Prove generali del saggio. 10 minuti di tempo per la prova spazio e per una prova della coreografia.  Sicuramente è una sensazione che tutti i colleghi che insegnano conoscono: 16 bimbi entrano sul palco per la prima volta, le luci sono basse e non si vedono bene i loro volti ma si sentono nitidamente le voci… "Maestra aiuto! Il palco è in discesa”; i bambini incominciano ad agitarsi e il tempo a disposizione è veramente poco...

Prima di proseguire nel racconto, una piccola premessa: i miei bimbi e i miei ragazzi frequentano i corsi di Danzare ConTATTO dove lavorano con l'anatomia esperienziale in movimento ricercando la percezione corporea, la postura in modo dinamico, l'ascolto del corpo nello spazio e del corpo in relazione agli altri. La musica e la danza sono degli strumenti che vengono utilizzati per questa ricerca ma non sono l'obiettivo principale. Il muoversi sul palco per molti di loro è una esperienza unica e nuova.

Ma torniamo al momento della prova spazio. 

Sento che devo trovare una soluzione efficace e immediata che mi permetta di tranquillizzarli e rendere super efficaci questi pochi minuti... Il mio cervello è ancora alla ricerca di una soluzione quando sento la mia voce che con tono calmo e rassicurante dice: “Bambini ricordate il lavoro fatto sullo spazio, quando vi chiedevo di stendervi a terra e di rotolare nella sala per sentire lo spazio con tutto il corpo? Ricordate che c’era un'unica regola? Di prestare attenzione ai compagni!! (Il gruppo è formato da bimbi di diverse età e ci sono bimbi con alcune difficoltà motorie). Subito chiedo loro di stendersi al pavimento di ascoltarlo con la parte del corpo che appoggia e di rotolare piano piano per appoggiare parti diverse del corpo.

Questo movimento, se fatto ad occhi chiusi, crea informazioni al cervello attraverso il contatto della pelle col suolo e all'apparato vestibolare. Tutto ciò andrà ad agire sulla propriocezione, sull'equilibrio e sulla postura.

Questa attività è di grande utilità per tutti ma in particolare per i bimbi che all'interno del gruppo presentano problemi ad alcuni distretti corporei causati da difficoltà incontrate durante il parto.

Magicamente sento i bimbi sorridere e rotolarsi sul pavimento grazie ad un’esperienza che conoscono molto bene e la paura viene sostituita da voci giocose.

Dopo qualche minuto chiedo loro di andare dietro le quinte nelle posizioni di partenza per incominciare a raccontare la fiaba che avevamo creato per lo spettacolo.

La musica parte ed escono dalle quinte con padronanza dello spazio e incominciano a muoversi portando a termine nel loro miglior modo il lavoro che avevamo preparato.

A questo punto ero certa che al momento dello spettacolo vero e proprio avrebbero dato il loro miglior contributo per la riuscita del loro pezzo.

Detto questo mi piacerebbe fare un passo indietro e provare a raccontarvi come ho preparato i due gruppi di Danzare ConTATTO (bimbi e grandi) al saggio finale.

Dovete sapere che il ‘gruppo dei grandi’ è composto da ragazze che fanno danza da anni, ma anche da allieve principianti, mosse dal desiderio di fare esperienza e conoscenza del proprio corpo per superare attacchi di ansia o di panico (queste ragazze integrano il lavoro corporeo con un percorso seguito da una psicologa). Sono quindi gruppi eterogenei dal punto di vista dell'età e dei bisogni ma omogenei per quanto riguarda la ricerca del movimento e del benessere.

Il titolo della FIABA che abbiamo creato è GIOCO CON LO SPAZIO.

"La Terra è stata conquistata da una regina dello spazio e con il suo supercomputer di bordo vuole gestire l'intero Sistema Solare e trasformare gli umani in nano macchine”.

In questo contesto tutto è digitale e la tecnoliquidità rischia di trasformarci in "nanomacchine": i movimenti diventano più automatici e il corpo più rigido con variazioni importanti di postura...

...ma una goccia di acqua inceppa gli ingranaggi e gli umani incominciano a toccarsi.

L'acqua rappresenta la vita, la vitalità, il movimento e il contatto; educa a percepire i propri confini e quelli degli altri (proprio per agire su questi obiettivi sono stati proposti laboratori mirati al contatto a coppie e ‘rotolamenti’ tra di loro).

Quando la regina si accorge della trasformazione ordina ai suoi robot di gettare una rete e bloccarli. I bambini trovano un varco nella rete e giocando provano a riconquistare la Terra.

