La riforma del terzo settore preoccupa il mondo delle associazioni, in molti si chiedono quanto inciderà sui settori dello sport e della danza. Tutto è ancora abbastanza incerto, ma con l’avvicinarsi della realizzazione del RUNTS (Registro Unico Nazionale Terzo Settore) prevista per il 23 Novembre, sono sempre più le realtà che cercano di capirne le potenzialità e le eventuali opportunità. La trasformazione in APS (Associazioni di Promozione Sociale) o in altri enti del terzo settore previsti dalla riforma richiede la conoscenza delle finalità e delle differenze.

FIF e IDA hanno deciso di rivolgersi ad un esperto come l’avv. Guido Martinelli che da sempre è attento alle dinamiche sia del mondo sportivo che di quello associazionistico in genere. Il fine è quello di avere almeno delle linee guida per capire, all’interno delle singole situazioni, se aderendo a questa riforma ci sono opportunità migliorative rispetto alle ASD e SSD.

Per cercare di ottenere maggiori chiarimenti sulle nuove normative e dirimere dubbi sulla nuova riforma del terzo settore vi diamo appuntamento:

MARTEDÌ 23 NOVEMBRE ALLE ORE 10.00
in diretta live sulle pagine Facebook di FIF e IDA

La diretta è accessibile a tutti e sarà possibile porgere le proprie domande nella sezione commenti.

L’incontro verrà registrato e pubblicato su www.idadance.com

Per qualsiasi informazione contattaci allo 0544 34124 o scrivi a danza@idadance.com

Proprio in questi due anni in cui il corpo è stato messo bruscamente da parte, ci siamo imbattuti nel progetto Gaia / La nuova umanità in cui il corpo è invece in continuo movimento e ne è l’assoluto protagonista. La ricerca di Gaia nasce da una riflessione personale e condivisa dei fondatori, il fotografo Fabio Sau, il coreografo e danzatore Antonio Bissiri, e la danzatrice Angela Valeri Russo, in collaborazione con la fotografa Lucia Baldini, sulle condizioni in cui versa il pianeta e da un'analisi di ciò che influenza il nostro bagaglio culturale, condizionato da una visione della vita antropocentrica in cui tutto deve piegarsi alla volontà e alle necessità dell’essere umano. Sulle rive del Mar Morto, nel 2019, Il collettivo Prendashanseaux a un certo punto del proprio percorso artistico si è chiesto se questo sistema di mondo in cui viviamo ci rendesse davvero felici e se fosse stato possibile vivere la conclusione di un era e inaugurarne una nuova. La ricerca artistica che portano avanti è di fatto un pellegrinaggio che vuole concludersi in Terra Santa, perché proprio lì è nata l’idea di questo particolare progetto che coinvolgendo danza, movimento e fotografia lavora con il corpo in spazi naturali e in stretta relazione con l’ambiente.

Nel 2020 il progetto ha subito una forte battuta d’arresto nel programma del viaggio a causa della pandemia, ma questo non ha fermato il collettivo che ha portato avanti il progetto esplorando maggiormente la Sardegna, paese di origine dei fondatori per poi proseguire in Emilia Romagna, Toscana, Trentino e Friuli Venezia Giulia.

Mutevole, in dialogo con i luoghi e le differenti comunità che vi abitano, Gaia / La nuova umanità ha lo scopo di costruire un linguaggio e un immaginario comune sul tema del rapporto che esiste fra spiritualità, uomo e natura; il progetto vuole diventare un atto concreto di volontà in cui il pubblico è co-partecipe, co-creatore e co-responsabile. La perfomance che ne deriva è il risultato di una ricerca artistica nella natura selvatica che dura tra i 10 e i 12 giorni in cui i performer cercano una relazione stretta ed inclusiva con l’ambiente circostante. La performance non è uno spettacolo, classicamente inteso, ma una restituzione dello spazio e per lo spazio attraverso il corpo e le immagini fotografiche che mira al coinvolgimento di artisti professionisti, grazie alla loro partecipazione al ritiro " Gaia -custodi della Terra- " che dura cinque giorni immersivi, e in alcuni casi al coinvolgimento di amatori e abitanti del luogo ai quali viene proposto un laboratorio esperienziale di movimento e un laboratorio fotografico esperienziale. 

