Se è vero che la storia la fanno non solo i fatti ma anche le persone con il loro operato e la loro professionalità, ricordare Gino Landi vuol dire senz’altro far conoscere, specie alle nuove generazioni, uno tra i più celebri coreografi e registi italiani.
Gino Landi ci ha lasciato “orfani” il 17 gennaio di quest’anno creando un grande vuoto nel mondo dello spettacolo. Landi ha lavorato nel cinema e nella televisione fino a diventare uno dei più celebri registi e coreografi nel panorama teatrale e televisivo nazionale ed internazionale firmando un tipo di televisione tra gli anni Sessanta e Ottanta in cui la danza era una grande protagonista elegante e raffinata. Gino Landi aveva infatti preso spunto dagli show americani con l’utilizzo di grandi coreografie accoppiando alla tecnica dei suoi ballerini, provenienti dai teatri lirici, la sua inventiva fuori dal normale.

Landi è figlio d’arte di due artisti di varietà, che caldeggiano i suoi studi di danza sotto la guida di Oreste Fraboni; debutta in teatro come ballerino, ma ben presto si accorge di non amare esibirsi davanti al pubblico e sceglie di dedicarsi alla composizione coreografica. Nel 1957 inizia la sua collaborazione con Erminio Macario e nel frattempo entra alla Rai come regista e per la Rai indimenticabili sono le sue coreografie in Studio Uno, Milleluci, Canzonissima programmi magistralmente diretti da Antonello Falqui. Come non ricordare la sigla iniziale di Canzonissima 1968 Zum Zum Zum, il celeberrimo Tuca Tuca che firmò nel 1971 e le innumerevoli coreografie create per Mina e Raffaella Carrà.
Dal 1969 inizia anche un importante sodalizio con la grande coppia del teatro italiano Garinei e Giovannini che lo vogliono creatore dei balletti di tutti i loro principali spettacoli, da Angeli in bandiera ad Alleluja brava gente (1970), da Aggiungi un posto a tavola (1974) con un cast stellare (Daniela Goggi, Johnny Dorelli, Bice Valori, Paolo Panelli) alle riprese di Rugantino (1978) con Enrico Montesano come protagonista. Poi lavora anche al cinema con Federico Fellini, Nino Rota, Tonino Guerra ed Ennio Flaiano.
Si lega poi, come ha scritto lui stesso nella buona e nella cattiva sorte, ai programmi televisivi condotti da Pippo Baudo e lo segue ovviamente anche al Festival di Sanremo, sia come coreografo che come regista. Tra questi programmi da ricordare è certamente Fantastico 7 che con le sigle di apertura e chiusura, entrambe di Sergio Bardotti e Pippo Caruso, è stato un vero e proprio spartiaque fra il varietà registrato degli anni settanta ed inizio anni ottanta e quello in diretta che prese il sopravvento negli anni novanta, che poi è andato scomparendo negli anni duemila.

Tra i tantissimi personaggi che ha lanciato non possiamo non ricordare Lorella Cuccarini, con la quale ha lavorato agli albori della sua carriera proprio a Fantastico che ha salutato il maestro sui suoi social con grande affetto: “Sei stato un vero punto di riferimento nella mia vita. Il Maestro che tutti dovrebbero avere. Mi hai insegnato ad affrontare le difficoltà, a superare i miei limiti, a credere in me stessa e nelle mie capacità. Dicevi sempre: “Non esistono coreografie impossibili. Mi potrai chiedere di modificarle solo dopo averle provate allo sfinimento”. Avevi sempre ragione tu. Ti voglio bene.”

Il ballerino Enzo Paolo Turchi ha raccontato invece in un’intervista: “Io ero ancora allievo al San Carlo di Napoli e mi scelse per un ruolo da primo ballerino poi due anni dopo mi scelse per il suo primo programma televisivo, Doppia Coppia, come primo ballerino… da lui ho imparato tutto. Devo tutto a lui ballettisticamente parlando…”.

