Promuovere la Medicina e la Scienza della Danza a Rimini, in collaborazione con I.D.A.

L’International Association for Dance Medicine & Science (IADMS) ha svolto la sua 34ª Conferenza Annuale dal 17 al 20 ottobre 2024 nella pittoresca città costiera di Rimini. L’evento ha riunito una rete globale di professionisti medici, educatori, danzatori e ricercatori dedicati a promuovere il campo della medicina e della scienza della danza.
Ospitata presso il moderno Palacongressi di Rimini, la conferenza ha offerto un programma diversificato che ha incluso conferenze, sessioni interattive e workshop. I partecipanti si sono confrontati con ricerche innovative e migliori pratiche volte a migliorare la salute dei danzatori, prevenire gli infortuni e ottimizzare le performance. La conferenza ha favorito un ambiente collaborativo consentendo ai professionisti di varie discipline di condividere conoscenze ed esperienze. Come ha osservato un partecipante, è stato “un gioioso evento di 5 giorni con le migliori persone”, ricco di presentazioni stimolanti e workshop coinvolgenti.

Un ruolo cruciale nell’organizzazione e nel successo della conferenza è stato svolto dall’International Dance Association (IDA) che ha collaborato strettamente con IADMS per garantire una pianificazione e una gestione impeccabili dell’evento. La partnership con IDA ha sottolineato l’importanza della cooperazione internazionale per promuovere la medicina e la scienza della danza.
Un contributo significativo alla conferenza è stato dato anche dalla Dr.ssa Manuela Angioi, membro del Consiglio di Amministrazione di IADMS e figura di spicco nel campo della medicina e scienza della danza.

Panoramica del Programma

La 34ª Conferenza Annuale di IADMS ha presentato un programma ricco e diversificato, pensato per soddisfare le esigenze di ricercatori, educatori, clinici e danzatori. Le sessioni erano progettate per favorire la collaborazione interdisciplinare e fornire approfondimenti pratici nel campo della medicina e della scienza della danza. Di seguito i punti salienti:

Presentazioni di Ricerca
✱ Sono stati presentati studi all’avanguardia sulla medicina e sulla scienza della danza, trattando temi come la prevenzione degli infortuni, la biomeccanica, la riabilitazione e la salute mentale dei danzatori.
✱ Studi epidemiologici focalizzati su sport estetici e arti performative hanno offerto nuove prospettive sulla salute dei danzatori e sulla sostenibilità delle performance.

Workshop
✱ Le sessioni pratiche hanno permesso ai partecipanti di esplorare tecniche utili per migliorare il condizionamento, la mobilità e la gestione degli infortuni nei danzatori.
✱ Workshop specializzati hanno trattato la pedagogia della danza, l’analisi del movimento e le applicazioni delle pratiche somatiche nell’allenamento dei danzatori.

Sessioni Plenarie
✱ Relatori illustri, tra cui leader nel campo della scienza della danza e rappresentanti di istituzioni di danza internazionali, hanno tenuto lezioni magistrali. I temi trattati includevano approcci innovativi alla salute dei danzatori e l’integrazione di nuove tecnologie nelle performance e nell’allenamento.

Discussioni Interattive
✱ I panel hanno riunito esperti per discutere temi contemporanei come la diversità, l’equità e l’inclusione nella medicina della danza e il ruolo delle pratiche culturali nella terapia del movimento.
✱ Un panel degno di nota ha esplorato strategie per la salute mentale dei danzatori, concentrandosi su resilienza e meccanismi di adattamento in ambienti ad alta pressione.

Poster e Eventi di Networking
✱ I partecipanti hanno avuto l’opportunità di visionare una vasta gamma di poster scientifici, confrontandosi direttamente con i ricercatori per discutere risultati e metodologie.
✱ Sessioni di networking e incontri serali hanno offerto occasioni per collaborazioni informali e scambio di idee.

