

«Aiutare gli altri a superare i momenti difficili. Da quando ho comunicato la mia storia personale del cancro sul mio account Instagram, tantissime persone mi hanno scritto dicendomi che per loro sono un esempio di forza, di coraggio e di voglia di andare avanti. In tanti vorrebbero che io scrivessi un libro, in modo da condividere la mia esperienza di artista ma soprattutto di persona, che ha superato a 28 anni lo sconforto di dover mettere in pausa la propria carriera, e concentrarsi sulla propria vita. Purtroppo gli artisti, e noi danzatori in particolare, soffriamo doppiamente perché la nostra carriera è molto breve e lo stigma della malattia rimane, nonostante si riesca a tornare in forma e anche migliori di prima. Ora che è tutto passato e che sono più forte di prima, mi sento in obbligo di aiutare tante altre persone che hanno sofferto e soffrono, o che non riescono a farsi forza a causa di una malattia o di un grande dolore… Uno dei progetti molto prossimi è di collaborare con l’American Cancer Society, per aiutare i milioni di malati di cancro e sensibilizzare la gente su questo doloroso argomento. Ma questo è solo l’inizio di una missione personale…».

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2017

Uno stage all'insegna dell'innovazione, con un ampio ventaglio di proposte formative rivolte ai docenti di danza, così come agli appassionati e ai giovanissimi Under 12

La formula di Campus Summer School a marchio IDA si rinnova di anno in anno. L'edizione 2017, che si è svoltadal 12 al 17 luglio nelle sale del Centro Studi "La Torre" di Ravenna, sarà ricordata per la ricca varietà di proposte formative rivolte ad un pubblico eterogeneo: docenti di danza, professionisti, appassionati e allievi Under 12.

I FOCUS

Come già accaduto lo scorso anno, la manifestazione ha offerto veri e propri momenti di approfondimento a cura dei migliori artisti che hanno fornito utili consigli e nuove proposte di lezione: "Spiral training" di Carla Rizzu eDonato De Bartolomeo, "Composizione coreografica per bambini" di Roberta Broglia e Matteo Addino, " Dalla tecnica allo sviluppo della coordinazione ritmico-motoria " di Loreta Alexandrescu, "Le punte" di Marco Batti, "S tudio coreografico, dalla tecnica all'emotività nell'hip hop " di Daniele Baldi e Ilenja Rossi, " Ragga Jam" di Maïthé N'Kosi.

LE LEZIONI

Durante i sei giorni di stage, da mattino a sera si sono alternate lezioni di classico, sbarra a terra, modern, contemporaneo, hip hop, contact improvisation, floor in release e floor in break.

I docenti: Iker Karrera,Virgilio Pitzalis, Roberta Broglia, Matteo Addino e Roberta Fontana per il modern; Lia Courrier, Loreta Alexandrescu , Marco Batti e Massimiliano Scardacchi per il classico; Emanuela Tagliavia, Carla Rizzu e Giovanni Gava per il contemporaneo/contact improvisation/floorwork;Ilenja Rossi, Daniele Baldi e Jean Nunes per l'hip hop.

UNDER 12

Gli allievi più giovani hanno molto apprezzato la proposta di tre giorni a loro dedicata, affollando le sale di modern con Roberta Broglia e Matteo Addino e di classico con Massimiliano Scardacchi e Loreta Alexandrescu.

Per la prima volta, sono stati realizzati anche tre focus studiati appositamente per gli Under 12: "Hip hop" diClaudio Campanelli, "Animal Move" diKira, "Acrobimbo - Spicco il volo" di Rita Valbonesi e Sara Tisselli.

«Campus è molto cresciuto in questi anni - racconta la docente Roberta Broglia che vanta un altissimo numero di partecipazioni come docente -, e anche l'utenza è cambiata. L'età media dei partecipanti si è abbassata, per contro si è innalzato il loro livello qualitativo. A me è capitato, nella stessa giornata, di fare lezione agli insegnanti e, poco dopo, ai loro allievi. Mi piace molto questo passaggio generazionale e, quindi, vedere che molti docenti di oggi sono stati nostri allievi qualche anno fa. Rivederli a Campus vuol dire essere riusciti a fidelizzarli e averli aiutati a crescere con la collaudata didattica IDA». «Campus è stato e rimane un punto di riferimento per tutti i ragazzi che vogliono studiare danza - commenta Loreta Alexandrescu -. Quest'anno sono state organizzate lezioni per insegnanti con lo scopo di approfondire tematiche come la musicalità associata alla tecnica nei corsi principianti, dove ho trovato delle persone estremamente interessate, partecipi. Alle lezioni di livello intermedio e avanzato, ho trovato degli allievi ottimamente preparati. Il corso principianti era forse un po' troppo numeroso e si potrebbe, in futuro, scegliere i ragazzi con più rigore sull'età oppure sugli anni e la qualità dello studio. La Danza non è un'arte facile e ha bisogno di essere amata da tutte le persone coinvolte, quindi non solo dagli allievi ma anche dagli organizzatori. E questo a Ravenna è una realtà!».

