Su Instagram si comunica attraverso le immagini cercando di raggiungere il maggior numero di follower.

La danza ha iniziato a ‘ballare’ su Instagram, il social network che permette agli utenti di scattare foto, applicare filtri e fare una condivisione in rete. L’applicazione, sviluppata da Kevin Systrom e Mike Krieger, è stata lanciata il 6 ottobre 2010, e nel 2012 – prevedendo il suo grande potenziale – è stata comprata per un miliardo di dollari da Facebook Inc. Sempre più diffuso in tutto il mondo (600 milioni di utenti), in Italia è usato da 14 milioni di utenti ogni mese e da 8 milioni di utenti al giorno, in particolare da giovani. Secondo alcune statistiche, infatti, il 90 per cento degli utenti avrebbe un’età inferiore ai 40 anni. Questo perché attraverso le immagini si comunica in maniera più diretta e immediata. Le nuove generazioni preferiscono condividere immagini, foto e video piuttosto che scrivere. 

Gli esempi di successo. Seguendo questa tendenza in costante aumento, i brand già da tempo hanno cominciato a puntare su questa piattaforma visuale, e non solo nell’ambito della moda, del design e del food dove va fortissimo. Instagram infatti si attesta come il secondo social network con più alto tasso di engagement, e questo si riflette anche nel rapporto brand-follower: secondo le statistiche su Instagram l’engagement con i brand è 10 volte più alto che su Facebook. L’arte della danza, fatta principalmente di movimento ed espressività, ben si presta a Instagram perché le immagini – sotto forma di foto o video – sono uno dei mezzi migliori per valorizzarla e fissarla nella memoria collettiva. Non si contano gli artisti di fama internazionale, le compagnie di danza, i grandi corpi di ballo, i teatri che ormai hanno aperto un proprio account Instagram che viene curato con grande attenzione e professionalità. 

Qualche esempio dei migliori, ossia dei più seguiti in termini di follower? Fra i danzatori, ci sono Misty Copeland con il nickname ‘mistyonpointe’ (1 milioni e 500 mila), Andreas Müller (1 milione), Roberto Bolle (556 mila), Marianela Nunez (155 mila), Sergei Polunin (143 mila), Daniil Simkin (103 mila), Natalia Osipova (105 mila), Polina Semionova (88,3 mila), Svetlana Zacharova (80,6 mila), Petra Conti (53,5 mila); tra i teatri, la Royal Opera House (289 mila), l’American Ballet Theatre (481 mila), il Teatro della Scala di Milano (116 mila); tra i corpi di ballo, il Ballet de l’Opéra de Paris (260 mila), l’Accademia del Bolshoi di Mosca (485 mila), l’English National Ballet (152 mila). Ma la lista sarebbe lunghissima ed è in continuo aggiornamento. Prendere spunto da questi artisti e grandi istituzioni, può essere di aiuto per gli aspiranti danzatori e per le scuole di danza che desiderano dare al proprio account una spinta in più in termini di professionalità e visibilità, guadagnando quindi più follower. 

Come usarlo al meglio. Su Instagram, social ‘fotografico’ per eccellenza, lo scopo è infatti quello di comunicare attraverso le immagini e di raggiungere il maggior numero di follower. Che siate un ballerino o una scuola di danza, una volta aperto un profilo Instagram, vale la regola di qualsiasi social network: tenerlo aggiornato. È inutile avere una presenza social se poi nessuno ne cura i contenuti, sarebbe come avere una bellissima scuola di danza ma senza insegnanti. 

Come in tutti gli ambiti, è necessario adottare una strategia di marketing, ma soprattutto interagire con i propri follower, essere interessanti, postare immagini curate e se possibile creare una gallery con uno stile uniforme. La cosa migliore da fare, ancora prima di aprire un account Instagram, è conoscere il proprio pubblico: capire chi sono, che cosa amano vedere, che cosa suscita in loro emozioni. 

Come ogni brand, anche una scuola di danza ha ‘valori’ che la contraddistinguono e che devono riflettersi nella comunicazione visiva, attraverso i colori, i filtri, i soggetti, gli elementi che compongono gli scatti. Il consiglio è di adottare un profilo aziendale che consente di inserire un numero di telefono, un’email o altro recapito per essere raggiunti dai propri allievi, ma anche di abilitare la funzione Insight, ossia le statistiche.