Conclusione

Il programma della conferenza ha bilanciato rigore accademico e applicazione pratica garantendo che i partecipanti tornassero a casa arricchiti con approfondimenti utili per promuovere la salute, il benessere e le performance dei danzatori nei rispettivi campi. Guardando al futuro, IADMS ha annunciato che la sua 35ª Conferenza Annuale si terrà a Las Vegas, Nevada, continuando il suo impegno nel promuovere l’eccellenza nella medicina e nella scienza della danza a livello globale.

Max Richter è un compositore il cui lavoro spesso trascende i confini tradizionali intrecciando elementi classici e contemporanei con lo scopo di offrire alle diverse forme artistiche, tra cui la danza, nuove letture e nuove interpretazioni anche di musiche classiche di successo. Nel suo lavoro Ricther non esula dal rapporto con la danza, bensì continua a esplorarne le espressioni, approfondendo quello che è a tutti gli effetti un rapporto quasi simbiotico tra due espressioni artistiche che difficilmente prescindono l’una dall’altra.
Questa visione interdisciplinare raggiunge la sua massima espressione nei progetti con coreografi e registi, dando voce, attraverso la sua musica, ad una esplorazione della danza e della narrativa, componendo musiche perfette per la danza e per lavori cinematografici, dove la musica è parte integrante della storia anche a livello emotivo.

Nella visione di Ricther musica e danza sono due mondi profondamente legati e interconnessi e proprio grazie a questa sua visione e comprensione di come musica e movimento si influenzano a vicenda, riesce a comporre musiche che si muovono sapientemente all’interno della componimento coreografico al quale sono legate. In questo percorso, non possiamo non citare la collaborazione con il coreografo Wayne McGregor, dove la composizione di Richter si integra alla coreografia dinamica e nitida di McGregor, consentendo alla fisicità dei ballerini di narrare una storia che è profondamente legata alla musica. La musica di Richter non è solo un accompagnamento ma un partecipante attivo nella narrazione che stabilisce il tono del movimento e il linguaggio visivo della danza.
In tal senso, forte è il legame della musica di Ricther con la narrativa, che da spazio alla fusione di elementi coerentemente intrecciati che spesso trovano espressione nella composizione di colonne sonore.

La capacità di Richter di lavorare all’interno della struttura della danza parla anche del suo rispetto, della sua comprensione del ritmo e dello spazio in funzione del movimento dei danzatori e, questa collaborazione unica, mostra come la danza possa diventare un’estensione della musica. L’approccio consapevole di Ricther dimostra come la sua musica possa migliorare l’espressione coreografica, aggiungendo profondità emotiva. In queste opere, Richter usa il suono non solo per sottolineare l’azione ma anche per ampliare, attraverso la musica, l’espressione emotiva dei ballerini.
Che si tratti di un film, di un romanzo o di una coreografia le composizioni di Richter creano un ambiente in cui l’ascoltatore (o lo spettatore) possa immergersi completamente nella storia che viene raccontata.
In molti dei suoi progetti infatti la musica di Richter crea un ponte tra i movimenti fisici dei ballerini e la parte emotiva dello spettacolo o della narrazione. Musica, danza e narrazione comunicano un sentimento o raccontano momenti ben precisi legati a un evento. Ricther, attraverso la sua musica, vuole dare voce alla parte emotiva del gesto tecnico del danzatore ed evocare, attraverso le sue note, sensazioni e sentimenti forti.

Il lavoro di Max Richter esemplifica come danza e narrativa non siano mondi separati, ma interconnessi. Le sue composizioni offrono uno spazio in cui musica, movimento e narrazione possono coesistere e amplificarsi a vicenda, conducendo il pubblico in una profonda esplorazione di paesaggi emotivi e intellettuali.

Come compositore, Richter non si limita a comporre musica per la danza o il cinema ma crea espressioni e mondi in cui danza, narrativa e musica vengono vissuti simultaneamente rendendo ogni pezzo un’esplorazione complessa e multisensoriale dell’esperienza umana.

INFO
Max Richter è un compositore e musicista britannico di origini tedesche che ha conquistato il mondo grazie alla fusione di tecnica classica e musica elettronica espressa nei suoi album da solista, nelle colonne sonore di film, di musiche per la danza, l’arte e la moda. Tra le sue opere più famose la colonna sonora della serie L’amica geniale e la ricomposizione, in chiave postminimalista, dei concerti per violino, archi e basso continuo de Le quattro stagioni di Antonio Vivaldi.