I due laboratori sono interconnessi ed iniziano sempre insieme per poi proseguire autonomamente così che il fotografo possa sperimentare il linguaggio del corpo e, chi si muove, vedervi ritratto mentre è in relazione con l’ambiente. Le pratiche e gli esercizi proposti vengono delineati e creati in natura durante il periodo di ricerca per poi renderli accessibili attraverso il racconto esterno che si concretizza nei laboratori.

GAIA  nella sua forma completa prevede la creazione di un docufilm le cui immagini sono girate quasi interamente da Fabio Sau, e di un progetto fotografico che diverrà una mostra/installazione e un progetto editoriale attraverso il coinvolgimento di Lucia Baldini‍.

Antonio Bissiri, uno dei fondatori del progetto che ha lavorato come danzatore con compagnie come Esklan Art's Factory, Teatro dei Servi Disobbedienti, Compagnia Bologninicosta, Compagnia Vucciria Teatro e Artemis Danza, si dice soddisfatto di come sta andando il progetto perché attualmente sente che si è consolidato e che è stata protetta la sua natura così particolare. 

“La modalità di ricerca che adottiamo è inclusiva, in tutto il periodo in cui abitiamo il bosco o lo spazio naturale non solo cerchiamo di stabilire una relazione con il luogo, ma ci dedichiamo anche ad esperienze sciamaniche, giorni di digiuno e giorni di silenzio… la performance per noi è solo un momento in cui tiriamo le fila di un discorso”. 

Bissiri crede che sia importante vivere in natura perché allo stato attuale trascuriamo il corpo vivendo troppo a lungo in un contesto urbano, denaturalizzato e che il corpo e anche tutto il resto ne soffre; anche se ammette che se esistesse solo questo sarebbe comunque un limite ed è per questo che sta riflettendo su azioni che possano collegare i due mondi come l’idea, ad esempio, di tenere una classe di danza classica in natura anche di inverno. Questo perché non vuole tralasciare il legame con la sua esperienza in un contesto didattico, però quando ha avuto occasione di entrare in sala si è reso conto che “dove viviamo non ci sono esseri viventi per creare una relazione ma geometrie con uno spazio morto… mi piace ritrovare nel mio progetto invece uno spazio vivo che cambia giorno dopo giorno, dove tutto si trasforma e il corpo scopre qualcosa di nuovo”. 

Secondo Antonio nessuno di noi ha il potere di cambiare meccanismi, bisogna fare piano piano però chi sente qualcosa lo deve ascoltare subito anche se poi ci si sente in crisi uscendo dalla propria centratura ma poi la nuova relazione creata continua nel futuro. Per esempio Bissiri ultimamente ha lavorato con il fango, rimanendoci immerso per un’ora anche per una restituzione pubblica dimostrando che si può provare anche resistenza al proprio corpo: “il mio corpo ha lottato ogni momento per la resistenza e questo gli ha fatto sentire il corpo in maniera totalmente diversa da quello che aveva mai provato in compagnia”.

Ci siamo congedati con una frase che mi ha colpito molto: “ho un po’ meno, ma sto capendo molto di più, cerco di sperimentare un’esigenza artistica in maniera intelligente ma è evidente che ci debba essere un collegamento di mondi che esistono e si devono scambiare a vicenda; che bisogna trovare un equilibrio anche tra tecnologia/progresso con natura per essere creativi e non distruttivi”.

Il progetto ha visto l’ultima sua restituzione in agosto, in un contesto perfetto, Abitare Connessioni, festival che è stato concepito come un “intervento totale” che contribuisce a rifondare lo spazio pubblico e il cui programma artistico nasce dall’incontro e dalla felice contaminazione tra tradizione e iper-contemporaneità. 