Si tratta di una metafora importante in quanto in questo modo li si vuole educare a cercare sempre una soluzione e, giocando, a trovare e ricercare nuovi e propri spazi.

La regina fa un incantesimo e li porta in un luogo segreto. I bambini si bloccano sul palco creando una forma rigida e i robot li portano via.

La folletta dei boschi con il suono del suo  violino richiama tutte le donne della Terra perché sciolgano dall'incantesimo i bambini affinché rappresentino il futuro.

Sul palco quindi entrano le ragazze grandi.

L'albero sul tappeto volante indica la prima prova che consiste nel superare le proprie OMBRE.

Marianna suggerisce come connettersi per superare la seconda prova. Le stelle indicano come creare una nuova rete e il millepiedi mostra l'ultima prova.

La regina dello spazio, dunque, guidata dal Grande Cuore decide di non volere conquistare la Terra ma di volerla conoscere.

La fiaba racchiude e rappresenta tutto il lavoro svolto durante l'anno attraverso laboratori di anatomia esperienziale in movimento alla ricerca di sensazioni nella dimensione fantastica e alla ricerca di nuove comunicazioni verbali e corporee con gli allievi.

La fiaba ci aiuta con la sua struttura ad individuare le difficoltà e ci indica anche come poterle superare. In questa ricerca ed elaborazione abbiamo stimolato il benessere psico-fisco di grandi e bambini.

"Le fiabe sono l'espressione più pura e semplice dei processi psichici dell'inconscio collettivo. Per l'indagine scientifica dell'inconscio esse sono di grande valore e rappresentano gli Archetipi nella forma più semplice. Le fiabe ci offrono i migliori indizi per comprendere i processi che si svolgono nella psiche collettiva". (cit. Le fiabe interpretate di Marie Louise vin Franz).

“Superare le proprie ombre aiuta a superare l’ansia e la paura. I laboratori proposti hanno creato una connessione interna con il proprio corpo ed esterna con i compagni per dare il via ad una nuova rete. Tutto deve passare attraverso il cuore e il desiderio di conoscere”.

Questi laboratori sono rivolti a chi studia danza perché aiutano a sostenere e migliorare la tecnica, in quanto i ragazzi hanno maggiori informazioni a livello propriocettivo e migliorano le informazioni corporee. Ma, in verità , sono indicati anche ai bimbi o adulti che si apprestano a fare qualsiasi attività fisica perché aumentano la conoscenza del proprio corpo e la percezione di sé nello spazio, migliorando anche la relazione con gli altri poiché attivano e sostengono una adeguata postura.

Finale della fiaba

Le ragazze si fermano in una posizione in ginocchio, i bimbi entrano e si fermano ciascuno davanti ad una di loro: si guardano dritti negli occhi. Piano piano le coppie che si sono formate escono. Rimangono in scena un bimbo ed una bimba che si guardano negli occhi.

Guardarsi negli occhi educa ad una attenzione profonda di sé e dell'altro.

Note sull'autrice:

Rita Valbonesi Osteopata, fisioterapista, insegnante di danza, insegnante di yoga, yoga educational e yoga wellness, collabora da anni con l’IDA come docente. Ha frequentato seminari di anatomia esperianziale con Jader Tolja e sta studiando Body-Mind Centering.

Il 9 e il 10 febbraio 2019 e il 9 e il 10 marzo 2019 sono in programma due laboratori di Anatomia Esperienziale in Movimento; il primo weekend è dedicato ai bimbi ed è intitolato “La scatola dei colori che danzano”, mentre il secondo è rivolto agli adulti, "Allineamento dinamico e movimento fluido: i tre pesi del corpo e i fluidi". Maggiori info a questo link >

Fotografia di Daniele Casadio

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2018

Uno degli aspetti più rilevanti nell’insegnamento della tecnica della danza classica (e non solo) è quello di utilizzare il conteggio musicale in maniera corretta durante la lezione. Il danzatore e la danza sono uniti alla musica; il “come” si usa la musica è di estrema importanza per creare una simbiotica relazione che definisca la dinamica, la qualità del movimento e l’estetica della danza. Il danzatore attraverso la musica interiorizza tecnicamente e cinesteticamente e traduce attraverso il movimento questa stretta relazione.

La scelta musicale dei brani per gli esercizi è molto importante: essi devono essere funzionali alle intenzioni metodologiche del docente di danza.

Tutti i movimenti o i passi della danza classica hanno naturalmente un ritmo proprio e si costruiscono attraverso l’analisi della ritmica e della metrica musicale. Per questo motivo è necessario approfondire alcuni aspetti essenziali della misurazione del movimento nella lezione di danza. Lo facciamo di seguito.

