CONSIDERAZIONI E RIFLESSIONI PROPOSTE DALLA DOTT.SSA MANUELA ANGIOI E DAL PROF. ROGER WOLMAN.

Il presente articolo è stato modificato e tradotto dalla versione originale pubblicata da BASEM Today, issue (numero) 57, Winter 202; titolo: Do fitter Dancers dance better and longer? Examining selected evidence discussing the effects of supplementary fitness training in dance. Autori: Mnuela Angioi e Roger Wolman

I benefici fisici e fisiologici dell’aumento dei livelli di fitness, sia in relazione alle prestazioni che alle lesioni dell’apparato muscolo scheletrico, sono stati oggetto di crescente studio e interesse nell’ultimo decennio. Gli scarsi livelli di fitness sono generalmente associati ad un aumento del rischio di lesioni: una capacità aerobica inadeguata, ad esempio, è collegata alla fatica, che a sua volta può portare a infortuni (1). Nella danza, la resistenza muscolare è necessaria durante il lavoro in coppia, così come durante i movimenti di transizione dal floor alla posizione eretta e viceversa (2). La potenza muscolare è necessaria nello sviluppo dell’elevazione durante la fase di decollo di qualsiasi tipo di salto, elemento tecnico fondamentale della danza e di altri sport estetici. Studi precedenti hanno individuato correlazioni statistiche tra la potenza muscolare degli arti inferiori, la resistenza muscolare degli arti superiori e la capacità aerobica con aspetti qualitativi delle prestazioni (3) e gravità delle lesioni (4), sia nei danzatori contemporanei (3,4) che classici (5,6). Nel caso specifico dei ballerini classici, è stato riscontrato che bassi livelli di fitness aerobico siano associati ad un aumento dell’incidenza di lesioni, mentre livelli ridotti di percentuale di grasso corporeo sono stati correlati a tempi di recupero più lunghi da lesioni diagnosticate (6). E’ importante sottolineare tuttavia che tali correlazioni riportate non implicano causalità.
Una systematic review recentemente pubblicata (7) ha esaminato la letteratura scientifica sugli effetti dell’allenamento supplementare di fitness sia sulle prestazioni che le lesioni/infortuni nei danzatori. I generi di danza più frequentemente studiati sono il contemporaneo e classico, con un solo studio che ha incluso danzatori hip-hop (8). Fino ad ora pochi studi hanno impiegato forme di progettazione di studio di intervento randomizzato controllato mentre la maggior parte ha utilizzato campioni di convenienza per la progettazione di studi caso-controllo o pre-post di singolo gruppo. Ad oggi sono state utilizzate misurazioni (outcomes) eterogenee relative in particolar modo agli aspetti qualitativi delle prestazioni nella danza.
Secondo Ambegaonkar e colleghi (7), il dosaggio del programma di addestramento supplementare finora più comunemente utilizzato è quello di un’ora, due o tre volte a settimana per circa otto settimane. Gli studi pubblicati suggeriscono che allenamenti supplementari di fitness migliorino sia le prestazioni che le qualità estetiche. Per quanto riguarda le lesioni finora è stato riportato tuttavia un numero molto limitato di studi sugli effetti benefici e, pertanto, le prove disponibili al momento non consentono di trarre delle conclusioni che siano valide per danzatori di vario genere e livello. L’integrazione di un allenamento supplementare potrebbe contribuire a colmare il divario del costo fisiologico osservato tra l’allenamento tecnico tradizionale (lezioni e prove) e le performance. Anche se l’inserimento di attività supplementari deve tenere conto del carico di lavoro attuale che può già comportare sei o otto ore al giorno di esercizio a intensità variabili. Le sessioni di allenamento supplementare di fitness per ciò devono essere pianificate in modo da evitare che la fatica interferisca con gli elementi di alta abilità tecnica. L’allenamento di fitness supplementare può essere implementato nell’ambito della lezione in studio per evitare sovraccarichi e si può valutare la possibilità di sostituire invece di aggiungere ore extra di fitness.
La selezione degli esercizi potrebbe essere adattata alle esigenze coreografiche e dovrebbe essere specifica allo stile di danza. La nostra raccomandazione finale è quella di espandere il confronto diretto tra stili di danza e livelli utilizzando progettazioni di studio robuste e campioni di dimensioni adeguate per garantire la divulgazione di piani allenamento fitness utili ai danzatori, di vario livello e genere, che possano essere utilizzati dagli insegnanti.