Attendiamo nuove tappe e nuove restituzioni del viaggio di Gaia / La nuova umanità (info su: www.gaialanuovaumanita.com) con la convinzione che i contenuti e le modalità proposte da questo progetto possano fare da apripista a nuove modalità esplorative del movimento e della danza.

Foto di © Lucia Baldini

© Expression Dance Magazine - ottobre 2021

La danza, l’arte della performance dal vivo, legata alla coreografia e al tempo stesso espressione viva di improvvisazione, da sempre figlia della maestosità del teatro, dell’ebrezza da palcoscenico, ha dovuto ripensare e ridefinire i suoi spazi: la pandemia, di cui tutti siamo consapevoli e protagonisti, ha portato infatti a enormi stravolgimenti anche nelle modalità di fruizione della danza.

La chiusura dei teatri e dei grandi eventi, l’impossibilità delle persone di usufruire di spazi comuni, ha reso necessario lo sviluppo di nuovi dialoghi tra forme comunicative apparentemente distanti come ad esempio la danza e la produzione video.

A fronte di questi cambiamenti, un confronto con un’esperta del settore ci è sembrato naturale. Leila Cavalli, diplomata in produzione e script supervising alla Civica Scuola di Cinema di Milano nel ’95 ha unito questi due mondi.

Leila, parlaci un po’ del tuo percorso, cosa ti ha portato alla danza e soprattutto alla regia nella danza?

In realtà la danza ha sempre fatto parte della mia vita, anche se in modalità non canoniche. Danza e produzione video sono presenti nella mia vita da sempre, con lo sviluppo di percorsi paralleli, destinati a incrociarsi.  Sono cresciuta nella scuola di teatro di famiglia, in più, mia mamma, da piccola, mi portava sempre in giro per l’Italia e l’Europa per stage di danza contemporanea. In realtà non ho mai frequentato una scuola di danza, ma in questo modo è nato un rapporto libero con essa, privo di vincoli.

Poi a Cesena ho incontrato Sara (Tisselli) e il mio rapporto è ripreso attraverso l’acrobatica e il BodyFlying, discipline che amo, che mi hanno donato tanto e che insegnano tanto anche nella vita.

Per ciò che riguarda il cinema, io mi sono diplomata alla Civica Scuola di Cinema di Milano. Ho avuto la fortuna di incontrare, nel mio percorso, insegnanti eccezionali, con i quali ho potuto vivere concretamente il mondo della produzione cinematografica (in 3 anni di scuola abbiamo preso parte a una cinquantina di produzioni).

Ho avuto modo di continuare con la formazione, specializzandomi alla New York Film Academy e attraverso seminari con grandi professionisti, cominciando poi il lavoro in produzione, sia nella regia, sia come assistente che come montatrice.

Per indole famigliare tutto ciò che apprendevo lo trasformavo in materiale per insegnare cinema nelle scuole, assecondando anche la mia passione per i cartoni animati.

Ora come descriveresti il tuo lavoro, anche dopo questi due anni di pandemia?

Con la pandemia ho approfondito la possibilità di unire la danza alla realizzazione di video professionali, cercando la modalità più efficace per comunicare un racconto di danza attraverso il video, cercando di ragionare e di riflettere sulla coreografia in maniera cinematografica.

Dal momento che passi attraverso un mezzo, devi per forza far passare il racconto da quel linguaggio: far vedere i dettagli, dal passo al gesto tecnico, così da restituire la coreografia che il coreografo pensava di raccontare. 

Diventa qui fondamentale il rapporto tra coreografo e produzione, poiché è impossibile raccontare una storia, senza la comprensione reale e a 360° del creatore di tale storia.

Siamo invasi dalla tecnologia, ma ancora per molti è complicato raccontare e raccontarsi attraverso i video. Secondo te qual è la difficoltà principale di questo linguaggio?

La difficoltà principale è che si usa un mezzo senza conoscerne il linguaggio: ricreare energia differita, usare il linguaggio del cinema, dove diventa fondamentale il movimento, il cambiamento delle inquadrature.