Tra i tanti volti scoperti da Gino Landi c’è anche il danzatore e coreografo Luca Tommassini che ha salutato il suo maestro con un post pubblicato su Instagram: “Se n’é andato anche Gino, il maestro di tantissimi di noi. Mi scelse tra tanti a 12 anni per lavorare in tv, con il grande Pippo Baudo. Mi insegnò cose che ancora oggi sono strumenti fondamentali per fare bene il mio lavoro. Mi mise accanto a Lorella Cuccarini a 17 anni come uno dei suoi primi ballerini… Mi fece fare cose tanto complicate che mai avevo fatto prima… “vedrai quante cose farai”… “Se vuoi l’America ci devi andare” e… io ci andai… E tutte le cose fatte le ho conquistare anche grazie a te e a nome tuo… Ti dobbiamo dire tutti “Grazie Maestro”.

© Expression Dance Magazine - Aprile 2023

Cari ragazzi vi posso rassicurare che se potessero danzare solo coloro che possiedono una conformazione delle anche naturalmente predisposte a mantenere le prime posizioni a 180 gradi, tanti ballerini professionisti non avrebbero mai calcato il palcoscenico! Vi assicuro che anche fra i danzatori c’è chi non è stato baciato dalla fortuna ed è comunque un performer meraviglioso.
Lasciate quindi che vi dia un consiglio: non soffermatevi troppo tempo ad osservare sui social i virtuosismi di splendide fanciulle che riescono ad usare i loro malleoli come fossero vassoi porgendovi la tazzina di caffè sulla gamba a 90 gradi alla seconda: non è la realtà dei più!
Ma se durante la lezione di classico vi sentite ancora dire ripetutamente “chiudi la quinta” non scoraggiatevi ma mettetevi in moto per indagare sull’argomento en dehors. Potrebbero esserci infatti dei blocchi muscolari a carico dei flessori dell’ anca o dei vostri glutei oppure potreste aver bisogno di allungare o potenziare il vostro psoas.
E ciò che sentite come un limite insormontabile potrebbe invece rivelarsi una splendida occasione per fare il punto sulla vostra postura e potreste meravigliarvi nello scoprire che allineando correttamente il bacino in neutro, le vostre anche potranno ”respirare” e partecipare ad un range di rotazione più ampio di quello che avete sempre pensato.
I vostri insegnanti potrebbero consigliarvi degli ottimi esercizi di mobilità e rinforzo che in breve tempo vi permetteranno di mantenere l’en dehors con consapevolezza, evitando danni come lo screwing del ginocchio o molti altri difetti nati da strategie compensative per uno scorretto utilizzo della tecnica.
Esclusi i casi che presentano particolari conformazioni ossee a carico del femore o vere e proprie patologie conclamate; la partita dell’en dehors va giocata tenendo presente che tantissimi danzatori hanno incrementato notevolmente le loro prestazioni allenandosi con esercizi semplicissimi e mirati anche attraverso l’utilizzo di props.

E tu hai mai ascoltato le differenze ch e si percepiscono quando sei alla sbarra fra la rotazione dell’arto di supporto e quello che lavora? Quante volte ci dimentichiamo della gamba di terra? Quando i miei studenti tentano di adagiarsi sull’anca e smettono di pensare a far funzionare i rotatori profondi in maniera simultanea, li porto al centro e metto un mattone da yoga sotto la pianta del piede di terra. Per i primi cinque minuti solitamente si genera un po’ di smarrimento perché l’espediente costringe l’allievo a fare i conti con una padronanza vera del movimento e non presunta ma già dal sesto minuto l’allievo organizza già il corpo con le premesse migliori per attivare tutti i muscoli giusti che occorrono per la conquista del loro migliore en dehors nella dinamica del movimento.
Quindi forza ragazzi perchè siete davvero fortunati a studiare danza classica in un epoca che offre così tanti input ed informazioni sull’ argomento: fisioterapisti, tecniche di supporto alla danza, allenamenti funzionali e scoperte scientifiche sempre aggiornate vi mettono nella condizione ottimale per superare brillantemente gli ostacoli che la tecnica accademica può presentare. E con il training adeguato ogni giorno diventerà più affascinante addentrarsi nelle tante sfaccettature dell’abilità che caratterizza per eccellenza la tecnica classica: quindi… buon en dehors a tutti!

