"The future belongs to those who believe in the beauty of their dreams"

"Il futuro appartiene a coloro che credono nella bellezza dei propri sogni”, ma quanti davvero credono fino in fondo nella bellezza dei propri sogni? Quanti, giovani e meno giovani, provano davvero a raggiungere tale bellezza, inseguendo un sogno? Sono convinta che quella bellezza non sia nel sogno in sé, ma nel viaggio per raggiungerlo. Quella strada potrebbe offrire molto di più di quel sogno, lungo il percorso potrebbero arrivare sorprese inaspettate, ma in quanti sono davvero pronti a partire?

Abbiamo fatto una chiacchierata con Riccardo Battaglia, giovane danzatore ed insegnante che, nonostante la giovane età, ha già raccolto importantissime esperienze in compagnie, scuole e teatri, inseguendo un sogno, il suo.

Di dove sei e come hai scoperto il tuo amore per la danza?

Sono nato a Milano, cresciuto a Pescara. Ho sempre amato ballare già dall’età di 2 anni, mi muovevo con qualsiasi stile di musica! Ho però iniziato a prendere lezioni di danza a 8 anni. 

Come conciliare danza e scuola, il valore dell'insegnante e dell'educazione alla danza nella vita?

Aspetti importanti della danza sono sicuramente la disciplina e lo spirito di sacrificio. Per questo motivo è sempre stato fondamentale, per me, impegnarmi al massimo a scuola, continuando a seguire più corsi di danza possibile. Non è stato facile, ho dovuto dire di no a qualche uscita con i compagni, a qualche passeggiata in centro con gli amici, a quella vita da teenager che tutti gli altri facevano, ma ne è valsa la pena alla grande. Sono riuscito a ottenere il diploma di liceo scientifico con 100 e lode, frequentando la scuola di danza sei giorni su sette.

A 23 anni mi è stato chiesto di entrare nel corpo docente della Ailey Extension, le lezioni aperte, per adulti, della Alvin Ailey. All’inizio ero molto intimorito dall’idea di non essere all’altezza, di essere troppo giovane, ma il direttore dell’Ailey II, la compagnia junior di cui facevo parte, mi aveva visto insegnare mentre eravamo in tour ed ha creduto in me. Quell’esperienza mi ha donato consapevolezza, ho capito di amare l’insegnamento e ho capito l’amore che provavo nel condividere la mia passione con gli studenti. Da quel momento in poi ho iniziato a fare lezione, da allievo, in maniera più attenta. Avere grandi insegnanti di danza da piccolo, veri maestri di vita, come Americo Di Francesco e Paolo Lancioni, ha sicuramente aiutato nella mia crescita e nello sviluppo di questa mia passione. 

Da ballerino ritrovatosi in poco tempo dall’altra parte della sala, mi sento di dire spesso che il valore del maestro di danza è fondamentale, vitale per i futuri danzatori.

Hai partecipato al concorso Expression promosso da IDA: pensi che siano importanti questi concorsi sul piano nazionale ed internazionale?

Se non fosse stato per il concorso Expression, non sarei mai arrivato a raggiungere alcuni traguardi. È stato proprio lì che ricevetti la mia prima borsa di studio per l’Alvin Ailey, da Christopher Huggins, che quell’anno si trovava in giuria. La possibilità di farsi vedere e notare è estremamente importante per i giovani danzatori. 

Un altro aspetto molto positivo dei concorsi è l’opportunità che si ha di esibirsi davanti ad un pubblico e di superare l’ansia da palcoscenico. Spesso non c’è tempo o spazio per le prove, tutto scorre molto velocemente ed è una preparazione perfetta per le situazioni che si possono incontrare da professionista.

Ho partecipato a tanti concorsi in Italia da ragazzino e ho visto e giudicato concorsi negli States, la competizione fa parte del nostro mondo, ma deve essere sempre e solo sana. Non si dovrebbe mai arrivare a rivalità tra scuole, ragazzi, genitori, dobbiamo comunque ricordare che si parla di arte e che il fine ultimo di tutti non è quello di portare a casa un premio, ma di creare arte bella e ricca di emozioni.