La musica, spiega Mario Fulgoni, porta «dentro di sé un cuore che pulsa regolarmente e più o meno velocemente a seconda degli stati d’animo o dell’impegno muscolare».

«La musica», prosegue Fulgoni, «è accompagnata da pulsazioni regolari, non percepibili all’orecchio (come quelle del cuore), ma molto chiare e continue».

Nel lessico musicale l’alternarsi di contrazione e distensione, di tensione e riposo, viene solitamente definito come succedersi di levare e battere.

Su questo succedersi di levare e battere si sofferma anche Antonio Sorgi, che scrive: «musicalmente parlando, il battere e il levare sono due termini che convivono, poiché non si può eseguire un corretto battere (tempo forte), se questo non è preceduto da un levare (tempo debole), altrettanto efficace».

I due termini (battere e levare), che hanno un significato intuitivo, traggono origine dal movimento della mano che nella musica mensurale è sempre stato utilizzato per misurare il ritmo: «la mano si “leva” in su nell’arsi (elevazione – tensione) e si “batte” in giù nella tesi (deposizione – riposo)».

Tutti i movimenti verticali dall’alto in basso – spiega Luigi Rossi – si definiscono movimenti in battere; tutti gli altri, laterali o dal basso in alto, si definiscono movimenti in levare.

«Per facilitare la lettura ritmica ogni brano musicale viene diviso in tante parti di eguale durata chiamate Misure o Battute». Esse sono «lo spazio esistente fra due Stanghette verticali attraversanti il pentagramma» e delimitano «gruppi regolari per numero di pulsazioni». Queste ultime vengono chiamate anche movimenti perché ognuna di esse corrisponde ad un movimento della mano destra in battere o in levare.

Ogni singola misura contiene un determinato numero di pulsazioni indicato da un numero frazionario posto all’inizio del brano, subito dopo la chiave. Tale numero frazionario indica il tempo musicale del brano e determina anche «quanto ci si ferma in ogni misura, cioè quale è la loro durata».

Ogni pulsazione è divisibile in parti più piccole chiamate suddivisioni.

I tempi musicali si distinguono:

• in base al numero delle pulsazioni

• in base al numero di parti in cui è divisibile la pulsazione

In base al numero delle pulsazioni i tempi possono essere:

• a misura binaria (due pulsazioni)

• a misura ternaria (tre pulsazioni)

• a misura quaternaria (quattro pulsazioni)

In base al numero di parti in cui è divisibile la pulsazione i tempi possono essere:

• semplici (in cui ogni pulsazione è divisibile in due parti)

• composti (in cui ogni pulsazione è divisibile in tre parti)

Il numeratore e il denominatore della frazione indicano cose diverse a seconda se il tempo sia semplice o composto:

• numero di pulsazioni contenute in ogni misura, il denominatore indica il valore di ogni singola pulsazione

• se il tempo è composto, il numeratore indica il numero di suddivisioni contenute in ogni misura, il denominatore indica il valore di ognuna di tali suddivisioni

Il tempo semplice e il relativo composto si assomigliano – sintetizza Rossi – poiché entrambi hanno lo stesso numero di pulsazioni (es.: 2/4 e 6/8 hanno due pulsazioni, 3/4 e 9/8 ne hanno tre). Si differenziano per la suddivisione ritmica, in quanto il tempo semplice ha la suddivisione binaria, il tempo composto ha la suddivisione ternaria.

Argomento importante per gli insegnanti di danza è quello del conteggio dei vari tempi musicali: su questo si veda quanto scrivono Antonio Sorgi e Harriet Cavalli.

Nota: A. Sorgi "Musica e danza. Nuova edizione" pp. 99-106; H. Cavalli "Dance and Music" pp. 15-43 Tutti i riferimenti in Bibliografia in fondo all'articolo

Veniamo ora alla metodologia della danza classica.

Il tempo, nell’analisi ritmica dei movimenti di base della tecnica della danza classica, è l’unità di misura del movimento stesso e nel fraseggio questo si indica con il seguente valore: un tempo = 1/4.

Tutte le fasi dei movimenti si contano da 1 a 8; quando si dovrà frazionare il tempo in ottavi, si suddivideranno le parole relative ai numeri (uno-due-ecc.) nelle due sillabe che le compongono (es. battement fondu eseguito in 2 tempi [uno-due] = u-no/du-e).

Se volessimo suddividere i due ottavi di un tempo in sedicesimi (“u-no”), si potrebbero raddoppiare le vocali delle due sillabe.

Un altro elemento importante nella fase del conteggio musicale è che, per far capire il ritmo, la dinamica e la qualità del movimento, non è sufficiente scandire le fasi solo con la sua suddivisione, ma è necessario abbinare al movimento una giusta intonazione e modulazione della voce che dia risalto alla corretta dinamica e qualità del movimento.