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KIBBUTZ CONTEMPORARY DANCE COMPANY

Il percorso della Kibbutz Contemporary Dance Company è un percorso immerso nella storia di un popolo e nella costruzione della sua casa, Israele. È una storia che inizia circa 75 anni fa, una storia di incontri e di rinascite, di guerra, che nella distruzione generale, ha avuto il ruolo di spartiacque tra due vite; è una storia di danza e movimento che si fonde con la nascita di un Paese, di un popolo che, proprio danzando, trova la strada di casa.

È la storia di una donna, Yehudit Arnon, sopravvissuta all’Olocausto e che, partendo dall’Ungheria, arriva in Israele con l’onda della diaspora. Si insedia nel nord ovest, creando, insieme a un gruppo di pionieri, un Kibbutz dal nome Ga’aton. Yehudit ama danzare e nel corso degli anni ’50 dà vita al Dance Section of the Kibbutz Movement Al liance, che aveva come primo obiettivo quello di portare l’arte e la danza popolare ai “kibbutzim” (coloro che vivievano all’interno del Kibbutz).
Nel corso degli anni questo progetto si evolve e si trasforma, proprio come la vita, giungendo alla creazione della Ga’aton Company. Yehudit lavora insieme ai colleghi portando avanti una precisa filosofia artistica che proponeva l’unione di tecnica e creatività nello sviluppo del corpo del danzatore. Il lavoro di Yehudit diventa importante a livello internazionale, formando generazioni di ballerini e coreografi. Tra loro comincia il suo percorso nella danza Rami Be’er, attuale direttore artistico, anche lui nato in una famiglia fondatrice del Kibbutz e cresciuto grazie agli insegnamenti artistici di Yehudit.

La Kibbutz Contemporary Dance Company nasce nel 1970 proprio come naturale evoluzione di questo progetto e Yehudit ne diventa direttore artistico a partire dal 1973 e grazie, al repertorio costruito grazie al lavoro di Yehudit, la compagnia cresce a livello internazionale. Da sempre l’obiettivo di Yehudit è stato quello di creare un centro artistico internazionale per la danza dove la creatività potesse esprimersi grazie al contributo di ballerini e coreografi provenienti da tutto il mondo.
Negli anni il villaggio si è sviluppato diventando una realtà vibrante di arte e cultura, ma soprattutto una casa per artisti e danzatori. Nel suo repertorio la Kibbutz Contemporary Dance Company si è fatta e si fa portavoce di riflessioni profonde legate a processi identitari, tematiche sociali, visioni, storie e valori, come per Asylum, attraverso cui Rami Be’er esplora concetti come identità, l’essere straniero, l’oppressione, la discriminazione, la dominazione, l’immigrazione e sentimenti come quello dell’appartenenza, della nostalgia verso la propria casa, la propria famiglia. Asylum, “asilo”, la voce corale di una compagnia che attraverso il lavoro di Rami Be’er interpreta il sentimento dei migranti in un gioco di ruoli drammaticamente complesso: un dialogo costante tra persone, l’incontro e lo scontro tra l’oppresso e l’oppressore, il tutto magistralmente comunicato grazie ai colori netti, alle luci e alle musiche sapientemente utilizzate, al bianco e al nero, unici colori in scena. Scontri netti, fisici ed emotivi. Oggi, forte della sua storia di incontri e rinascite e grazie alla volontà dei fondatori, la Kibbutz Contemporary Dance Company è casa per numerosi danzatori provenienti da diverse parti del mondo. Al suo interno c’è anche una piccola comunità italiana, sono, infatti, quattro i ballerini connazionali che al momento lavorano per la compagnia e vivono all’interno del Kibbutz Ga’aton; tre di loro hanno avuto i primi contatti con realtà internazionali proprio grazie al concorso Expression.
Parlo con Francesco Cuoccio in un tranquillo pomeriggio di febbraio, ma ammetto che il suono degli uccellini da sottofondo alle sue risposte è stato davvero un plus dell’intervista e mi ha fatto respirare maggiormente la magia della vita di comunità all’interno del Kibbutz!