Quando hai cominciato a pensare all'America? Pensi sia una tappa fondamentale? Perchè proprio Stati Uniti? Parlarci un po’ del tuo percorso.

Ho sempre avuto il mito di New York. Sia per la danza che vedevo nei film e telefilm americani, a Broadway nei suoi musical, ma anche per la città in sé e per sé: nutrivo questo “sogno americano” sin da bambino. A 17 anni, per il Summer intensive all’Alvin Ailey School, fu la mia prima volta in America: ricordo intensamente il mio arrivo, il taxi preso all’aeroporto JFK in direzione Manhattan, lo skyline che si dipinge davanti agli occhi, reale, per la prima volta con le sue mille luci… ammetto che mi emoziona ancora tantissimo il pensiero. Quel corso estivo di sei settimane mi fece ancora di più innamorare, sia della scuola che della città.

Così, finito il liceo, ho provato a fare l’audizione per la scuola e mi hanno preso dandomi una borsa di studio integrale. Dopo due anni di scuola sono stato preso nella mia prima compagnia, Elisa Monte Dance, dove sono rimasto per una stagione. Facendo l’audizione poi sono entrato nell’Ailey II, la compagnia junior dell’Alvin Ailey, con cui ho lavorato e ballato in giro per il mondo per due anni. Una delle esperienze più belle della mia vita. 

Non essendo stato preso subito per la prima compagnia mi sono rimboccato le maniche ed ho iniziato a fare tutti i lavori possibili che trovavo. Ho iniziato ad insegnare in quel momento ed in più lavoravo come host in un ristorante per arrotondare. Poi ho cominciato a ballare in diversi progetti con compagnie classiche e contemporanee, riuscendo anche ad essere scritturato da una grande agenzia per talenti, grazie alla quale ho preso parte a video e pubblicità, nell’ambito commercial, tra cui Swarovski, Kenzo, H&M e Monclair. Nel frattempo non smettevo di fare audizioni e casting, ne facevo 4-5 a settimana, ricevendo anche moltissimi “no”.

Dopo quasi due anni di questa vita, mi scrisse un messaggio il direttore di una compagnia di Chicago, Visceral Dance. Una mia amica ballava già nella compagnia e me ne aveva parlato bene. Mi offrì un contratto, che mi portò a lasciare New York e trasferirmi in un’altra città. Lo feci un po’ a malincuore, ma sentivo il bisogno di cambiare energia. A Chicago oltre a ballare in compagnia e in altri progetti, insegnavo anche a tempo pieno in due scuole tra cui la Joffrey Ballet Academy. Nei due anni di vita a Chicago non ho potuto sostenere l’audizione dell’Ailey, ma ho sempre cercato di tenermi in contatto e di fare lezione con loro quando erano in tour a Chicago. Questo fino a Novembre 2019, quando mi contattarono proprio dalla prima compagnia Alvin Ailey, avevano bisogno di un ballerino uomo per la stagione. È stato un sogno, danzare con loro, viaggiare per gli Stati Uniti, esibirsi con le loro stupende coreografie proprio per il 60esimo anniversario della compagnia. A fine contratto sono ritornato in Italia in cerca di lavoro, ed è arrivata un’opportunità dalla Germania, come artista ospite di un teatro stabile in Baviera, dove ho trascorso questi ultimi mesi.

Il sogno americano… cosa ha significato per te ballare nei teatri americani?

A volte faccio fatica a credere di aver ballato in così tanti teatri. Tra quelli che ricordo con più emozione ci sono il Joyce ed il Lincoln Center di New York, il Kennedy Center di Washington DC, il Fox Theater di Atlanta e l’Auditorium e l’Harris Theater di Chicago. Ma la cosa più bella in America è che i grandi teatri non sono solo nelle grandi città, ma anche in alcuni piccoli paesi e in alcuni campus universitari: hanno palchi enormi, platee da più di 3000 posti e crews tecniche preparatissime. 

Poi il pubblico, sempre caloroso, sempre partecipe, non ha mai timore di applaudire ed emozionarsi con gli artisti sul palco, ti fanno sentire una vera e propria star! 