Nel conteggio musicale si dovrà distinguere, con la modulazione della voce, la dinamica del movimento, lo staccato o il legato:

• per lo staccato si dovrà contare in modo netto, marcando i passaggi dei movimenti

• per il legato si dovranno emettere suoni che inducano l’alunno a legare il movimento

Torniamo alla teoria musicale. In base al battere e al levare, l’inizio e la fine di una frase musicale si possono classificare in più modi (Fulgoni).

In relazione all’attacco ritmico iniziale di una frase musicale si distinguono tre modi:

• ritmo tetico: la frase inizia in battere o sulla pulsazione forte (tempo forte)

• ritmo anacrusico: la frase inizia in levare o sulla pulsazione debole (tempo debole)

• ritmo acefalo: la frase inizia con la pausa in battere o sul tempo forte

In relazione al ritmo finale di una frase musicale si distinguono due modi:

• ritmo tronco (maschile): l’ultima nota cade sul tempo forte

• ritmo piano (femminile): l’ultima nota cade sul tempo debole

Chiudiamo con una tabella esemplificativa per l’analisi musicale dei movimenti di base alla sbarra della tecnica della danza classica con tempi semplici (pulsazione a suddivisione binaria): 2/4; 4/4.

Bibliografia:

H. Cavalli, Dance and Music. A Guide to Dance Accompaniment for Musicians and Dance Teachers, University Press of Florida, Gainesville 2001

M. Fulgoni, Manuale di musica. Nuovo metodo pratico per la conoscenza della semiologia musicale, volume primo, Edizioni Musicali LA NOTA, Santa Vittoria (RE) 1989

G. Kassing – D. M. Jay, Teaching Beginning Ballet Technique, Human Kinetics, Champaign, IL (United States of America) 1998

F. Pappacena, Tecnica della danza classica. Il ritmo. Introduzione e annotazioni ritmico-musicali di Stefano Liberati, Gremese Editore, Roma 1988

L. Rossi, Teoria musicale. Ad uso dei Conservatori e Istituti musicali, Casa Musicale Edizioni Carrara, Bergamo 1977

A. Sorgi, Musica e danza. Nuova edizione, NeP edizioni, Roma 2017

Note sugli autori:

Francesco Ragni Laureato in Maestro Collaboratore per la Danza presso il Conservatorio di musica "A. Casella" dell'Aquila e l'Accademia Nazionale di Danza di Roma. Docente di Tecniche di accompagnamento alla danza e teoria e pratica musicale per la danza presso il Liceo Coreutico "Piero della Francesca" di Arezzo.

Massimiliano Scardacchi Insegnante diplomato all’Accademia Nazionale di Danza di Roma e alla Scuola del Teatro alla Scala di Milano

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2018

Regista, coreografa, insegnante di danza contemporanea, contact improvisation, teatro fisico e Pilates presso centri di formazione internazionali per danzatori, ma anche personal trainer olistico, ideatrice del metodo di integrazione e mediazione corporea per portatori di handicap Corpo Poetico®, nonché fondatrice nel 2000 della compagnia di danza inclusiva Vi-kap: il mondo di Anna Albertarelli, milanese di origine e bolognese di adozione, è ampio e variegato ma trova nell’arte perfomativa a carattere sociale declinata in più forme il suo comun denominatore.

Un principio condiviso anche dalla disciplina del Dance Ability, ovvero lo studio d’improvvisazione del movimento nato verso la fine degli anni ottanta in America dal lavoro del coreografo Alito Alessi, che si fonda sull’idea di danzare insieme in un’ottica di integrazione sociale dei cosiddetti ‘divesi’, spesso emarginati a causa delle loro difficoltà psichiche e motorie. 

È proprio in seguito alla partecipazione ad un corso di Dance Ability a Prato, nell’ormai lontano 1996, che Albertarelli  ha intrapreso un percorso ventennale di scoperta nel mondo delle disabilità e, dunque, nella danza inclusiva. 

“Quando partecipai al corso – racconta Anna Albertarelli – ero già insegnante di contact improvvisation e pertanto non del tutto nuova a certe situazioni ed emozioni. Ricordo che rimasi estremamente affascinata dalla ricerca del movimento proposto dalla disciplina e una volta tornata a Bologna decisi di ricreare una  situazione con la stessa atmosfera respirata”. E così per circa due anni Albertarelli, insieme all’amico psicologo e psicomotricista Roberto Penzo, si trovò al centro di un piccolo melting pot dove gravitavano tante persone con problemi differenti e storie da raccontare. 