Sarà inoltre possibile creare promozioni per pubblicizzare i propri servizi/eventi e collegare all’account Instagram una pagina Facebook aziendale.  È bene poi usare per l’immagine del profilo il logo della scuola. La biografia su Instagram deve essere redatta in modo da richiamare ai propri valori, ed essere emozionale nel modo più conciso possibile. 

Meglio identificare una palette di colori da utilizzare in ogni singolo scatto, ed eventualmente un font da usare nel caso di immagini con scritte. 

Negli ultimi tempi gli account più seguiti usano con moderazione i filtri di Instagram, ma cercano un proprio stile fotografico che li contraddistingue e che sia quindi subito identificato quando si scorre velocemente il feed. 

Alcune app che possiamo consigliarvi per la postproduzione delle vostre foto sono: Snapseed, VSCO Cam, Lightroom e Photoshop Express. 

Quali hashtag usare. Non è necessario riempire ogni post di hashtag, al massimo se ne possono usare 30, e occorre fare attenzione alle penalizzazioni. Infatti, molti degli hashtag più utilizzati sono stati bannati: questo significa che, inserendo anche solo un hashtag tra quelli nella “lista nera” di Instagram, ai sarà penalizzati dal temutissimo ‘shadowban’, come viene chiamato in gergo. Questo comporta che la propria foto non sarà più visibile nelle ricerche, quindi il proprio account perderà risultati in termini di visibilità. Ovviamente la lista cambia regolarmente a seconda dei cambi di algoritmo di Instagram, quindi è sempre bene tenerla d’occhio facendo ricerche online. Il corretto uso degli hashtag prevede di sceglierli con cura, non utilizzare sempre gli stessi, farsi ispirare da un concorrente, o magari da un account che ha contenuti simili ai propri, o che piace particolarmente. Non dimenticare che i risultati arrivano solo facendo test continui, sfruttando quindi le Insight e osservando le reazioni del proprio pubblico. 

Quanto e quando pubblicare. Il consiglio è di postare 2/3 foto al giorno, ma se non si ha la possibilità di realizzare così tanti contenuti  - un impegno gravoso dovendo puntare sulla qualità – può andar bene anche una sola. L’importante è essere regolari. L’orario migliore? Secondo alcune statistiche, quelli di ‘relax’, quindi la mattina durante o subito dopo la colazione, nella pausa pranzo o alla sera dopo cena. Una delle ultime novità introdotte da Instagram, sono le Instagram Stories. Sulla falsariga di Snapchat, le Storie sono brevi video o composizioni di immagini che possono essere condivise con i propri follower ma che hanno una vita limitata. Dopo 24 ore infatti non sono più visibili, a meno che vengano inserite negli highlights, cioè nei contenuti in evidenza, che sono quelli che vengono mostrati subito dopo la biografia del proprio profilo Instagram. Questa nuova funzione è diventata molto utile per ogni account, e si presta a moltissime personalizzazioni. 

Quali contenuti pubblicare. Pensando a una scuola di danza, si potrebbe tenere sempre in evidenza una piccola visita guidata all’interno della scuola per mostrarne le aule o momenti di lezione e magari caricare una foto con gli orari della scuola e la suddivisione delle lezioni. Oppure si potrebbe fare un contenuto per presentare lo staff della scuola in cui ogni insegnante possa sfruttare il potenziale della stories per presentarsi con un piccolo momento di ballato. Oltre a consentire l’inserimento di foto e video, le Stories permettono anche di aggiungere disegni fatti a mano o scritte, GIF animate e presto anche la condivisione di tracce musicali prese dalle più famose app (come ad esempio Spotify). Da non trascurare anche la possibilità di creare Instagram Stories live, ossia di registrare dei video in diretta da condividere con i propri follower, che saranno visibili mentre si stanno registrando e per le successive 24 ore. Per le live purtroppo non c’è la possibilità di inserirle negli highlights, ma un buon sistema per usarle potrebbe essere ad esempio durante le lezioni a porte aperte di modo, che si crei un appuntamento in cui invitare il proprio pubblico a seguire la live, se non si potrà partecipare fisicamente. Oppure stabilendo un giorno alla settimana in cui farla e un orario specifico, dando quindi una rubrica con un appuntamento fisso ai propri follower. 