Pensi sia una tappa fondamentale per la carriera di un danzatore fare un’esperienza negli States?

Non penso sia una tappa fondamentale per tutti, di opportunità per i danzatori ce ne sono tantissime anche in Europa e ne ho avuto la conferma con questa mia ultima esperienza, però un viaggio di studi a New York lo consiglio davvero.

Pensi sia importante per un ballerino italiano decidere di continuare la propria formazione all'estero?

In questo momento mi sento di dire di sì. In Italia ci sono scuole ed insegnanti fenomenali, che artisticamente formano molto bene, ma se ci sono le possibilità consiglio sempre di fare un’esperienza fuori. Aiuta a maturare e confrontarsi con una realtà diversa, una lingua diversa, culture diverse. Come si dice in America, “step out of your comfort zone”. 

Hai mai pensato di continuare il tuo percorso in un "ambiente non convenzionale"? Parlo di Asia o Africa?

Non mi pongo dei limiti, mai dire mai. Dopo 9 anni in America, un’esperienza di 7 mesi in un teatro in Germania e qualche lavoro in Italia, il mondo della danza in Asia ed Africa mi affascina molto e mi piacerebbe conoscerne di più. Se si dovesse presentare l’occasione di imparare da persone di altri continenti lontani e di connettersi tra artisti, sicuramente potersi esibire per un altro pubblico sarebbe stupendo.

Progetti per il futuro?

Purtroppo mi è un po’ difficile rispondere a questa domanda. Non mi è possibile, per ora, tornare negli States, quindi sto vedendo come muovermi in Italia. Spero di poter insegnare in scuole italiane in queste prossime settimane, per poter condividere le mie esperienze all’estero con i giovani danzatori in Italia. 

Sono riuscito a raggiungere molti obiettivi che mi ero prefissato, ma me ne pongo sempre altri, nuovi. So che voglio tornare a New York, di questo ne sono certo. Ora sto prendendo anche lezioni di canto per poter partecipare ad un musical perché uno dei miei sogni è sicuramente Broadway.

Sono mesi particolari, abbiamo chiuso nel cassetto i passaporti, limitato gli spostamenti ed i viaggi. Siamo stati costretti a mettere in “stand by” alcuni progetti e, in alcune circostanze, a riprendere totalmente in mano la nostra vita, cambiandole direzione. Come Riccardo, molti di noi avrebbero voluto proseguire un percorso, in una realtà che fino a poco tempo fa si mostrava ben diversa da ciò che stiamo vivendo. Inseguire sogni non è mai facile, ma con la consapevolezza di oggi, sappiamo che era forse un pochino più semplice. A volte però le sfide ci aiutano a cambiare prospettiva, trovando opportunità diverse, ma altrettanto stimolanti… in attesa del prossimo volo.

© Expression Dance Magazine - Ottobre 2020

Attualmente impegnato nella preparazione della tournèe de Le quattro stagioni, spettacolo messo in scena dal corpo di ballo dell’Opera di Roma, e reduce dal successo di Love appena andato in scena al Teatro Greco di Taormina, parlo al telefono con Giuliano Peparini durante uno dei pochi momenti liberi che ha in questi giorni infuocati dal lavoro. Quello che non ti aspetti è sentire una voce che riporta nei confronti del suo mestiere ancora la “meraviglia” di un ragazzo alle prime armi.

Partito dalla periferia romana perché non è stato accettato dalla scuola di ballo della sua città entra all’American Ballet Theatre New York a soli 16 anni e da allora ha girato tutto il mondo come ballerino, coreografo e regista non staccandosi mai dal mondo del teatro e dello spettacolo. Sull’onda della sua esperienza personale cominciamo a parlare del rapporto speciale che ha Giuliano con i giovani.

Giuliano da dove viene questa tua forte attenzione nei confronti dei giovani e perché ci tieni così tanto a promuoverli e valorizzarli? 