Bibliografia
1. Kumar S, Tomic E. Theories of musculoskeletal injury causation. Ergonomics 2001;44(1):17–47.
2. Wyon, MA., Twitchett, E M Angioi et al. (2011) Time Motion and Video Analysis of Classical Ballet and Contemporary Dance Performance Int J Sports Med 32: 1–5
3. Angioi, M., G. Metsios, E. Twitchett, Y. Koutedakis and M.A. Wyon (2009). Association between selected physical fitness parameters and aesthetic competence in contemporary dancers. J Dance Med Sci 13(4):115-23 
4. Angioi, M., G. Metsios, Y. Koutedakis, E. Twitchett and M.A. Wyon (2009). Physical fitness and severity of injuries in contemporary dance. Med Probl Perform Ar 24 (1): 26-29.
5. Twitchett, E., Angioi, M., Koutedakis, Y., Wyon, M (2011) Do increases in selected fitness parameters affect the aesthetic aspects of classical ballet performance? Med Probl Perform Ar 26 (1), 35
6. Twitchett, E., Brodrick, A., Angioi, M., Koutedakis, Y., Wyon, M (2010) Does Physical Fitness Affect Injury Occurrence and Time Loss Due to Injury in Elite Vocational Ballet Students? J Dance Med Sci 14 (1): 26-31
7. Ambegaonkar J.P., Chong L, & Joshi P (2021) Supplemental training in dancers: A systematic review Physical Medicine & Rehabilitation Clinics of North America Feb;32(1):117-135.

GLI AUTORI:
Dottoressa Manuela Angioi
Docente di Medicina dello sport e responsabile del Programma IBSc Sports and Exercise Medicine presso la Queen Mary University di Londra.

Professore Roger Wolman
Specialista in Reumatologia e in Medicina dello Sport.

Membri del Comitato di Redazione di Journal of Dance Med Medicine & Science edito da Iadms (International Association for Dance Medicine & Science).

L'importanza del port de bras tra danza e fitness

Tutti ci siamo incantati almeno una volta nella vita nell’osservare le “braccia cantanti” del Cigno Bianco. Quanta emozione e regalità hanno saputo trasferire le grandi ballerine agli arti superiori fino a renderli simili a delle ali e quanto le braccia, in un balletto, ci sanno comunicare chiari riferimenti sulla provenienza contadina di Giselle o sulla nobiltà di Aurora nella Bella Addormentata. Come nel balletto anche nella vita quotidiana le braccia parlano di noi, di come respiriamo e di quanto ancora ci pensiamo capaci di volare.
Fino a qualche tempo fa ad utilizzare il termine Port De Bras erano più che altro gli addetti ai lavori durante le classi di balletto o i cultori dei dettagli dell’arte tersicorea ma la bellezza, quando è autentica, viene emulata e oggi la volontà di possedere braccia toniche e femminili è un ideale al quale ambisce anche il pubblico del fitness. È sempre più frequente infatti che famosi personal trainer introducano movimenti di port de bras in abbinamento ai riscaldamenti total body mentre, paradossalmente, nelle classi di danza amatoriali si rischia di portare eccessiva attenzione all’ uso dei piedi e al lavoro tecnico degli arti inferiori, trascurando la parte superiore del corpo che risulta spesso goffa e debole. Come si può porre rimedio a questa problematica?
Il port de bras non può funzionare correttamente se non è sostenuto da tronco e dorso solidi e muscolarmente equilibrati. Le braccia dei danzatori possono lavorare con estrema grazia solo se interagiscono con il centro del corpo, conservando così una perfetta coordinazione senza ricorrere ad una eccessiva tensione. I programmi di condizionamento per danzatori dedicano grande spazio ad esercizi volti ad agire sui pettorali, il trapezio, il gran dentato e vari muscoli che circondano e sostengono la scapola. Che sia un ballerino o un amante del fitness, se vuoi braccia armoniose dovrai aver interiorizzato che il movimento delle braccia parte dal centro del corpo e si espande nelle estremità. Non è un caso che molte cattive abitudini come spalle alte, gomiti cadenti e linee che si spezzano all’altezza del polso hanno origine nella mancanza di una connessione muscolare tra le braccia e la schiena. Coltivare il movimento delle proprie braccia aggiunge colore a qualsiasi tipo di allenamento. Sarà per questo che danza e fitness si scambiano così tante informazioni: l’ una possiede il potere evocativo della narrazione, l’altra la specificità dell’allenamento.
Sempre più danzatori sono coscienti di dover aggiungere alla loro routine sequenze specifiche di allenamento e sempre più istruttori di total body costruiscono le loro lezioni con grande attenzione per mantenere uniti forza e fluidità. Da qui l’idea di Ida di proporre il Corso di preparatore atletico per la danza in partenza nel 2024, condotto da Melissa Roda e Viviana Fabozzi, per il quale verranno creati allenamenti specifici per migliorare le capacità atletiche da allenare in ogni forma di danza: agilità e coordinazione, forza generale e specifica, trofismo muscolare generale, resistenza lattacida e rinforzo del piede. Melissa Roda suggerisce di seguito alcune proposte per allenare un port de bras corretto:

Allenamento Resistenza Muscolare (Strategie EMOTM 12 Minuti)

Primo minuto
10 Rep extrarotazioni con banda elastica
esecuzione: gomiti addotti al tronco, braccia flesse a 90 gradi extra ruotato verso l’esterno mantenendo sempre la tensione dell’elastico (utilizzo la contrazione auxotonica)
8 Piegamenti base di appoggio il muro gomiti stretti

Secondo minuto
40 secondi simulo funi con banda elastica
esecuzione: banda elastica posizionata sotto i piedi, mantengo banda elastica con mano chiusa, gomiti addotti movimento piccolo e rapido, continuo a percepire tensione banda elastica.

Terzo minuto
6 Ripetizioni di un gesto tecnico mantenendo il contatto del dorso al muro. Qualità del gesto.
Ripeto fino a raggiungere
i 12 Minuti.

Timing Circuit (40 secondi di lavoro e recupero 30 secondi)

Prima stazione
Spinta al muro mantenendo contrazione iso-metrica, controllo la scapola e la postura (core).

Seconda stazione
Sdraiati in posizione supina banda elastica posizionata sotto le scapole braccia rotonde mantenendo tensione banda elastica, piedi posizionati al muro stacco il coccige dal pavimento senza modificare posizionata braccia.

Terza stazione
Posizione di partenza in ginocchio di fronte al muro mani aperte a contatto con il muro, estendo dita delle mani ruoto palmo delle mani verso l’interno dita restano a contatto forte il nucleo del corpo (core) motore del gesto articolazione della spalla polso e mano da aperte le dita adducono.

Quarto minuto
Posizione eretta, braccia allungate sopra la testa mani a contatto al muro salgo sul metatarso e arrotondo le braccia lasciando mignolo a contatto al muro. Motore del gesto scapole e gomiti.
3/4 Round (Giri completi)

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L'anatomia esperienziale in movimento come strumento nelle mani dei bambini per comprendere se stessi nel mondo

In un paese vicino al mare, vivono un gruppo di bimbi esploratori provenienti da tutto il mondo.
Una mattina, ancora un po’ addormentati, sfogliano un libro sul corpo umano ed improvvisamente vengono attratti dalla descrizione e dalle immagini che parlano della pelle.
Sebastian inizia a toccare il suo braccio e sente che la pelle è un contenitore e protegge l’interno del corpo e prende informazioni dal mondo esterno.
Noah comincia a toccare le braccia di tutti i compagni e sente che la pelle può essere molto liscia o un po’ rugosa. Nel frattempo, tutti i bambini continuano a sfogliare il libro e a ricercare sul corpo le informazioni.
Improvvisamente dal cielo una nuvola, un po’ birichina e curiosa, lascia cadere, come fosse pioggia, tanti fogli di tutti i colori. Le nuvole amiche, con le guanciotte piene d’aria, soffiano sui i fogli e creano sul pavimento l’immagine di un corpo umano.