Proverbiali i suoi salti e le sue pirouettes rapidissime, Daniil Simkin oggi è uno degli artisti più ricercati al mondo e senza dubbio uno dei più interessanti talenti maschili emersi nel mondo del balletto negli ultimi anni.
Nonostante la sua proverbiale bravura, in Daniil Simkin vedo oggi un innovatore e nei suoi prodotti artistici una grande genialità che, credo, lo porteranno a far parlare di lui non solo come ballerino ma anche come produttore. Comunicatore nato riesce ad esprimersi in maniera altrettanto efficace con il corpo, la voce e la tecnologia mettendosi al servizio di tutti ma soprattutto di quel pubblico potenziale che non è mai entrato in un teatro e che può fruire della sua arte anche solo on line.

La tua vita, racconti, è stato un bilanciamento continuo tra l’educazione scolastica e la danza e che i tuoi genitori grazie alla scelta di non frequentare un’accademia ti hanno permesso di avere una visione più aperta del mondo… Credi sia ancora vero?
Si lo credo veramente. Sono convinto che avere interessi diversi crei una certa profondità, forgi il carattere e le potenzialità di un artista. Credo sia necessario per un artista possedere un ampio ventaglio di esperienze di vita e infatti credo che l’educazione e l’istruzione accademica siano necessarie in ugual misura. È fondamentale la curiosità intellettuale e ogni altro impulso dal resto del mondo e dalle altre arti, condurre una vita fuori dal teatro e dalla scuola accademica per realizzarti come artista. La danza ha bisogno di molta energia, di un grande livello di concentrazione e, al tempo stesso, di rilassamento.

A più riprese hai dichiarato che hai deciso di diventare ballerino perché adoravi il palcoscenico. In quale momento preciso della tua vita hai capito che la danza sarebbe diventato il tuo lavoro?
Ho deciso quando avevo 16 anni… fino ad allora per me la questione era aperta! Sono stato fortunato perché i miei genitori mi hanno lasciato libero di decidere in un secondo momento e mi hanno continuato ad allenare ugualmente. Quando avevo dieci anni mi chiesero cosa avrei voluto fare ma lì non avevo ancora la risposta in tasca. Poi ho capito che il palcoscenico e la danza erano il mio modo per esprimermi e il mio modo di dare agli altri. Penso di essere stato davvero fortunato a vivere la vita che sto vivendo perché la danza mi ha dato la possibilità di realizzarmi come persona e mi da gioia. Ma, contemporaneamente, so anche che la danza è solo una parte della mia vita.

Non tutti hanno la fortuna di vivere del lavoro che gli piace, vero?
Assolutamente… Anche se sento il bisogno di cercare ogni giorno il mio equilibrio per vivere al meglio e mantenere una giusta combinazione tra prestazioni fisiche e psicologiche.

Credi ancora che il web e i social abbiano una grande importanza per superare l’elitarismo che contraddistingue la danza?
I social oggi hanno un grande ruolo e si evolvono continuamente anche come strumenti, li utilizzo perché credo siano un ottimo modo di documentare la mia arte ma non devono demistificare. Li uso essenzialmente per far conoscere ogni aspetto della mia professionalità perché credo sia fondamentale far conoscere la mia arte per dare una maggiore opportunità a tutti: tutte le persone devono avere la possibilità conoscere più da vicino il mio mondo anche se non sono mai state in un teatro. Le prove le documentano in molti ma io cerco ogni giorno di trovare un mio modo per far conoscere la mia danza.
Chiaramente i social li uso per motivi professionali anche se le persone vogliono conoscere qualcosa in più in merito alla mia vita privata, ma io ho difficoltà ad esprimermi riguardo la mia vita personale. Vorrei connettermi di più ma allo stesso tempo ho difficoltà a rivelare aspetti della mia vita personale. Voglio dare valore a questo mondo ma devo sempre tener presente un bilanciamento tra quello che voglio io e quello che vogliono le persone. Voglio mostrare il mio mondo senza per questo mostrare la mia vita personale. La vera essenza della danza credo che sia arrivare ad un buon livello di conoscenza cercando di combinare insieme più elementi anche se non è facile.