Per me è fondamentale fare un transfert di passaggio e di esperienze, non mi sembra affatto giusto rimanere focalizzati su noi stessi, per me lavorare e preparare le persone più giovani è un bel modo di far conoscere le mie esperienze acquisite in tanti anni di studio e di lavoro. Secondo me i giovani oggi hanno molte più capacità e un livello tecnico molto più alto ma credo abbiano meno informazioni di base e un modo totalmente diverso di porsi. Tantissime cose importanti per me e per la mia generazione come il rigore, la disciplina e la gerarchia li hanno un po’ persi quindi quando incontri i ragazzi spesso diventa molto più complicato poter imporre il tuo metodo e le tue idee e per questo si arriva più facilmente allo scontro. 

Secondo te perché c’è stato questo cambiamento di rotta nei giovani di oggi?

Il problema è sempre lo stesso purtroppo: in Italia manca una regolamentazione unitaria riguardo al mestiere dell’insegnante di danza, il problema è che tutti quelli che danzano sembrano avere una capacità anche per l’insegnamento ma la realtà e che anche l’insegnamento va imparato, come ogni mestiere: se non so è perché non ho le basi e se non le si hanno bisogna studiare perché si opera su dei corpi che, seppur non si aprono con dei bisturi, hanno ugualmente una grande importanza. 

Cosa consigli quindi ad un giovane che vuole seguire la propria strada nel mondo della danza?

Ai giovani, ma soprattutto ai genitori, consiglio di verificare con chi studia il proprio figlio, consiglio di valutare gli studi e le esperienze perché a nessuno verrebbe in mente di lasciare i propri figli in mano a un chirurgo che non abbia studiato e non abbia acquisito le certificazioni necessarie; e poi consiglio di non pensare che un insegnante sia tale solo perchè sia “figo” sui social e perché è stato protagonista in qualche programma televisivo. Se un insegnante insegna male la disciplina può procurare disturbi fisici ai ragazzi proprio come un dottore che fa una diagnosi sbagliata dovuta all’inesperienza o al poco studio… e di ragazzi così ne ho visti davvero troppi durante la mia carriera.

La danza poi non è solo uno sport, un’attività fisica ma un’arte e altrimenti rimane altro, alla base ci deve essere l’etica, è importante e fondamentale. C’è un fatto di responsabilità: ogni insegnante spesso pensa a se stesso invece dovrebbe coltivare le individualità in modo che ognuno si senta importante nel gruppo. Per me è fondamentale lo spirito di gruppo, in ogni produzione, come l’ultima de Le quattro stagioni, danzare insieme per me vuol dire stare insieme non solo sul palco ma anche fuori in tournèe condividendo giornate di lavoro e di compagnia una volta usciti dal teatro.

Bisogna quindi studiare, studiare e studiare?

Non si smette mai di studiare, di comprendere, di informarsi. Anche a me è capitato diverse volte, come ad esempio quando mi hanno chiamato per tenere un workshop di teatro e, anche se avevo avuto diverse esperienze come attore e regista, in quel frangente ho sentito il forte bisogno di studiare e di capire da dove venissero le basi teoriche che avevo acquisito con l’esperienza. E’ importante costruire il proprio bagaglio di studi oltre che di esperienze perché non nasciamo sapendo tutto e per imparare bisogna studiare se no sarebbe troppo facile; è come se ci fossero architetti che non abbiano fatto gli studi appositi per costruire. Poi certo come in tutti i mestieri ci sono quelli che fanno le cose per bene e quelli che “si spacciano” per altro ma di una cosa sono convinto: il talento è certamente una dote innata ma va sempre coltivato con lo studio.

E per diventare un grande danzatore cosa è imprescindibile secondo te?

A mio avviso la cosa più importante è cercare e andare a conoscere il più possibile quello che c’è in giro, cercare un orizzonte più lontano, non rimanere nella propria zona di confort: provate a darvi dei compiti più difficili, cercate di avere idee più chiare possibili anche se irraggiungibili, bisogna avere chiare le idee su dove si vuole arrivare e appena hai aperto una porta meglio allontanarsene e cercare di aprirne subito un'altra. Anche io la mattina mi svegliavo con un obiettivo anche se avevo solo 12 anni e anche oggi che ho passato i 40 sono continuamente alla ricerca di un nuovo sogno… se sei un giovane che vuole fare la professione lascia gli “spettacolini” che pur ti danno tante soddisfazioni e guarda “oltre”.