Alice incomincia a saltellare, prende in mano i colori e urlando dice: “io vado ad esplorare e a disegnare!”
Tutti i bambini iniziano a riportare sui fogli tante immagini fantastiche. I colori incominciano a danzare da una parte all’altra e i fogli, divertiti, si arricchiscono di tante storie.

A un certo punto, l’albero maestro, con i suoi rami e con l’aiuto del vento, raccoglie tutti i fogli. Le farfalle mischiano le pagine disegnate e si forma un libro.
Sebastian racconta la storia, l’albero Maestro mischia nuovamente i fogli e Francesco racconta la storia.
Il maestro divide le varie pagine e le regala ai bambini. Alice, felice, pensa “che bello mi porto a casa un po’ di storie dei miei amici…”.
Si sente un canto nell’aria sono un gruppo di nuvole bianchissime e allegre. Si muovono nel cielo al ritmo di un venticello allegro ed effervescente.
Portano con loro una lunga e grande striscia di carta che volteggia nell’aria e crea figure geometriche.
Le nuvole lasciano cadere la striscia lunga e bianca, che si deposita sul pavimento, leggera come una piuma.
Francesco chiama i compagni e urla: “ragazzi correte una lunga nuvola è atterrata nel nostro cortile!”
Michele “come possiamo trasformarla?”
Alessandro urla, correndo, come impazzito: “Creiamo un mondo corporeo….”, suggerisce!
Metà dei bambini si stende sulla nuvola e prendono le forme che desiderano. Gli altri chiedono agli amici merli di donare loro una piuma, con la quale tracciare i confini dei loro corpi dei corpi dei loro amici.

Si vengono a creare delle grandi forme e i bambini le riempiono di disegni.
Quando hanno finito, cominciano a osservare e Thomas dice: “sono tanti pianeti” e racconta quello che vede di ogni pianeta.
Alessandro invece descrive le varie emozioni che legge dentro i corpi. A Sebastian viene un’idea e la dice bisbigliando ai suoi compagni.
I bambini prendono le forbici e ritagliano le forme. È vero! Sono continenti!
E così facendo, dispongono i vari pezzi, creando un mondo corporeo.
Il vento inizia ad agitare le varie forme, che cominciano a volare nell’aria come tanti aquiloni e che, come tanti aquiloni, spariscono nel mare, verso l’orizzonte.
L’acqua del mare si increspa e due grandi cavalli, uno bianco e uno nero, corrono sull’acqua veloci e saltellanti. I due cavalli sono così veloci e leggeri che volano nell’aria e arrivano dai bambini, depositandosi a terra sfiniti come fogli giganti. I bambini increduli e stupiti incominciano a girare attorno e si chiedono cosa possono fare. A Jonathan viene un’idea: prende forbici, colla, fogli colorati, colori e chiama gli amici a raccolta e sottovoce dice qualcosa…
Improvvisamente tutti i bambini cominciano a ritagliare, incollare, disegnare e…

Noah “… il colore nero assorbe i colori!”
Sebastian “… il colore bianco riflette tutti i colori!”
Thomas “… e la pelle assorbe tutte le informazioni dal mondo esterno!”
Francesco “… e la pelle porta fuori le informazioni dall’interno!”
La pelle ha un sotto e un sopra!