EX Francesco, come sei arrivato alla Kibbutz Contemporary Dance Company?
FC Sono arrivato in Israele nel 2021 grazie a un’audizione: in quel momento lavoravo in Germania per un’altra compagnia e avevo deciso di provare qualcosa di nuovo. Ero alla ricerca di un luogo che potesse farmi crescere. Li ho contattati perché ero davvero molto affascinato dalla realtà della KCDC e dal linguaggio della compagnia, che ritengo unico nel suo genere. Loro si sono mostrati subito molto interessati e, nonostante il covid e le ristrettezze legate al viaggio, ho sostenuto l’audizione grazie a due ex danzatori della compagnia che mi hanno insegnato il repertorio. Dopo aver inviato il video alla direzione infatti mi hanno comunicato subito di essere stato scelto e all’improvviso mi sono ritrovato catapultato in una realtà completamente nuova: una nuova compagnia, un nuovo contesto di vita, una nuova sfida.

EX Cosa significa vivere e lavorare in un contesto internazionale come può essere quello della KCDC?
FC Sicuramente vivere in un contesto dove ci sono così tante culture ti dà veramente la possibilità di crescere e aprire la mente verso cose lontane dal proprio modo di vivere e pensare. La diversità che si respira in questo contesto è uno dei valori aggiunti di questa esperienza, per me particolarmente significativa a livello umano e a livello di crescita personale: ho imparato tanto dai colleghi e dai direttori e questa differenza culturale ci porta a essere forse un gruppo ancora più coeso, perché sappiamo di avere delle differenze e le accettiamo, rendendole una ricchezza. Questo luogo è un luogo che accoglie tutti e fa sentire tutti a casa, nonostante sia un posto molto diverso rispetto ai luoghi in cui siamo abituati a vivere le nostre vite. Il Kibbutz Ga’aton è un luogo speciale.

EX La storia della Kibbutz Contemporary Dance Company è totalmente legata alla nascita di Israele e il percorso della compagnia si fonda totalmente con la vita all’interno del Kibbutz: ti va di raccontarci un po’ la tua vita all’interno del Kibbutz Ga’aton?
FC Molto spesso mi è stato chiesto com’è vivere all’interno del Kibbutz, perché la maggior parte dei danzatori che aspirano a entrare nella compagnia si pone questa domanda prima di arrivare qui. Però in realtà è impossibile da spiegare ed è impossibile da capire a fondo cosa significa vivere qui, finché non lo si vive davvero in prima persona. Ci provo! Il Kibbutz Ga’aton è un vero e proprio villaggio, immerso nella natura a nord di Israele. Le due città più vicine distano 20 minuti da qui, ma il Kibbutz è abbastanza isolato e infatti la prima volta che sono arrivato ho pensato “dove mi trovo?!” perché è un luogo totalmente diverso da quelli visitati in precedenze. La particolarità di questo posto è che offre davvero l’opportunità di metterti in contatto con te stesso, con la tua arte e con la natura circostante, senza mai dimenticare quanto le persone facciano davvero la differenza come dicevo prima il mix culturale è pazzesco, ma l’obiettivo è il medesimo per tutti: siamo qui per danzare. Nel Kibbutz oltre ai ballerini della prima compagnia, vivono anche i ballerini della seconda compagnia, i partecipanti al corso intensivo di cinque mesi e altri corsi sempre legati alla danza e alla crescita personale. Insomma, questo piccolo mondo, in realtà, racchiude tantissimi mondi unici e in continuo contatto tra loro. La dimensione che viene a costruirsi è speciale e da modo a tutti noi di vivere momenti di solitudine e vera introspezione e al tempo stesso dal primo momento è una realtà che dà modo di sperimentare davvero il vero significato di accoglienza e unione, perché è un luogo che accoglie, valorizzando tutte le diversità. Credo che questo sia uno dei motivi per i quali molti ballerini, anche dopo aver lasciato la compagnia, fanno comunque sempre ritorno in questo luogo perché davvero credo dia una mano fondamentale nell’acquisire maggior consapevolezza su se stessi. Ovviamente la maggior parte del tempo qui è dedicata alla danza, al mio lavoro: tra prove e lezioni (all’interno del Kibbutz si può anche insegnare), la vita quotidiana è particolarmente intensa e, nonostante in questo luogo non vi siano locali o ristoranti, dà la possibilità di vivere esperienze uniche anche al di fuori della danza.