Agli insegnanti chiedo invece se vedete un talento non sprecatelo, è un peccato tenerlo con voi, spronatelo ad andare più lontano, aiutatelo ad andare lontano, anche a me è capitato e non gli taglierei mai le ali, altrimenti possiamo bloccare ragazzi con carriere internazionali: bisogna mandarli fuori. Una volta fuori dall’Italia, posso dirlo con estremo orgoglio, si difendono anche meglio degli altri e non è un caso che all’estero molte etoile che si distinguono siano italiane: abbiamo la capacità di costruire tutto dal nulla, siamo un popolo di artisti e di artigiani e per noi il lavoro manuale e artigianale della danza e del teatro sono cose che appartengono alla nostra storia, alla nostra cultura e alla nostra tradizione. 

Riesci ad aiutare i giovani dopo averli conosciuti durante il programma televisivo in cui sei direttore artistico?

Da Amici sono usciti tanti ragazzi che stanno facendo carriere diverse. Per quanto mi riguarda se uno vale, le opportunità ci sono e gliele si danno, collaboro ad esempio con Alezio Gaudino, Javier Rojas, Andreas Muller perché ho capito che avevano ben chiaro il loro sogno. Se vedo ragazzi che hanno sogni grandi e si buttano a capofitto nello studio e nel lavoro, appena ho un progetto cerco di dargli una possibilità in teatro; spesso infatti i ballerini una volta spente le luci televisive hanno meno occasioni di emergere rispetto ai colleghi cantanti. Proprio per questo continuo con grande piacere a lavorare anche in televisione perché mi fa scoprire tanti ragazzi e lavorando con loro a ritmi serratissimi riesco a capire in poco tempo se possono fare della danza la loro professione; carpisco i loro ideali e capisco se hanno il carattere e la personalità adatta per poter andare oltre: io sento moltissimo se un giovane è solo spinto dal desiderio di farsi vedere e a me questo desiderio non colpisce affatto… voglio “investire” solo su giovani che vedono lontano.

Da cosa deriva la visione coreografica che proponi nei tuoi famosi quadri?

Ho una visione dello danza e dello spettacolo a tutto tondo, per me tutto è teatro. Non ho una percentuale sulla cose, per me nel teatro ogni azione artistica, le luci, la scenografia, le interpretazioni hanno lo stesso valore, per me lo spettacolo è un insieme di tutto; così come una bellezza di un quadro deriva da un mix di tanti elementi e il tutto crea quell’impatto d’ insieme che crea l’emozione che rende unico uno spettacolo piuttosto che un altro.

Nei tuoi quadri coreografici è molto apprezzato dai giovani che parli di tematiche sociali, come mai questa scelta?

Il teatro sin dalle sue origini ha avuto un’importanza politica molto grande e se uno ha la possibilità di creare su un tema per farlo emergere con una coreografia perché non farlo… l’importante è non farlo per strumentalizzarlo. I temi legati ai giovani fanno parte di un insegnamento di un artista, le emozioni le vivo diversamente se riesco a fare emozionare. Se mandiamo messaggi giusti poi anche i social sono un ottimo strumento per far conoscere tematiche sociali ma se i social diventano uno strumento di cattiveria e di rivolta diventano un canale decisamente inutile e fuori luogo.

Pensi che la tua partecipazione televisiva abbia fatto conoscere meglio e a più persone il mondo della danza?

Io credo che la televisione sia un mezzo di trasporto per andare più veloci, se però hai la visibilità ma non hai le chiavi giuste il tutto può diventare pericoloso. Tutto dipende dalla persona e dalla conoscenza che hai per poter aiutare: io sento una responsabilità grandissima perché rappresento tante altre persone e per questo sono cosciente di quello che dico e faccio. 

© Expression Dance Magazine - Ottobre 2020

Un nuovo anno di danza è iniziato: come predisporre il corpo ad accogliere nuovi stimoli e soprattutto evitare spiacevoli infortuni?