Quando hai pubblicato dieci anni fa i video di te che balli nelle strade di New York e poi ancora durante la quarantena quindi erano solo divertissement?
Si è stato decisamente un divertissement, lo credevo e lo credo tuttora che pubblicare video sia uno strumento importante per rendere maggiormente democratica la danza, oggi però mi piace di più mostrare le prove e i miei balletti per dare la possibilità a più persone possibili di vederla, soprattutto a chi di solito non fruisce della danza. Quando pubblico qualcosa cerco di differenziarmi pubblicando anche solo un elemento invece dell’intera variazione per creare un interesse diverso. Secondo me bastano due minuti per un elemento invece che pubblicare la variazione completa, perché la variazione può raggiungere certamente più persone ma nello stesso tempo credo che così si perda l’essenza della danza.

Nel 2021 sei stato ingaggiato come primo insegnante della piattaforma online “Dance-Masterclass”, ti piace insegnare? In cosa credi che la tua esperienza possa apportare un arricchimento a chi ti segue?
Per me insegnare nelle masterclass è un’opportunità di dare quello che ho imparato: quando insegno voglio far ricercare qualcosa di diverso dal proprio percorso usuale. Penso di essere stato molto privilegiato perché mia madre mi ha insegnato quello che sapeva e possedeva molte e differenti esperienze. Mia madre proviene originariamente dalla scuola russa ma si è potuta confrontare con molti ballerini dalle grandi qualità nei giri, dai quali ha cercato di comprendere e assimilare i principi per poi insegnarli. La mia capacità di girare è proprio il risultato della raccolta e del confronto dei diversi modi di insegnare che mi ha trasmesso mia madre. Sono davvero interessato a lavorare per scomporre la tecnica ed insegnarla. Ormai i passi che facciamo noi ballerini vengono eseguiti in maniera automatica e scomporre la mia tecnica è il modo di restituire qualcosa di nuovo agli allievi e, si spera, di aiutarli come loro aiutano me.

Mi sembra di capire che la comunicazione sia una tua skill, lo confermi?
Si… lo so! (n.d.r. ride) sono davvero fortunato a sapere parlare con le persone e sono molto fiero di questo mio modo di restituire anche comunicando al meglio il mondo della danza che spesso è invisibile e anche perché di solito un danzatore comunica solamente con il linguaggio del corpo.

Quando hai sentito l’urgenza di produrre i tuoi progetti inediti?
La mia vita intellettuale e accademica, il mio approccio fisico e psicologico nella mia vita di ballerino sono entrambe necessarie per il mio bisogno di esprimermi. Ho iniziato a produrre i miei progetti dal 2015 e ho prodotto una serata al Joyce Theatre di New York con cui poi abbiamo girato in tournée nazionali e internazionali; in seguito ho continuato a produrre anche altri progetti con il sostegno dello stesso teatro. In questo progetto ho utilizzato la tecnologia che mi appassiona sin da quando ero piccolo e che ha sempre fatto parte del mio quotidiano. Attualmente credo davvero che la danza, attraverso la tecnologia, abbia la possibilità di evolversi in un’esperienza ancora più significativa. Da un lato quello che si conosce è una sorta di “vecchio mondo” come il balletto di danza classica che è basato su passi sofisticati e decisamente codificati, ma da un’altra parte c’è l’essenza primordiale della danza, la sua vera essenza che è la comunicazione che avviene tra un danzatore e il pubblico. Vorrei invitare a danzare con l’aiuto della tecnologia ma credo che questo rapporto debba diventare più immersivo; poi, certo, non si può dimenticare il passato e il procedimento che mette in scena in un palcoscenico “normale” come lo conosciamo tutti.
Ci credo molto in questo perché attualmente competiamo con diversi linguaggi bi-dimensionali come i giochi dei computer e gli show televisivi e credo fermamente che la danza in combinazione con le più nuove possibilità della tecnologia, così come ad esempio il tridimensionale, abbia diverse potenzialità di crescita e possa diventare più significativa per l’uomo contemporaneo.