“Decidemmo di istituire un luogo di incontro e ricerca sulla danza e il teatro dove la parola inclusione per noi era già scontata; aprimmo le porte a danzatori ed attori diversamente abili, a studenti universitari provenienti da diversi corsi di studi (dal DAMS, alle Scienze Motorie, fino alle Facoltà Socio Educative) e a chiunque volesse partecipare ad un’esperienza collettiva”.

Un contenitore di ricerca innovativo e all’avanguardia che, supportato dal CUSB di Bologna, si è via via sviluppato dando vita alla compagnia professionale Vi-Kap, costituita da attori e danzatori diversamente abili, eventi performativi, conferenze, video arte/danza.

“Nell’ambito delle azioni artistiche – sottolinea Anna - sono sempre stati banditi atteggiamenti pietistici, commiserevoli ed  accomodanti: le nostre scelte e le azioni dei protagonisti sulla scena sono condivise da tutto il gruppo in un’ottica paritetica e di confronto. Il percorso intrapreso fino ad oggi non si basa sul virtuosismo, bensì sulla poetica, o meglio su una ‘riflessione poetica’, che si propone di constatare come corpi diversi possano interagire tra loro, studiarsi e conoscersi attraverso l’improvvisazione e il teatro fisico”. 

Un approccio nuovo che ha permesso ad Anna Albertarelli di trovare e scoprire le mille sfaccettature delle persone, danzatori abili e non: “L’esperienza mi ha insegnato ad ascoltare questi incontri per trasformarli in poesia e quindi in atto creativo – confida -. Per noi di Vi-Kap, il palcoscenico o l’ambito della ricerca artistica è un ‘tappeto fatto di materia’ dove avvengono incontri-scontri fisici, il denudamento attraverso l’ineleganza compositiva e l’idea della danza come fluire di emozioni, il gesto come pura contrazione muscolare o fisica. In tutte le fasi del lavoro è indispensabile creare un clima collettivo di fiducia e rispetto così da far nascere anche una buona dose di coraggio. Il collettivo VI-KAP, come ora ci definiscono, ha acquistato una coscienza profonda dell’essere attori-danzatori. Il nostro è un percorso di ricerca artistica e pedagogica, per questo riteniamo debba essere svolto con rigore e coerenza”.

Si tratta di un vero e proprio “Pensiero di vita”, che ha dato forma ad una nuova disciplina chiamata Corpo Poetico®, ovvero un protocollo pedagogico che mette in primo piano “l’aspetto umanista dell’essere”, la sua corporeità, la sua consapevolezza, la sua energia e la sua presenza adattabile a diverse situazioni e contesti. È, più semplicemente, la ricerca costante di una serie di caratteristiche riproposte  trasversalmente all'interno di diversi corsi professionali per danzatori/attori rivolti a insegnanti di danza, educatori e assistenti sociali o operatori del settore educativo, o di stage esperienziali  aperti a tutti. Non solo, l’insegnamento di Corpo Poetico® può essere divulgato anche sotto forma di laboratorio all’interno di associazioni o cooperative sociali: il metodo, infatti, assume modalità di approfondimento diverse pur rimanendo fedele al suo principio di base, che vede “Il corpo nelle sue innumerevoli sfaccettature come materia di indagine e di crescita personale rivolto ad un unico atto finale poetico artistico”, come riassunto dalla sua ideatrice Anna Albertarelli. “Gli strumenti – conclude Anna - sono dunque le dinamiche di gruppo, il movimento, la danza contact improvisation, l’Anatomia Sensoriale®, il teatro fisico e tutte le loro possibili diramazioni”.

“L'incontro e la sensibilità rispetto a queste problematiche – spiega ad Expression Dance Magazine il psicoterapeuta Roberto Penzo, co-ideatore di Corpo Poetico® - si sviluppa dopo una lunga collaborazione. Nel corso degli anni, la scelta di operare in questi territori è stata mirata all'integrazione intesa come ricerca di nuove conoscenze attraverso il linguaggio espressivo corporeo e della danza, esasperato in ultimo nella decisione di ampliare tale sperimentazione al campo educativo e formativo, fino a costituire una metodologia di lavoro vera e propria”. 

Tutt’oggi la professionalità di Penzo è legata alla condivisione di un metodo mirato allo sviluppo delle potenzialità di persone, siano esse disabili o no, in una dinamica di gruppo in continua evoluzione. “Il percorso – aggiunge lo psicoterapeuta - procede per tappe successive e ha come prerogativa strutturare nel gruppo una buona immagine di sé attraverso una serie di relazioni in grado di mobilitare il corpo degli affetti e delle emozioni. In altri termini, lo scopo finale è essere in grado di fare accrescere istanze di autonomia e di partecipazione, dando voce alle differenze e le esigenze dei singoli”.