I PARTECIPANTI

Tra i partecipanti di Campus ci sono stati diversi debutti, ma soprattutto tante conferme. Per Sara Mauri (20 anni) di Bergamo è stata la prima volta a Ravenna. Dopo un lungo percorso nel modern-contemporaneo, ha scoperto l'hip hop, disciplina che già insegna da circa un anno. «È stata la mia insegnante a suggerirmi di partecipare - racconta la giovane -. È stato molto divertente e istruttivo seguire lezioni di hip hop con insegnanti diversi: per esempio Ilenja Rossi ha uno stile più difficile, molto incentrato sul popping, mentre Jean Nunes, più libero e interpretativo, forse più vicino alle mie 'corde'. Ho seguito anche un paio di focus di approfondimento, quello sullo 'Spiral training' e quello sullo 'Studio coreografico, dalla tecnica all'emotività nell'hip hop' e ne ho ricavato molti utili suggerimenti che avrò modo di mettere in pratica nella mia professione».

Per le giovanissime Lisa Masi (13 anni), Sofia Difato (18 anni) e Asia Maria Mercurio (18 anni) di Riva del Garda, è stato un piacevole ritorno a Campus. «Apprezzo molto l'alto livello dei docenti - afferma Lisa -. Mi piace imparare tecniche nuove ed esercizi diversi da quelli che abitualmente faccio a scuola. Non capita tutti i giorni di potersi confrontare con così tanti bravi professionisti!». «Mettersi alla prova con stili diversi è sempre molto stimolante - aggiunge Asia Maria -. Ogni docente riesce a trasmettere qualcosa di particolare di cui è bene fare tesoro. A livello personale, ho una particolare predilezione per Iker Karrera e Virgilio Pitzalis». «Cambiare insegnanti - afferma Sofia -, significa poter vedere lo stesso stile di danza da un altro punto di vista e, quindi, allargare i propri orizzonti. Nel classico ho trovato molto interessanti le spiegazioni di Lia Courrier che è molto intuitiva e pronta anche a dare i giusti consigli».

© Expression Dance Magazine - Agosto 2017

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Lino Villa, Maria Stella Zangirolami e Carolina Cavallo hanno una diversa formazione alle spalle, ma tutti e tre hanno trovato nel corso IDA la chiave di volta per il loro futuro professionale.

Alto il gradimento dei partecipanti al corso di formazione professionale per danzatore con approfondimento della rappresentazione coreografica, promosso dall'IDA - International Dance Association, insieme all'Iscom E.R. e alla Regione Emilia Romagna. Rivolto a danzatori desiderosi di approfondire gli aspetti del lavoro del coreografo in ambito contemporaneo, il corso si articola in seminari-progetto che alternano materie fondamentali ad altre collaterali e complementari. L'intento è infatti quello di offrire ai partecipanti la possibilità di approfondire gli strumenti necessari alla scrittura coreografica, all'analisi del movimento, allo studio di stili e tecniche differenti. Ecco, l'esperienza di tre dei partecipanti.