Aprire gli occhi al mondo può essere complicato, soprattutto se “l’apertura” non è stata allenata sin dalla giovane età. Partendo dal presupposto che gli occhi dei bambini sono molto più aperti rispetto a quelli dei genitori (e degli adulti in generale) nelle scuole e nei centri ricreativi, nelle palestre e nelle case, le favole, molto spesso, hanno giocato un ruolo fondamentale nella comprensione delle sfumature del mondo. I nostri bambini hanno bisogno di comprensione e di parole ed io, mamma di figli afro-discendenti, ho intercettato qualche tempo fa nelle parole e tra i disegni di mio figlio di 4 anni, un dubbio: “qual è il mio colore? Sono rosa o marrone?” Nel dubbio mi portava a casa autoritratti rosa e marroni, a seconda del giorno o del sentimento di appartenenza provato in quella mattina, senza una guida, ma dovendosi classificare dentro rigidi colori che, siamo sinceri, non rappresentano lui, ma non rappresentano neppure me e nessun’altro ancora.
Oltre al colore, però, la tematica è l’assenza di comprensione da parte delle figure educative, un gap ancora piuttosto accentuato, se ci rendiamo conto che l’Italia, crocevia di culture da sempre, non ha saputo e, ancora oggi, non sa parlare apertamente della ricchezza della diversità negli spazi educativi preposti. Un bambino, si sa, conosce il mondo attraverso il tatto, ama toccare, ama entrare in contatto attraverso la pelle, prima ancora che attraverso le parole. Vede con gli occhi, ma attraverso il contatto, il mondo diventa concreto ed è qui che una guida diventa necessaria, nella comprensione di sé e nella comprensione di sé in rapporto all’altro e al resto del mondo, nella comprensione della diversità. Una diversità che, nel racconto, diventa ricchezza. Noi, gli adulti, abbiamo una grande responsabilità e in questo siamo noi ad accompagnare i nostri “bambini”, le nuove generazioni figlie di questa società, in un percorso di conoscenza di sé e dell’altro; per fare ciò non dobbiamo e non possiamo sottovalutare tutte quelle discipline che richiamano al contatto primordiale con il mondo esterno, discipline come l’Anatomia Esperienziale in Movimento per Bambini, una disciplina caratterizzata da elementi di Yoga, Danza e Ginnastica frutto dell’unione di tali elementi insieme a elementi di arte e anatomia del corpo umano.
Insieme a Rita Valbonesi, creatrice del percorso di Anatomia Esperienziale in Movimento, ci siamo confrontati per poter cercare di capire come applicare l’Anatomia Esperienziale in Movimento per Bambini alla quotidianità di un Centro estivo, dove i bambini, dopo un anno di scuola, cercano di evadere per qualche mese dalla routine, in mesi estivi che, a piccoli passi, conducono a un nuovo anno, a un nuovo inizio, a una crescita mentale e fisica costante. Il progetto di cui parliamo è un nato dall’osservazione del “mondo dei (nostri) piccoli”, ed è nato da un confronto a cuori aperti, in due parole dette a Rita e dal quale tutto è nato. Una favola per bambini che diventa percorso tra mondi, discorso tra “pelli” esploratrici che danzano sotto la pioggia in estate e trasformano ogni stimolo sensoriale in informazione vitale. Rita Valbonesi, profonda conoscitrice di corpi in movimento, è alla continua ricerca di nuovi elementi per comprendere il rapporto tra corpo e stimoli esterni, siano essi frutto della relazione con l’ambiente circostante e della relazione con l’altro. Nel suo progetto di Anatomia Esperienziale in Movimento, ha dato vita a un percorso di lavoro basato su una metafora, su una visione: il corpo è il mondo.
Da questa visione, Rita ha così sviluppato delle attività per bambini, per accompagnarli nella crescita, aiutandoli a conoscere il proprio corpo e il proprio essere, dando spazio alla consapevolezza della propria presenza nel mondo, in un continuo rapporto con l’altro. Conoscere se stessi per relazionarsi col mondo, conoscere se stessi per capire e migliorare il rapporto con l’altro, comprendere l’altro in un rapporto paritario e di crescita continua.

I INCONTRO
Il corpo dai mille colori
Rivolto a bimbi da 5 ai 10 ann

Sguardo attento a: 
La pelle è di mille colori e ogni pelle
racconta storie fantastiche.
Vivere l’esperienza insieme permette
di creare la propria storia e di ascoltare
quella degli altri.
Alla fine ognuno di noi si porta a casa un “ pezzettino” di pelle di tutti coloro che hanno partecipato all’esperienza.
Sguardo rivolto all’esterno.