© Expression Dance Magazine - Maggio 2018

Danzatrice dell’anno 2015 per TANZ Dopo lo Staatstheater Cottbus, oggi è solista all’Hessisches Staatstheater Wiesbaden. Così Greta Dato ha conquistato i tedeschi...

«Sentivo il bisogno di mettermi alla prova e di aprirmi a nuove esperienze». Greta Dato spiega così il recente cambiamento nella sua vita professionale: dopo lo Staatstheater Cottbus, da agosto 2017 lavora come solista all’Hessisches Staatstheater Wiesbaden, sotto la direzione di Tim Plegge. «Mi trovo benissimo in questa compagnia, il repertorio è molto vario e quindi particolarmente stimolante. Il nostro direttore è anche coreografo, pertanto abbiamo la possibilità di lavorare personalmente a contatto con lui ma anche con molti coreografi ospiti» racconta. Piemontese di Biella, classe 1993, Greta è stata nominata nel 2015 ‘Danzatrice dell’anno’ dalla rivista tedesca “TANZ”, per poi ricevere, l’anno successivo, il prestigioso ‘Max Grünebaum Preis’. Dei riconoscimenti che per la solare e versatile ballerina che ha conquistato i tedeschi sono arrivati dopo un lungo percorso, cominciato a cinque anni con lo studio della danza moderna, dell’hip-hop e dei balli caraibici. «Fin da piccola, appena sentivo la musica, danzavo in salotto con mio fratello Davide (ndr, étoile del Balletto dell’Opera di Vienna). I miei genitori hanno così deciso di iscrivermi alla scuola di danza della mia città». 

Come pensavi alla danza quando eri bambina?

«Mi sono avvicinata a questa bellissima disciplina in modo molto naturale e spontaneo. In realtà, per me non è mai stata un hobby o un passatempo, ricordo che dopo la mia prima lezione mi fu immediatamente chiaro che non avrei voluto fare nient’altro».

Come sei arrivata alla Scuola del Balletto di Toscana? Che ricordi hai di quel periodo?

«Ho iniziato a studiare alla Scuola del Balletto di Toscana perché desideravo un posto che mi potesse offrire un percorso formativo completo. È stato un periodo fondamentale per la mia crescita. Questa  scuola mi   ha offerto la possibilità di imparare la tecnica classica così come la danza contemporanea, moderna e l’hip-hop».

Come professionista hai debuttato con il Balletto di Milano. Che esperienza è stata?

«Sono entrata al Balletto di Milano a 18 anni. Il primo contratto è sempre qualcosa di speciale, perché segna il passaggio dalla scuola all’ambiente lavorativo. Ho ricordi bellissimi legati a quel periodo. Grazie alla fiducia del direttore Carlo Pesta, ho avuto la possibilità di interpretare ruoli principali in molte produzioni della compagnia. È stata per me una grande sfida che mi ha permesso di crescere sul palcoscenico».

Nel 2013 sei approdata come ospite allo Staatstheater Cottbus, dove ti sei inserita stabilmente l’anno successivo. Com’è nata la decisione di lasciare l’Italia?

«In realtà non l’ho affatto pianificato, anzi sono molto amareggiata all’idea che oggi sia così difficile poter lavorare nel nostro Paese. L’opportunità di danzare come ospite allo Staatstheater Cottbus è arrivata all’improvviso e successivamente mi è stato offerto un contratto più duraturo. Ho pensato fosse una buona occasione per me. Ho trascorso tre anni in questo teatro, ho imparato moltissimo e sono davvero riconoscente al direttore Dirk Neumann per avermi permesso di crescere a livello tecnico e artistico».

Quando hai preso coscienza del tuo talento?

«Credo sia una domanda che non mi sono mai posta. Forse il talento è un qualcosa che si ha dentro e viene percepito dagli altri, dal pubblico più che da se stessi».