Se non si sa guardare, non si può raccontare. Per imparare a guardare, bisogna prendere tempo e procedere a piccoli passi, in modo da imparare a cogliere le sfumature, a comprendere la coreografia e il suo racconto.

Il linguaggio per immagini in movimento non è immediato, per questo è fondamentale imparare a esprimerlo.

Si tratta di un linguaggio diverso da quello utilizzato nella vita quotidiana. In questo caso è necessaria la fantasia.

Il nuovo corso IDA porterà a unire due linguaggi, quello del corpo in movimento e quello del video, un compito non facile.

Quali saranno le caratteristiche principali del corso partendo da questo presupposto?

Mi preme fare un percorso personalizzato, la mente creativa deve essere una, per cui cercherò di capire, nel più breve tempo possibile, chi sono i partecipanti e vedere come lavorano con il telefonino, in modo da permettergli di arrivare il prima possibile a far scattare il “meccanismo creativo”. Non è un processo scontato, dipende dal talento innato e dalle capacità personali, per questo il corso sarà a numero chiuso: voglio capire il background di ogni singolo partecipante, aiutarlo in questo processo un passo alla volta.

Gireremo tante piccole cose, solo così sarà possibile sviluppare le singole capacità necessarie nella creazione dei “racconti di danza in video”, solo così potrò capire quello che loro “vedono”, capire quello che loro davvero vorrebbero mostrare in base a ragionamenti e sensazioni; solo così potremo arrivare insieme a capire cosa funziona nel racconto e cosa andrebbe tagliato o reso in altro modo.

Come concretizzare il proprio pensiero prima di premere REC?

Per concretizzare il proprio pensiero è ovviamente fondamentale imparare a guardare l’inquadratura e capire cosa voglio raccontare, così da essere davvero consapevole di quello che sto facendo.

Questo passaggio richiede tempo, poi, come dico io, quando scatterà quel “meccanismo creativo” allora tutto il processo sarà automatico.

Per questo motivo, come anticipato poco fa, faremo tanti piccoli video. 

Si tratto di un percorso di grandissima scoperta e grande entusiasmo perché l’evoluzione sarà visibile proprio da subito, da un video all’altro. Nozioni piccole, fondamentali, facilmente assimiliabili.

Imparare a guardare un’inquadratura significa imparare a tenere presente almeno 15 cose. Il mio intento non è lavorare subito su tutti questi 15 punti in contemporanea, ma lavorare per gradi, un passo alla volta: la prima parte sarà caratterizzata dal lavoro sui piani sequenza, senza editing, così da capire tutto, dalla A alla Z.

Poi ci sarà il lavoro sui movimenti di macchina: panoramica e movimenti, perché se non si cambia inquadratura, il racconto muore. Il video è un linguaggio basato sul movimento e il cambio di piano.

Durante la pandemia molti si sono cimentati nella realizzazione di video per documentare le coreografie iscritte a concorsi online, purtroppo però la documentazione fa fatica ad arrivare allo spettatore, perché nella maggior parte dei casi si tratta di video statici: scuole di danza hanno parlato attraverso un linguaggio di un mezzo non loro, che ha reso il racconto più debole. Il mio obiettivo è dar loro questo mezzo, la costruzione di video nella danza, attraverso il quale comunicare al meglio il loro racconto.

Editing: cosa significa per te e come può facilitare il lavoro nella costruzione dei video? 

Il montaggio è fondamentale dal punto di vista di questo linguaggio: passare da un’inquadratura all’altra, nella coreografia, significa capire come unire i pezzi, come sottolineare i dettagli da mettere in evidenza.

Ciò non è mai immediato.

In Italia trovi che questo percorso sia adeguatamente compreso e valorizzato? 

No, come tanti aspetti riguardanti le arti, purtroppo in Italia c’è una profonda ignoranza, poiché non si creano spazi conoscitivi e di approfondimento per capire questo linguaggio.