II INCONTRO
Mondo corporeo
Rivolto a bimbi da 5 ai 10 anni

Sguardo rivolto a:
la pelle è un contenitore e può essere
pensata come un continente.
All’interno ci sono mondi fantastici e magici.Possono essere paragonati a tanti pianeti o comprendere dalla forma e dal contenuto le varie emozioni.
Tutto insieme creiamo un mondo corporeo.Sguardo rivolto all’interno.

III INCONTRO
La pelle sottosopra

Sguardo rivolto a:
il cuore come organo;
il cuore come ritmo, come luogo di espressione di sentimenti ed emozioni;
il cuore pulsante e danzante.
Due colori: bianco e nero.
La ricerca dell’equilibrio e dell’armonia.
La pelle interna e la pelle esterna,
la pelle sotto e la pelle sopra.

Dall’interno mando informazioni verso l’esterno, verso il fuori edall’esterno raccolgo le informazioni e le porto dentro.

I bambini con il loro cuore hanno iniziato dal cuore a “tatuare ” la pelle sotto e sopra.

Proposte pratiche
a) circuito propriocettivo e posturale con stazioni che coinvolgevano proposte sul piede, flessibilità, e destrezza;
b) proposte che stimolano i riflessi per creare giochi che vanno a stimolare il salto;
c) sequenze di movimento per stimolare la coordinazione, la concentrazione e la memoria;
d) sequenze di movimento danzato per educare al ritmo, alla scoperta ed organizzazione dello spazio;
e) proposte a coppie per educare all’ascolto del ritmo, del tempo ecc. di se insieme ad un altro compagno;
f) proposte in gruppo di 4 bimbi che si tengono per mano e si muovono nello spazio; 
g) lezione di yoga - animali- piante- elementi celesti- racconti e fiabe.