Anche tuo padre ti supporta nell’utilizzo della tecnologia nei tuoi spettacoli?
Si. Quando mio padre ha smesso di ballare si è appassionato alla tecnologia e al design ed è un’autodidatta scenografo. Abbiamo realizzato un progetto insieme con proiezioni video al Guggenheim di New York nel 2017 (n.d.r. progetto dove i movimenti dei performer erano catturati in tempo reale da sensori di movimento per generare mappe visive in 3D proiettate a terra e sull’intero volume delle pareti). È stato bellissimo rispondere insieme alla richiesta fatta e anche adesso mi ha aiutato con il mio progetto ma ora continuerò da solo.

Hai un nuovo progetto in creazione attualmente?
A fine giugno è uscito One un film con un mio assolo di sei minuti coreografato da David Dawson e prodotto da Studio Simkin. Il film è stato diffuso esclusivamente in diretta solo su YouTube e Vimeo e descrive il viaggio di un artista che, di fronte alle avversità, trascende la sua realtà per arrivare a un livello più elevato di coscienza e ad una comprensione più profonda della sua arte.

Ho visto dal vivo a Bologna il tuo progetto creato con la Martha Graham Dance Company, Cave, che avete definito: “un’esplorazione pionieristica della danza performativa combinata con un evento di vita notturna: il trascendente con il comune”. Come è nata questa idea?
Dopo la pausa forzata dovuta al Covid, avevo in testa un’esperienza di danza coinvolgente, ovvero un DJ set continuo in cui la musica venisse riprodotta ininterrottamente e dove la danza arrivasse a momenti, mentre il pubblico continuava a ballare e a muoversi. Non è come uno spettacolo dove stai seduto a guardare i ballerini, ma la mia speranza è che la danza ispiri il pubblico e che, di conseguenza, lo stesso pubblico ballerà con loro.
Lo spettacolo che hai visto tu è il primo step di un’idea la cui seconda tappa la immagino in un luogo fuori da un teatro, magari in una “scatola nera” come ad esempio uno spazio come un magazzino o in un edificio.

Creare e progettare per te significa anche dare dei messaggi sociali attraverso la danza e il movimento?
Assolutamente. Penso che la danza abbia un grande potenziale anche per entrare in comunicazione con molte persone che hanno una sorta di paura di ballare e di entrare in comunicazione con sé stessi. La danza invece è un elemento necessario per entrare in contatto con sé stessi.
Credo che i miei progetti, soprattutto quelli immersivi e partecipativi, possano dare una scusa alla gente per ballare e realizzare sé stessi attraverso il movimento. Perché gli esseri umani hanno ballato da sempre e nel nostro mondo moderno si è un po› perduta questa condizione ancestrale. Il mio consiglio? Non dimenticare di tenere questi momenti in piccole tasche se ti piace esprimere te stesso!

Hai dichiarato, che, come freelance, è continuo il confronto tra quello che vuoi tu, quello che dovresti fare e quello che vogliono gli spettatori. Oggi quale è il più grande desiderio di Daniil Simkin?
Hai un’altra domanda? (n.d.r. ride). Lo sto cercando… Più che un compromesso è un sottile equilibrio tra realizzare te stesso e danzare nelle performance di gala dove il pubblico arriva con alte aspettative. Ovviamente ho bisogno di dare al pubblico quello che vuole e il pubblico vuole giri e salti, le doti fisiche e, come sai, questa parte è notevole, ma molto spesso quello che vuoi dire non è solo questo.
Per questo motivo sto ancora cercando questo sottile equilibrio e spero di trovare un nuovo repertorio per continuare a essere fedele a me stesso rendendo felice me e il pubblico. Nel frattempo ribadisco che sono fermamente convinto che la danza abbia il potenziale per toccare un pubblico più ampio che coinvolga anche l’uomo moderno perché dopo tutto dobbiamo competere con prodotti così sofisticati di questi tempi ed è necessario ripensare il modo in cui la danza viene presentata non solo al pubblico abituale a cui già piace la danza ma piuttosto alle persone che non hanno mai assistito ad uno spettacolo di danza e credo che questo sia il potenziale e la bellezza della danza oggi.