EX Torneresti a ballare in Italia?
FC In realtà tornare a ballare in Italia sarebbe il mio sogno e, al momento, tornare in Europa è sicuramente il mio obiettivo. Israele era un passaggio desiderato perché sapevo che questa esperienza mi avrebbe aiutato moltissimo nella mia crescita a livello artistico e umano, ma vorrei tornare in Europa perché è la dimensione alla quale sento di appartenere. Questo è un luogo speciale e prezioso, ma mi piacerebbe davvero tornare in Italia perché sono molto legato alla mia terra, alla mia cultura e al mio paese e, se solo ci fossero più realtà, più compagnie e posti di lavoro per noi danzatori di danza io sarei già lì. Purtroppo però in Italia queste realtà sono poche e sono ancora meno se pensiamo a realtà che danno la possibilità di fare questo mestiere e allo stesso tempo avere un salario dignitoso. Questo è importante… il nostro lavoro andrebbe maggiormente riconosciuto perché è un lavoro complesso e ci obbliga a dare tutto di noi. Mi piacerebbe tornare, però vorrei tornare con delle condizioni che mi permettano di vivere una vita dignitosa, facendo il lavoro che amo.

EX Sappiamo che il concorso Expression ha fatto parte del tuo percorso di crescita, cosa ti ha colpito di questa esperienza?
FC Io ho partecipato a Expression nel 2016 con un passo a due. All’epoca ero allievo del Balletto di Toscana e partecipai con una mia compagnia di corso e ci siamo classificati terzi se non sbaglio. Ricordo che per me è stata un’esperienza molto bella, ma anche molto, molto intensa: era la prima volta che mi sono trovato in un contesto internazionale, che mi confrontavo con realtà diverse dalla mia, con persone con un background così diverso dal mio. È un ricordo che porto con me con molto piacere perché credo sia stato il primo “trampolino di lancio” se così possiamo dire. Come esperienza non posso non ricordarla, nonostante appunto l’intensità e proprio perché percepivo l’importanza del contesto: ricordo che non pensavamo neanche di classificarci all’inizio, visto il grande numero di ballerini e di coreografie di alto livello e invece il fatto di esserci classificati, di essere stati visti davvero e notati, è stata una cosa che mi ha fatto credere che forse avrei potuto davvero trasformare questa mia grande passione in professione. E ora eccomi qui! Sicuramente è stata una tappa fondamentale del mio percorso di danzatore.

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JOSEPH FONTANO si racconta in un’autobiografia

EX Joseph secondo lei è possibile definire il suo romanzo un feuilleton con storie, personaggi e colpi di scena?
JF Si. Il fulmine danzante, quasi un romanzo credo che sia un libro dove chiunque si possa riconoscere e per i ragazzi credo possa essere una sorta di vademecum, per spiegare come si fanno a superare alcuni ostacoli e che bisogna credere molto in quello che si fa.