Si tratta di una metodologia in continuo evolvere che, grazie all’esperienza di due professionisti come Anna Albertarelli e Roberto Penzo, si propone di accrescere l’autostima e la fiducia nel prossimo, generando nel tempo consapevolezza del proprio corpo e dello spazio. Coinvolgendo la componente emozionale/relazionale del gruppo rispettandone le dinamiche, il Corpo Poetico® diventa, infine,  parte integrante del processo recettivo e reattivo del percorso di crescita.

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2018

In foto: Benedetta Pisapia alla Dance Area; Yeison Giannino sul palco di Expression; Linda Moretti al BDC con Korie Genius (insegnante di Dancehall) e Gabriele Pieragalli al BDC di New York.

Allenamento, studio, sudore, fatica, e ancora allenamento, e poi adrenalina, tensione, agitazione… Sono tanti i fattori determinanti e le emozioni che accompagnano i giovani partecipanti al Concorso Expression; unico obiettivo: dare il massimo per realizzare il sogno di studiare in una delle Scuole di danza più prestigiose al mondo.

Una volta raggiunto tale risultato, le speranze e le aspettative salgono alle stelle… E l’esperienza vissuta diventa indimenticabile!

Abbiamo contattato alcuni vincitori delle Borse di studio assegnate al Concorso dello scorso anno; euforici, i ballerini ci hanno raccontato le loro storie.

Iniziamo dalla più piccina: Benedetta Pisapia, assegnataria di una Borsa al Summer Intensive Workshop della Scuola Dance Area di Ginevra, dal 13 al 17 agosto 2018. “Partecipare al Concorso – ci racconta Benedetta - è stata un’emozione fortissima; non mi sarei mai aspettata di vincere perché la notte prima non ero stata bene e avevo dormito pochissimo... La Dance Area di Marie Christine Maigret è un sogno, grandissima ed organizzatissima. Mi sono sentita subito a mio agio. Durante il periodo di stage, ogni giorno andavamo con mamma alla fermata dell’autobus e passeggiavamo in un viale pieno di alberi con un grande prato. Il tram ci portava direttamente alla scuola e lì potevo finalmente ballare. La mattina avevo lezione di Classico con Madame Karine Rossmann, un’insegnante perfetta, dolce e brava: mi ha dato davvero tanti buoni consigli. La prima ora c’era lezione con le punte; purtroppo io non le avevo ancora messe e facevo la sbarra in mezza punta. Dopo il pranzo iniziava la lezione di Contemporaneo con il maestro Francesco Curci e poi con la maestra Anastasia Piguet, che ci faceva provare delle coreografie di Modern Jazz che mi sono piaciute tantissimo perché mettevano allegria e potevamo scatenarci. Alla sera con la mia famiglia visitavamo Ginevra, una città splendida. Con il mio fratellino giocavamo ogni giorno in un parco nuovo. La settimana purtroppo è volata. Mi sono trovata davvero bene, sono tornata a casa con meno paura e più amore per la danza… Ho imparato tante cose e sono riuscita a fare amicizia con tutte le bambine: con le mie nuove amiche abbiamo perfino realizzato un ‘video ricordo’. Ciò che mi preoccupava di più era la lingua, ma per fortuna gli insegnanti sono stati bravissimi e mi aiutavano a non essere timida. In generale, la soddisfazione più grande è essere riuscita a salire sul palco dell’Expression e ballare la coreografia, poi vincere è stato incredibile. Partecipare allo stage di Ginevra è stato un premio stupendo, più bello di una  coppa. Ancora mi sembra un sogno! Prima di partire ero in ansia: avevo paura di sentirmi sola, di provare nostalgia delle mie cose e di non riuscire a seguire le lezioni. È stato tutto il contrario! Questa esperienza mi ha fatto crescere molto – concludeBenedetta - e mi ha cambiata anche come ballerina. Ho capito che le cose non capitano per caso, che dagli errori si devono trarre insegnamenti utili e, soprattutto, che non bisogna scoraggiarsi mai, perché solo cadendo si può imparare a volare. Grazie di cuore!”