Una delle cose belle del lockdown è stata proprio il risveglio dell’interesse nei confronti di tanti aspetti legati a danza, video e altre forme di arte, che credo ci abbiano salvato la vita: le persone hanno avuto bisogno di fruire dell’arte.

Danza e musica hanno invaso internet e salvato molti cuori.

Credo sia diventato evidente a tutti quanto sia necessaria una formazione dedicata, anche per gli insegnanti, poiché i problemi di comunicazione in DAD sono stati tanti e costanti, diventa oggi necessario imparare a parlare e comunicare anche davanti alle telecamere. 

Negli anni 2000 c’era più apprensione legata al mezzo televisivo in quanto mezzo di comunicazione di massa, questa apprensione è poi scemata con l’avvento di internet: gli insegnanti si sono messi a imparare come navigare, ma non hanno dato molta importanza alla modalità comunicativa del mezzo (la televisione, che non prevedeva partecipazione attiva dello spettatore, aveva suscitato tantissimi dubbi e paure).

Nuovi linguaggi, nuove sfide educative: da cosa è necessario partire nella realizzazione dei video?

Educazione e formazione.

Per poter parlare tutte le lingue, è necessario conoscerle nelle strutture di base, ciò è valido anche nel linguaggio video: se non lo parli, fai fatica a costruire un racconto efficace.

Per partire è necessaria una buona dose di curiosità. Andare alla scoperta in maniera qualificante, divertente, serena di questo linguaggio.

Oggi gli strumenti sono tanti, sono a disposizione di tutti e utilizzabili fin da subito, ma il linguaggio di internet e dei video è talmente lontano da insegnanti e genitori, che loro non si interessano o, anche volendo, non riescono a stare al passo dei nativi digitali.

Di contro i nativi digitali non hanno gli elementi per comprenderlo, ma sono tecnologicamente veloci e utilizzano questi mezzi senza la necessaria consapevolezza. Tutto ciò sarebbe invece fondamentale nell’educazione dei giovani. 

Purtroppo non esistono corsi per insegnanti su come restituire consapevolezza ai giovani, in più gli adulti sono troppo lenti in questo percorso di apprendimento, per questo non sanno come comunicare in video con gli allievi.

L’Italia in questo processo è indietro: non credo sia demonizzando i mezzi di comunicazione che si arrivi a un dialogo sano con i giovani, ma credo sia vincente la valorizzazione dei punti di forza. Educare e formare anche nel mondo scolastico potrebbe essere la ricetta giusta per recuperare il ritardo.

Leila Cavalli terrà il corso "La regia cinematografica per la danza" a Ravenna a partire dal 27 novembre.

© Expression Dance Magazine - ottobre 2021

Negli ultimi decenni il mondo della danza, in particolare quello occidentale, ha incontrato quello del fitness. Non possiamo girarci intorno, innegabile la centralità della preparazione fisica nel ballerino, una preparazione che non può certo esimersi dal rapporto con il fitness: ciò non deve essere letto come una blasfemia, ma semplicemente come l’evoluzione della disciplina e l’acquisizione di consapevolezza legata alla preparazione fisica del danzatore, nel suo percorso di raggiungimento della perfezione nel gesto artistico.

L’evoluzione di cui parliamo è senza dubbio naturale e fisiologica e riguarda anche le tipologie di coreografie messe in scena negli ultimi anni e decenni: più complesse e difficoltose, necessitano ogni giorno di più di una preparazione fisica basata su evidenze medico/scientifiche e sulla periodizzazione degli allenamenti.

La prospettiva sta cambiando, le posizioni dei protagonisti del mondo della danza, dagli artisti ai coreografi, alle scuole di danza, si stanno evolvendo anche grazie alle numerose ricerche. 

Fino a oggi parlare di preparazione fisica nella danza ha sempre spaventato e per questo venivano evitati discorsi legati alla forza e allo sviluppo muscolare: molti ballerini sono restii nel parlare di “forza” e di sviluppo muscolare, poiché temono di vedere i propri muscoli aumentare e risultare quindi non in linea con i dettami di determinate discipline, poiché i muscoli particolarmente sviluppati riducono la fluidità e la bellezza del movimento e del gesto. In realtà però anche gli allenamenti di forza sono risultati, a fronte di numerosi studi e ricerche, fondamentali nella tenuta fisica del ballerino.