La Heels dance è una danza basata su una tecnica raffinata che prevede pose, veloci cambi di peso, giri, trick, hair whip, spaccate e salti ma anche una danza che grazie all’eleganza, al portamento e alla sensualità aiuta a sentirsi più belli e sicuri di sé: protagonisti assoluti della Heels dance non sono tacchi normali da strada ma vertiginosi tacchi a spillo. Nata dopo gli anni Sessanta, la Heels dance è un tipo di danza che, oltre alla capacità di portare e muoversi sui tacchi, richiede una certa resistenza, controllo ed equilibrio e ha conosciuto un boom planetario nel 2008 quando la cantante Beyoncè si è esibita, accompagnata da due ballerine, in una coreografia ballata esclusivamente sui tacchi nel videoclip del suo famoso singolo Single Ladies. Del 2014 è poi la sua consacrazione a livello globale quando, durante il programma Britain’s got Talent, il giovane parigino Yanis Marshall ballò con la sua crew di soli uomini un pezzo di street jazz sui tacchi.
Per far conoscere meglio questa disciplina ai nostri lettori abbiamo fatto due chiacchiere con Daniela Cipollone, danzatrice dalle diverse esperienze - tour Marco Mengoni, Domenica In, Miss Italia, World of Dance, Espana Got Talent, videoclip musicali e produzioni teatrali - e docente che cura per Ida la Heels Class.
La prima cosa fondamentale da sapere, come ci racconta Daniela, è che la Heels cambia a seconda degli obiettivi con cui una persona frequenta questo tipo di corso: chi lo frequenta per una ragione professionale è importante che abbia basi modern e jazz, una buona padronanza della tecnica della danza oltre ad una buona consapevolezza del proprio corpo; chi lo segue invece per il semplice gusto di farlo può iniziare anche senza aver studiato danza. Le chiedo se sia importante possedere delle basi hip hop per poter frequentare queste classi: “in realtà c’è un pò di confusione. Ad esempio nella prima lezione che feci io (a Los Angeles nel 2007 n.d.r.) c’erano molte influenze hip hop ma poi tutto si è evoluto dipendendo dallo stile che ogni docente aveva deciso di affidare al proprio lato coreografico. Si trovano quindi coreografie che hanno diverse influenze: chi più hip hop, chi più contemporaneo, chi più jazz. Il tutto dipende dal colore e dal carattere che vuoi dare al tuo lato coreografico e questo credo che dia senz’altro un valore aggiunto a quello che proponi”. Poi ci racconta che le diatribe interne relative ai diversi stili del mondo heels secondo lei lasciano il tempo che trovano: “l’importante è partire da quello che ti piace fare, non limitandosi, perchè tutto ci ritorna utile e non dobbiamo perdere il feeling che c’è alla base di questa disciplina”. Come hai fatto nella coreografia che hai presentato a luglio al Galà Ravenna Danza in cui hai proposto l’Heels accompagnato dalla musica classica? “Assolutamenti si. A livello coreografico ognuno colora il suo stile in base al suo background e a me piace andare sempre fuori dagli schemi, cercando qualcosa di differente: per il Galà mi sono ispirata ad esempio alla sacralità del Teatro Alighieri ma in generale, a livello coreografico, la Heels mi fa sentire molto libera e posso variare da Mina a Rihanna. La commistione tra i diversi generi mi fa pensare come il riscaldamento di questa disciplina possa essere particolare e differente da una classe di danza “tradizionale”. Daniela lo conferma: questa è una disciplina così vasta che ha molto da offrire. Il riscaldamento, che è fondamentale come in ogni tipo di danza, deve essere funzionale e ha influenze sia di natura modern, che classica e contemporanea. Yannis Marshall ad esempio ha introdotto la sbarra con i tacchi dove tutto è funzionale al peso che viene calibrato con i tacchi; di norma però il riscaldamento viene svolto senza tacchi per preparare il corpo e si mettono i tacchi successivamente, anche se è possibile che qualche docente inizi subito la lezione camminando con i tacchi.
L’Heels dance si contraddistingue anche perchè è un’arte che permette di esprimere pienamente, serenamente e liberamente quella parte molto sensuale che nella vita di tutti i giorni non ci è permesso quasi mai di mostrare. Daniela ci confermi che questa disciplina non ti fa sentire sotto giudizio?: “Si decisamente. Molti principianti si avvicinano non a caso a questa disciplina perchè è una danza liberatoria e i principianti hanno quella voglia di scoprirsi che viene lasciata da parte dai professionisti che si chiudono spesso in schemi e perdono la natura di quello che fanno. I principianti hanno maggiore libertà: in particolare le donne, mogli, madri questo modo di usare i tacchi lo vivono con intensità, come una riscoperta di sensualità e di nuove emozioni tant’è che nella vita quotidiana hanno delle vere e proprie svolte a livello psicologico. Negli anni ho proprio riscontrato che la Heels le aiuta anche nella vita privata facendole acquisire maggiore sicurezza… d’altra parte a chi non piace stare sui tacchi?”. Mi racconta tuttavia che sebbene siano in molti a frequentare questa disciplina in Italia ci sia ancora del pregiudizio perchè nel nostro Paese pensando ai tacchi ci si ricollega a situazioni più volgari, come fosse un tabù. Poi Daniela ci confessa: “sono di parte lo so, ma vedo soltanto lati positivi e nessun lato negativo… perchè, se frequenti queste classi perchè sei un ballerino, è ormai diventata una necessità dato che sempre di più in ogni settore ti richiedono di ballare con i tacchi e poi a livello professionale credo che oggi più di ieri un ballerino debba cercare di approfondire a 360 gradi la danza per essere pronto ad ogni esigenza scenica; se invece si frequenta per hobby è un buono escamotage alla vita quotidiana e una bella riscoperta interiore… Personalmente per me è un vero piacere per l’anima come ci fosse quell’ alter ego donna… metto i tacchi e vado!” Per chi vuole approfondire questa disciplina Daniela Cipollone consiglia di guardare i lavori di alcuni esponenti della Heels Dance internazionale come Yannis Marshall, Danielle Polanco, Dana Foglia e Malou Linders. Per per impadronirsi degli strumenti tecnici e coreografici della Heels Dance l’appuntamento sarà a Milano il 7/8 ottobre, Heels II Livello a Roma il 28/29 ottobre, a Ravenna il 25/26 novembre e a Bologna il 3/4 febbraio.