EX Come è nata l’idea di questo libro?
JF Mi stavo avvicinando al mio 70° compleanno e volevo fare una grande festa invitando tutti. Poi c’è stato il lockdown e alla fine ho deciso di dedicarmi al libro e pensare a questa come la mia festa. Questo libro non parla tanto di me quanto di un bambino, di un’adolescente, di un ragazzo, di un uomo che ha fatto vari incontri che poi sono diventati parte della mia carriera.

EX E il titolo del libro come è nato?
JF Stavo cercando un titolo ma non ne avevo uno che mi convincesse; poi quando è arrivata la prefazione della giornalista Leonetta Bentivoglio in cui scrisse “quando danzava era un lampo, un guizzo, una nuvola, un fulmine sospinto da correnti di carisma” mi chiamò l’editore e mi disse che il titolo attuale sarebbe stato il titolo perfetto.

EX Che impostazione ha dato a questo suo racconto?
JF Nel racconto sono voluto andare avanti e indietro. Volevo puntualizzare come è nata la danza contemporanea attraverso la mia carriera anche se non ho ovviamente scritto tutto, se no avrei dovuto scrivere un’enciclopedia!

EX Ha mai pensato che la sua esperienza potesse essere considerata un pezzo di storia della danza?
JF No, non ho mai immaginato di entrare in un libro di storia, anche se a 23 anni ero già stato citato in un libro della Bentivoglio. Mai avrei potuto immaginare che questi libri quarant’anni dopo sarebbero stati studiati nei licei coreutici. Io ho solo sempre voluto eccellere, studiare, andare avanti. Per questo ai giovani dico pensate di fare quello che siete voi, creare la vostra arte poi se è qualcosa che è universale sarà riconosciuta, altrimenti continuate a provare.

EX Il suo libro racconta anche la storia della danza contemporanea in Italia, non crede?
JF Il libro nasce per lasciare una traccia di me e degli anni che ho vissuto, gli anni ’70, di cui nessuno ha scritto. Di come è nata la danza contemporanea in Italia e di come si è fatta strada in quegli anni nel nostro Paese. Volevo essere testimone di questo periodo storico.

EX Come altri raccontano, anche per lei scrivere un libro autobiografico è stato un po’ come sedersi davanti ad uno psicologo?
JF Assolutamente si. Ho pianto, ho riso… poi anche il periodo non è stato dei più felici, non si poteva uscire di casa… è stata abbastanza tosta. Scrivendo mi sono ricordato di cose che non erano più sulla superficie della mia pelle, come della violenza insita nella mia famiglia. Scrivendo la mia storia dimostro però che non è detto che se cresci in una famiglia violenta diventi un delinquente. Di sicuro è stato un grande viaggio indietro; è stato come viaggiare nel passato verso il futuro ma senza fermarsi al presente perché continuo ad andare avanti e mi ha fatto chiudere diversi cerchi.

EX Che cosa l’ha spinta a danzare?
JF Mia madre era una danzatrice ma in questo senso non mi ha insegnato niente; mi ha insegnato solo a fare il tip tap sul tavolo della cucina ovviamente quando non c’era mio padre. Poi ci sono persone che nascono in modo naturale danzatori, ho avuto un corpo molto dotato, uno strumento privilegiato e questo mi ha certamente aiutato anche se ho fatto ugualmente molto fatica, specie a New York, dove c’era molta competizione. Devo anche dire che quando avevo tra i 5 e i 6 anni dentro di me sentivo già questa vena artistica. Io sono stato fortunato perché ho sempre lavorato da quando avevo 16 anni ma ho fatto di tutto per dedicarmi all’arte patendo anche la fame e poi sono stato scelto anche da un coreografo (Paul Sanasardo).

EX E da subito si è dedicato alla danza contemporanea?
JF E’ quella che mi ha colpito, nonostante il mio corpo fosse così flessibile e lineare con le gambe molto lunghe: questa è stata la mia fortuna. Ho studiato anche all’American Ballett Theatre ma quello che mi corrisponde è la danza contemporanea e per me è anche un po’ riduttivo dire danza contemporanea… a me piace il teatro: quello che succede con i corpi, i colori, le luci, i costumi, la scena. Tutto deve funzionare bene sulla scena, il corpo racconta, i colori, la musica raccontano perché tutto in scena racconta.