LINO VILLA

30 anni | Milano

«Mi sono formato principalmente nella danza moderna e ho già avuto l'opportunità di lavorare come coreografo in diverse produzioni dell'Arena di Verona. Al riguardo, l'esperienza più significativa è stata la "Cenerentola" di Rossini negli allestimenti di Opera Futura, dove ho avvertito tutto il fascino del lavorare con grandi artisti teatrali. Ho partecipato a questo corso per mettermi in gioco, seguendo il consiglio di vari insegnanti fra cui Virgilio Pitzalis. In seguito la decisione è maturata anche dal forte interesse che nutrivo verso i docenti, tutti con un percorso artistico e professionale molto interessante. E ora che il percorso sta per terminare, posso dire di aver ben riposto la mia fiducia e le mie speranze, visto che gli insegnanti sono stato tutti bravi nell'intercettare i nostri bisogni e le nostre emozioni, facendoci lavorare molto su noi stessi sia a livello teorico che pratico. Abbiamo affrontato tanti metodi e strutture coreografiche differenti, e ne siamo tutti usciti arricchiti dal confronto. A livello personale, ho scoperto un mondo che neppure immaginavo perché la danza contemporanea va soprattutto 'vissuta', più che guardata. Sono riconoscente a tutti gli insegnanti per ciò che mi hanno fatto scoprire e, in particolare, a Laura Moro per avermi guidato in una migliore conoscenza del corpo, facendomi scoprire la fluidità; a Lorella Rapisarda, per il bel lavoro sul metodo Laban-Bartenieff; a Emanuela Tagliavia per avermi 'illuminato' sulla struttura della composizione coreografica in uno spazio teatrale, tenendo conto della musica, delle tecniche, delle pause. A fine corso, la mia speranza è di riuscire a mettere a frutto questo mio nuovo 'io' da artista, trovando la giusta forma per i miei progetti coreografici e per le nuove idee».

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MARIA STELLA ZANGIROLAMI

24 anni | Ferrara

«Il corso è molto vario e ben strutturato. Per me che ho già studiato molti stili diversi, è molto utile ritornare alle basi, alle origini, perché ciò mi consente di guardare con uno sguardo nuovo al mio lavoro. Ogni docente e ogni singola disciplina mi ha lasciato qualcosa. In particolare, sono stata molto felice di aver approfondito il sistema Laban, mentre ho trovato piuttosto utili le lezioni sull'impiego delle luci di Daniela Bestetti, sulla drammaturgia di Renata M. Molinari e sulla scenografia di Linda Ricciardi. Tutti gli insegnanti sono stati molto bravi nel mostrare la loro idea di coreografia, così come sviluppata nel tempo a seguito degli studi e dell'esperienza acquisita. Grazie a tutti questi nuovi stimoli, derivanti da un bagaglio molto ampio di punti di vista, spero anch'io di poter trovare presto la mia strada. Quella per la danza è infatti la mia passione di sempre, scoperta quando avevo appena cinque anni. Dopo diversi anni di studio in una scuola amatoriale, a diciotto ho passato un'audizione che mi ha consentito di accedere a un corso professionale a Mantova, continuando poi a specializzarmi a Roma. Sono stata poi presa, come tirocinante, all'interno della Martz Dance Company di Eva Sanchez Martz. A causa di un infortunio sono stata costretta a rientrare a Ferrara, dove ho cominciato a insegnare. Il mio sogno nel cassetto? Diventare coreografa e avviare una compagnia di danza tutta mia».

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CAROLINA CAVALLO

17 anni | Moncalieri (Pisa)

«Il mio percorso è molto articolato, perché provengo dalla ginnastica artistica, disciplina che pratico sin dalla prima infanzia. Da ragazzina però mi sono avvicinata anche alla danza contemporanea e alla contact, mentre da adulta al teatro. In questa mia formazione eterogenea, mi mancava un tassello importante: la formazione coreografica. Il corso proposto dall'IDA mi ha subito colpito per i docenti molto validi, in grado di proporre uno sguardo diverso, perché ciascuno di loro è 'portatore' di tecniche e metodi propri. E ora che ho avuto modo di conoscerli meglio, sono molto soddisfatta non solo della loro bravura, ma anche della loro capacità di trasmettere i concetti. A livello personale, avevo già cominciato a studiare il sistema Laban ed è stato molto interessante seguire il seminario di Lorella Rapisarda che, con poche indicazioni, è riuscita a 'colorare' il movimento di ciascuno di noi. Ci ha mostrato, infatti, come "guardare, riconoscere, provare, sentire" e quindi "vedere" in modo diverso e forse nuovo, il proprio e l'altrui movimento. Particolarmente originali anche le lezioni di Laura Moro che ci ha molto aiutato nel farci fare passi in avanti rispetto al nostro modo di muoverci e coreografare. Ci ha fatto scoprire quello che lei chiama la nostra 'calligrafia motoria', il nostro segno poetico-cinetico profondo dove si legano a doppio filo movimento e pensiero. Ho seguito con grande interesse anche il lavoro sulla voce condotto da Emanuele De Checchi, per meglio 'sentire' e 'comunicare'. Frequentare questo corso mi ha dato una marcia in più per la mia professione, e già in alcuni spettacoli mi è capitato di mettere in pratica alcuni stimoli ricevuti. Qualcosa di bello sta succedendo!».

© Expression Dance Magazine - Agosto 2017