Yeison Giannino, ballerino di Hip Hop, ha vinto la Borsa di studio "Retro Kings & Queens Summer Intensive" alla District Funk di Dublino assegnata dal coreografo di fama internazionale Jay Asolo: “Questa esperienza – dichiara il ragazzo - rimarrà sempre nel mio cuore; Mr Asolo è stato molto disponibile e cortese con me facendomi sentire come a casa: mi ha presentato la sua crew rendendomi parte della sua squadra. La scuola è molto professionale e gli insegnanti sono molto bravi; non ho incontrato particolari difficoltà anche perché sono stato accolto con tanto entusiasmo. Grazie a Mr Asolo ho conosciuto il Krump, uno stile esplosivo, faticoso e con una cultura alle spalle tutta da scoprire. La soddisfazione più grande è aver preso parte ad un videoclip che ha già raggiunto e superato le 30.000 visualizzazioni su YouTube. È stato un regalo inaspettato, mai avrei immaginato di studiare e ballare con altri ballerini all'estero. Tutto questo lo devo all'organizzazione IDA  e a coloro che mi hanno permesso di vincere; un grazie particolare al mio coreografo Daniele Ingrassia, che ha sempre creduto in me. L’esperienza mi ha incentivato a far meglio e voler studiare ancora di più, non mollando anche quando le difficoltà cercano di buttarmi giù. Grazie mille di tutto!” 

La Grande Mela è stata indimenticabile teatro delle esperienze di Linda Moretti e Gabriele Pieragalli.

“Sono stata a New York City per 10 giorni – ci spiega Linda -, partita grazie ad una Borsa di studio per il Broadway Dance Center (BDC) assegnatami da Naike Negretti al Concorso Expression 2018 a Firenze. Mi ha accompagnata la mia insegnante Federica Eusebi, che ne ha approfittato per studiare e visitare la città (e far sì che io non mi perdessi!), e che ringrazio per aver condiviso con me questa bellissima esperienza. New York mi ha travolto: è un posto che accoglie chiunque a braccia aperte e dove la gente fa quello che vuole in qualsiasi orario, senza passare per ‘strana’. Venendo dall’Hip Hop, al BDC mi sono concentrata sulle discipline Urban: ho studiato Hip Hop con Luam, Dancehall con Genius, Vogueing con Omari Mizrahi e Waacking Technique con Princess Lockeroo. La cosa più bella di queste lezioni è che tra allievi ci si osserva, ci si incita e ci si incoraggia, sempre con grande rispetto per gli insegnanti. Molti di loro alla fine della lezione ringraziano per aver scelto il proprio corso, aver dedicato loro del tempo e la voglia di imparare. Tra una lezione e l’altra non potevano mancare i tour da turista, quindi abbiamo cercato di conciliare danza e visite ai quartieri di Manhattan, tra cui Harlem, Brooklyn (il mio preferito) e il Bronx. Un viaggio del genere ti cambia per sempre! Torno con una valigia piena di riflessioni, positività, leggerezza e un insegnamento importante, ovvero che bisogna cercare di dare alle cose il giusto peso ignorando le negatività. Ho lasciato un pezzo di cuore a New York City; spero di tornare a riprendermelo presto...”

“A 22 anni certe occasioni difficilmente si ripetono, dunque ho deciso di investire in questa meravigliosa esperienza a New York per un mese intero: dal 1 al 30 Settembre”, ci spiega Gabriele Pieragalli, anche lui vincitore del premio messo in palio da Naike Negretti al Broadway Dance Center. “La scuola è stupenda – continua -, una struttura a tre piani a pochi passi da Times Square, con shop, spogliatoi e tante sale, dove ogni giorno, e ad ogni ora, si alternano lezioni di qualsiasi disciplina. Avendo deciso di investire un mese intero ho acquistato altre lezioni oltre le 10 della Borsa di studio, di conseguenza facevo 1 o 2 workshop al giorno. Ho scelto di studiare variando più insegnanti possibile piuttosto che focalizzarmi solo su quelli che potevano essere stilisticamente affini alla mia "comfort zone". In totale ho preso parte a lezioni tenute da 22 grandissimi professionisti di altissimo livello, tra cui mi sento di citare: Keenan Cooks (ballerino di Beyonce, Cardi B, Jennifer Lopez...), Derell Bullock (Janet Jackson, Madonna, Britney Spears..), Carlos Neto (Broadway, Nintendo, Sony), Bo Park, Kenichi Kasamatsu e tanti altri... Non ho problemi con l'inglese, per cui non ho trovato difficoltà, avvantaggiato anche da un ambiente molto aperto e cordiale. Nel tempo libero ho visitato la meravigliosa New York, camminando anche 20 chilometri al giorno, osservando ed arricchendomi come persona e come artista. Le criticità maggiori sono all'inizio: la città è immensa e ha un'energia che ti investe... I primi giorni servono per ambientarsi ma una volta inquadrato il luogo diventi uno di loro! Al BDC, come nella città in generale, si respira un'aria di competitività positiva: ognuno vive per un obiettivo e dedica anima e corpo per raggiungerlo. Se si trova una ballerino più preparato si cerca di conoscerlo, osservarlo e incitarlo. Di conseguenza, si cresce e si impara tantissimo, provando non solo a raggiungere il suo livello ma anche di superarlo. Ecco perché sono tutti fortissimi e pieni di voglia di fare... All'inizio si fatica, poi si comprende e infine si cresce mentalmente, tecnicamente e artisticamente. Vivere un'esperienza del genere è una gratificazione sensazionale, pensare di averla ottenuta esclusivamente grazie a me, vincendo l'Expression solisti ed esibendomi con una mia coreografia, è già una soddisfazione meravigliosa! Partecipare al Concorso Expression è stata una bella emozione, ho avuto modo di confrontarmi con una giuria internazionale in grado di assegnare borse di studio per vivere esperienze sensazionali. Auguro di fare la stessa esperienza a chiunque abbia nel cuore una grande passione per la Danza! Al BDC è stato fantastico sentirsi fare i complimenti da Carlos Neto davanti alla classe oppure essere selezionato da vari insegnanti per alcuni video. Solo al pensiero di aver studiato a Broadway mi viene la pelle d'oca: confrontarmi con ballerini bravissimi, studiare con veri professionisti in una delle scuole più importanti del mondo è stato un sogno ad occhi aperti. Sono partito con il bisogno di nuovi stimoli, sono tornato arricchito da ogni punto di vista, con emozioni che non dimenticherò mai! Grazie”.