EX E poi racconta di tanti e piccoli incontri che le hanno cambiato la vita? Come l’incontro con Pina Bausch…
JF Pina Bausch l’ho incontrata nel 1971 ma non è la Pina che conoscete adesso, era giovane e non aveva ancora la sua compagnia. La conobbi quando ritornò a New York è ci ho passato un mese insieme: lei però mi ha dato il coraggio di cambiare la vita e mi ha dato l’ input di venire via perché aveva un suo nuovo progetto in Germania. Quello che volevo fare io era portare qualcosa di diverso, che c’era già dentro di noi, ma prima bisognava costruirlo: serviva creare una nuova tecnica.

EX Nel 1971 poi si è fermato a Roma invece di andare in Germania da Pina Bausch…
JF Si mi sono fermato a Roma ma ero di passaggio perché dovevo ritirare una macchina che mi aveva regalato un’amica: devo ringraziare questa macchina perché aveva le marce e io non ne avevo mai guidata una perché in America avevano tutte il cambio automatico. Così mi sono fermato per capire come funzionasse, nel frattempo ho voluto capire se ci fosse qualcosa di danza in questa città fino a che non mi imbattei al Cid di Francesca Astaldi dove poi conobbi Elsa Piperno e altri danzatori professionisti con cui poi decidemmo di fare uno spettacolo insieme. Così è nata la Compagnia Teatrodanza Contemporanea di Roma che è durata quasi venti anni, con non poche difficoltà, girando però con più di 150 spettacoli all’anno con un gruppo stabile di 11 danzatori, 1 direttore di scena, 1 organizzatrice. In mezzo a questa esperienza mi sono preso un anno sabbatico, sentivo che dovevo fare una pausa e tornai a casa a New York. Avevo già 30 anni ma quando ho visto un annuncio per un’audizione di Alwin Nicokolais che cercava un danzatore solista per la sua compagnia partecipai perchè mi volevo mettere alla prova e fui scelto.

EX Infatti racconta che Vittoria Ottolenghi che le ha detto che “si è sempre trovato al posto giusto al momento giusto”… Fortuna, coincidenze?
JF Sicuramente è stata fortuna ma più che altro costruisci piano piano la tua esperienza. Se ti metti in mostra le persone vedono quello che fai e poi ti chiamano. Oggi magari è più difficile farsi notare. Noi venivamo da un’epoca dove anche in televisione venivano invitati i giovani talenti nei balletti dove c’erano contenitori giusti.

EX Come vede la danza nel futuro?
JF Devi diventare quello che stai facendo. Devi essere quello che fai. Io sono danza, sono un artista. Dobbiamo tornare indietro a persone come Cage, Duchamp, quelli che fanno arte e sono arte. Quando parliamo di arte concettuale dobbiamo darle un valore, la danza è vero che è concettuale ma è anche da vivere; così bisogna affrontare l’evoluzione della danza e capire quello che funziona e quello che non funziona, cambiare e riprovare.

EX Che cosa si sente di consigliare ai giovani che vogliono svolgere questa professione?
JF Intanto leggete il mio libro che credo che vi apra la testa!!! (ride n.d.r.). A parte gli scherzi, l’importante è studiare, studiare, studiare! Studiare storia dell’arte, della musica, del teatro, della danza, studiare la composizione di un quadro, capire gli elementi compositivi delle danze storiche. Non limitarsi a buttarsi a ballare nella sala: io oggi noto un’ omologazione di stile. Credo che sia importante conoscere le tecniche contemporanee in modo profondo e studiare in modo serio per diventare un danzatore che lavorerà. Le mie parole magiche per i giovani sono studiare e andare a vedere perché la danza è anche un’arte visiva.

© Expression Dance Magazine - Aprile 2023