Cosa rappresenta per te la danza?

«È una scelta di vita. Non si è danzatori solo in sala prove o sul palco, lo si è sempre. Ho sempre messo la mia passione davanti a ogni altra cosa. È un bisogno per me, non potrei mai farne a meno».

Quali sono stati gli incontri e i momenti più significativi?

«Sono molte le persone a cui sono grata. Ogni maestro, direttore o coreografo con cui ho avuto il piacere di lavorare ha lasciato qualcosa di importante dentro di me. In particolare il maestro Ludmill Cakalli, con cui   ho studiato a Milano, ha inciso molto nel mio percorso formativo».

Quali sono stati, invece, i momenti di maggiore difficoltà?

«Ricordo che a scuola ci sono stati molti momenti duri, perché pretendi tantissimo da te stessa. Altre grandi sfide per me sono arrivate da quando lavoro in compagnia: ogni coreografo è diverso, quindi è una continua ricerca dentro se stessi. Non è sempre facile, è una crescita continua».

Come consideri la situazione della danza in Italia rispetto a quella in Germania?

«Purtroppo in Italia ci sono sempre più danzatori e sempre meno corpi di ballo. Si dovrebbe cercare di dare più spazio e investire di più in quest’arte. I teatri italiani sono numerosi e stupendi, ma non sono sostenuti economicamente nel modo adeguato dallo Stato. In Germania ogni città ha un teatro stabile con un corpo di ballo». 

Ti piacerebbe tornare in Italia?

«Certamente e volentieri. In futuro magari anche stabilmente, sperando che la situazione per noi danzatori possa migliorare presto».

Qual è il ruolo interpretato che ti ha regalato più emozioni?

«Credo Giulietta in “Romeo & Julia” di Ralf Rossa. Per me è stato molto interessante provare a immedesimarmi  in questo carattere. Penso che per questi tipi di ruoli le emozioni siano credibili sul palcoscenico solo se sono vere e reali».

Che consigli ti senti di dare ai giovani di oggi che sognano un futuro da ballerino? 

«Prima di tutto di non perdere mai di vista il proprio obiettivo. Poi di essere consapevoli che non è un ambiente facile ma che, con determinazione, perseveranza e duro lavoro, le soddisfazioni arrivano».

Con tuo fratello Davide che rapporto hai? Cosa lo distingue, a tuo avviso, dagli altri danzatori?

«Ho un rapporto fortissimo con lui. Abbiamo condiviso fin da piccoli la nostra passione. Per me è un grande esempio in tutto. Ha un forte senso del sacrificio e una grande umiltà. A livello professionale adoro la sua presenza scenica, non solo è un danzatore con un altissimo livello tecnico e un'incredibile versatilità ma è anche un grande artista sul palcoscenico».

La vostra famiglia vi ha sostenuti nel vostro percorso?

«Sempre. Senza l’appoggio e i sacrifici dei nostri genitori non saremmo mai potuti diventare danzatori professionisti. Sono loro molto grata per questo».

Com’è la tua giornata tipo? 

«La giornata inizia alle 10 con il training quotidiano. Successivamente proseguo con le prove dalle 11.30 alle 18, con un’ora di pausa pranzo».

Cosa ti piace fare al di fuori della danza?

«Sono una ragazza normalissima, mi piace stare in compagnia e passare delle belle serate con gli amici. Nel tempo libero, mi piace disegnare modelli di body di danza. Credo che per noi danzatrici sia importante sentirci bene in quello che indossiamo, senza però dover rinunciare alla nostra femminilità. Mi piacerebbe molto in futuro creare una mia linea di abbigliamento per la danza».

Mi confidi un sogno nel cassetto?

«Mi ritengo già molto fortunata e privilegiata nel poter vivere ogni giorno della mia passione. Questo è sempre stato il mio sogno nel cassetto. Pensando al mio futuro non ho piani prestabiliti, anche perché credo sia molto difficile averne in questo ambiente. Mi piacerebbe molto che la mia professione mi portasse a viaggiare in molti posti del mondo e che un giorno mi riportasse a casa, in Italia».

© Expression Dance Magazine - Maggio 2018