Non serve aggiungere altro a quanto detto da questi ragazzi. Per chi volesse provare le stesse emozioni ed esperienze, la 15esima edizione di Expression International Dance Competition vi aspetta a Firenze dal 22 al 24 febbraio 2019 con tante novità! 

Le novità della prossima edizione

A quindici anni dalla sua prima edizione il Concorso Expression, tra i più autorevoli nel panorama europeo, si mostra più che mai dinamico e attuale con tante ed interessanti proposte innovative.

Tra le novità 2019:

• Premio Speciale della Critica assegnato alla miglior composizione coreografica da Sara Zuccari, giornalista, critica, storica, docente e direttrice del Giornale della Danza (testata online di informazione dedicata al mondo della danza).

“Nelle esibizioni soliste o di coppie – spiega la critica a Expression Dance Magazine – l’aspetto che principalmente viene osservato e giudicato è quello relativo alle capacità tecniche dei ballerini. La mia intenzione, invece, è premiare l’insieme del gruppo, o meglio il messaggio che danzatori e coreografo vogliono trasmettere attraverso la performance, valutando in primis l’aspetto critico-teatrale della coreografia”.

L’idea dunque è adottare una chiave di lettura alternativa a quella tipica dei giudici del Concorso, che si propone di “Esaminare il linguaggio della composizione e valutarne anche il percorso fatto per arrivare al risultato finale; giudicando, dunque, il lavoro del coreografo”, come precisa Zuccari.

La composizione coreografica che verrà ritenuta migliore rispetto alle altre da Sara Zuccari avrà l’onore e il prestigio di essere recensita dalla stessa giornalista sul giornale da lei diretto, oltre a ricevere una targa speciale.

• Altro Premio Speciale sarà lo shooting fotografico assegnato dal fotografo Domenico Scordia, che valuterà l’espressività, l’intensità dei movimenti e la capacità del ballerino di trasmettere emozioni. Il premio sarà assegnato nella categoria solisti classico e consiste nella realizzazione di uno speciale progetto fotografico con scatti che immortalano il danzatore, inserendolo in diversi scenari, dal contesto urbano al paesaggio naturalistico, in  un modo nuovo e pienamente integrato in esso. 

• Infine, la Categoria ‘Danza inclusiva (Diversamente abili)’ dedicata al mondo della danza inclusiva. Nel pomeriggio di sabato 23 febbraio, danzatori con disabilità fisiche o psichiche si esibiranno (nei diversi stili) in coppia o in gruppo con altri ballerini cosiddetti ‘normodotati’ sul palco del Padiglione Basilica, allestito ad hoc e senza alcuna barriera architettonica. 

Un progetto al quale l’organizzazione IDA tiene moltissimo in quanto ritenuto un modo per divulgare il grande messaggio della Danza come possibilità di esprimere se stessi e il proprio io interiore, ma anche come occasione di crescita nei rapporti interpersonali ed autentica terapia per disagi fisici e psicologici. 

Quali saranno le novità della prosima edizione di Expression International Dance Competition?

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© Expression Dance Magazine - Dicembre 2018