Nato a Novosibirsk in Russia e cresciuto in Germania, figlio d’arte dei danzatori Dmitrij Simkin e Olga Aleksandrova, nel 2006 entra a far parte come Demi Soloist del balletto del Wiener Staatsoper dove ricopre questo ruolo fino al 2008 quando entra a far parte dell’American Ballet Theatre di New York prima come Soloist poi, nel 2012, come Principal Dancer. Nel 2018 entra alla Staatsballett Berlin come ballerino principale.
Nel 2021 fonda la compagnia di produzione Studio Simkin, per esplorare e sviluppare nuove opportunità per la danza della “prossima era”.

Sono sempre di più le scuole di danza che si avvalgono degli esami di livello Ida per certificare che l’apprendimento dei loro studenti avvenga all’interno di una metodologia didattica seria ma adattabile sia a chi desidera offrire ai propri associati qualifiche professionali per aspiranti danzatori o insegnanti sia per chi vuol far crescere artisticamente chi pratica danza anche solo come attività educativa e di svago.

L’anno accademico che si è appena concluso ha visto la partecipazione di tante scuole di danza in tutta Italia entusiaste di poter ospitare la faculty di esaminatori IDA nella propria sede e di presentare il proprio lavoro attraverso candidati di ogni stile e livello.
I programmi Ida si sviluppano progressivamente garantendo che i passi e le abilità acquisite nei corsi di avviamento preparino man mano il candidato ad affrontare i movimenti più complessi dei gradi avanzati. La caratteristica più apprezzata del nostro approccio alle prove d’ esame è la libertà che viene data agli insegnanti nel costruire una classe d’ esame modulata secondo indicazioni metodologiche corrette senza il vincolo di un programma di esercizi fissi. Non chiediamo di eseguire una pratica sempre uguale e monotona ma, al contrario, di stimolare bambini e ragazzi a svolgere il programma selezionando gli obiettivi pedagogici in base all’età, alla frequenza di studio e alle capacità individuali. Con questa modalità ogni realtà può mettere in evidenza i propri punti di forza, rispettando l’unicità della propria mission pedagogica. Durante le sessioni d’ esame sono mostrate anche coreografie, variazioni classiche o assoli per avere consigli e valutazioni dagli esaminatori, facendo nascere occasioni di crescita e scambio stimolando un approfondimento che è alla base di un legame destinato a maturare di anno in anno. La soddisfazione di noi esaminatori nell’ osservare i miglioramenti dei ragazzi, che poi frequentemente ritroviamo nei corsi di formazione per insegnanti IDA, è il grande privilegio del nostro mestiere.

Nell’anno accademico 23/24 è stata introdotta inoltre la possibilità di accostare agli esami, stage formativi di alta qualità con i docenti esaminatori. Lo stage è un ulteriore strumento per stabilire un legame emotivo tra esaminandi e commissari IDA la cui volontà è quella di guidare in un cammino di crescita e non di obbligare a percorrere una strada già scritta.
Anche per questo ci auguriamo che il numero delle scuole vicine alla nostra vision sia sempre maggiore e che la novità che ha contraddistinto l’anno accademico 23/24 possa diventare un punto cardine del programma anche per i prossimi anni.

Lo staff IDA ringrazia tutte le scuole per l’accoglienza e l’ospitalità dimostrata e non vede l’ora di incontrare nuovamente bambini e ragazzi delle scuole durante gli eventi in programma previsti per l’estate. Sono tantissime infatti le borse di studio assegnate agli studenti che hanno raggiunto i risultati migliori per partecipare a Campus e Campus KIDS, la vacanza studio a Ravenna che si contraddistingue da anni come vetrina per i giovani danzatori.

Tutte le scuole di danza che aderiranno al percorso formativo entro il 30 settembre avranno in omaggio due incontri con gli esaminatori IDA per pianificare al meglio la programmazione didattica in vista della sessione d’ esame.
Progetta fin d’ora la crescita professionale dei tuoi allievi!