Oggi la danza non può fare a meno della scienza medica e motoria nello sviluppo di programmi di allenamento idonei e basati sullo studio delle performance e delle capacità tecniche di esecuzione dei movimenti dei singoli danzatori, per arrivare a forme fisiche ottimali, ma soprattutto nella prevenzione di infortuni.

La danza, nella sua espressione artistica, sta rapidamente mutando. Le fondamenta su cui si basa da sempre, quali tecnica e arte, si stanno progressivamente unendo alla resistenza fisica e mentale: diventa sempre più importante per le scuole e le accademie comprendere e rinnovare i percorsi di preparazione fisica. Diventa fondamentale incoraggiare i progetti di ricerca in ambito medico/scientifico, in modo da garantire ai danzatori nuove modalità di allenamento, conducendoli a performance di alto livello.

L’allenamento nella danza si fonda sullo sviluppo del potenziale individuale attraverso esercizi specifici, personalizzati anche in base alle caratteristiche fisiche individuali e senza mai dimenticare le inclinazioni psichiche. Il fine ultimo è quello di eclissare le debolezze e migliorare la propria forza. 

Al danzatore sono richieste numerose capacità fisiche per sostenere le difficoltà tecniche presenti nei vari stili.

La performance di un ballerino deve poter essere completamente immersa in una dimensione artistica che non può lasciare trasparire lo sforzo che il corpo compie in quel preciso momento. La sua forza si concretizza attraverso la sua esplosività muscolare, ma la capacità di esprimere la forma artistica emancipata dallo sforzo fisico risiede soprattutto nell’abilità mentale di eseguire con naturalezza un particolare gesto o stile.

Questo significa che potenza, forza, resistenza, equilibrio, coordinazione, dinamismo, elevazione e flessibilità andranno coltivati, insieme alla condizione mentale del ballerino, con particolare attenzione alla gestione dello stress e con un programma dettagliato in grado di integrare la lezione di danza (spesso concepita senza prestare la giusta attenzione alla preparazione atletica).

IDA da anni mette a disposizione di chi pratica danza, ma soprattutto di chi insegna danza, tutte le conoscenze derivanti dalla multidisciplinarietà delle materie che hanno come oggetto il benessere del corpo, il suo potenziamento fisico.

Il percorso Dance Trainer, ideato in base alle migliori conoscenze nel campo del fitness e delle scienze motorie, si articola in tre seminari ognuno pensato per raggiungere obiettivi specifici:

DANCE CONDITIONING

Il seminario si propone di indagare e analizzare le forme di preparazione fisica più adatte alla danza, legando meccanismi di forza e resistenza con l’acquisizione di metodologie scientifiche volte alla creazione di percorsi adatti ai propri allievi.

DANCE PROPS

Nei due giorni di seminario, si approfondiranno metodologie di allenamento legate all’utilizzo di props, piccoli attrezzi già molto utilizzati nel fitness e nel pilates, ma con una chiara e specifica utilità nella preparazione fisica della danza, essi infatti permettono di lavorare sul movimento di specifici muscoli, permettendo di migliorare le sinergie e il coordinamento, fino a giungere alla prevenzione degli infortuni.

Elastici, gym ball, soft ball, roll, pesetti, sedia saranno i protagonisti del seminario.

DANCE FUNCTIONAL TRAINING 

Il seminario propone l’analisi e lo studio di programmi di ginnastica funzionale applicati alla danza: senza perdere di vista le necessità fisiche del danzatore, in questo percorso si pone particolare attenzione agli analizzatori (cinetico, statico dinamico, visivo, uditivo, tattile). Il percorso si sviluppa partendo da esercizi di mobilità articolare, fino ad arrivare al potenziamento muscolare.

© Expression Dance Magazine - ottobre 2021