Il mio primo consiglio è dedicare almeno 45/50 minuti, almeno due volte a settimana, alla mobilità articolare (capacità di massima escursione articolare), coinvolgendo tutte le articolazioni (capo, spalle, gomiti, polsi, dita delle mani, bacino, ginocchia, caviglie, dita dei piedi), strutturando allenamenti programmati con equilibrio di volumi e intensità. 

Anche la flessibilità muscolare (capacità di allungamento dei muscoli e del tessuto connettivo) ha la stessa importanza per un danzatore, pertanto allenare mobilità e flessibilità è fondamentale, cercando di essere "gentili" con il corpo, rispettando i raggi di movimento e ricercando miglioramenti graduali: "Tutto e subito" spesso non dona reali strumenti per un lungo percorso. 

Per i danzatori è davvero importante il lavoro dedicato ai muscoli posturali, un lavoro finalizzato al potenziamento del core, alternando fasi isometriche (Core Stability) a fasi dinamiche (Core Training).

In un programma completo di mobilità articolare è necessario ovviamente coinvolgere tutto il distretto superiore (tronco e braccia): è fondamentale non dimenticare di coinvolgere spalle e scapole, eseguendo dei plank su braccia e gomiti (con giusti input correttivi). Un core forte equivale a un migliore equilibrio, a una postura corretta e, proprio grazie ad un allenamento costante del core, si evita l’accumulo di stress. Lavorare sull’equilibrio e sulla postura corretta porta a enormi benefici e a un miglioramento della qualità della vita, poiché aiuta ad evitare dolore alla colonna vertebrale, alle anche e alle ginocchia. 

Fondamentale è ascoltare il proprio corpo, cercare di percepire ogni singola voce proveniente da dentro, poiché il corpo ha sempre qualcosa  da "raccontare": chiudere  gli occhi, concentrare l'attenzione sulla respirazione, cercando di essere accolti dal suolo; fonte di ENERGIA a ogni coreografia.

Partendo dalla pura essenza della danza, che vede il corpo come il mezzo attraverso il quale esprimere le proprie emozioni, vi invito a utilizzare il corpo libero nelle vostre sedute di allenamento, visualizzando il corpo come nella danza, esattamente come un insieme di sinergie del gesto, cercando di programmare bene le sedute, con esercizi funzionali al miglioramento  delle vostre performance da danzatore e/o insegnante di danza, senza limitare la vostra attenzione al solo fattore estetico. 

Vi auguro un anno colmo di soddisfazioni: cercate di avere tanta cura del vostro corpo (mente): avere la possibilità di comunicare senza parlare resta un privilegio di pochi.

Di seguito un esempio di routine di "Ginnastica Funzionale per la Danza", la descrizione dei singoli esercizi e un video con la loro esecuzione.

Obiettivi: Mobilità, Core training e stability, consapevolezza del gesto (equilibrio Corpo&Mente).

Buon lavoro!

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© Expression Dance Magazine - Ottobre 2020

Le Linee guida per l’attività sportiva di base e l’attività motoria in genere sono state le prime ad essere emanate, il 19 maggio, dalla Presidenza del Consiglio dei Ministri ed elaborate dall’Ufficio per lo Sport, per indicare le misure per il contrasto e il contenimento della diffusione del virus SARS-Cov2 con tempi strettamente legati all’emergenza e sono il primo riferimento normativo per chi pratica la danza in palestra.

In linea generale questo testo emanato dal Governo illustra le misure di prevenzione e protezione finalizzate alla gestione del rischio di contagio all’interno del sito sportivo utili per capire meglio i termini e i protagonisti coinvolti, oltre alla messa in atto delle misure di contrasto, assicurando la massima informazione dei lavoratori e di tutti gli operatori dei siti sportivi, predisponendo tutti gli elementi necessari per assicurare il rispetto delle presenti disposizioni e la tutela della salute pubblica. 

Ripartire in sicurezza: Attuazione dei protocolli covid-19 dalla teoria alla pratica

SEMINARIO ON DEMAND: Registrazione della diretta avvenuta il 25 settembre 2020.

ACQUISTA LA REGISTRAZIONE >

Le misure previste da questo documento devono essere adottate sulla base delle specificità emerse dalla fase di analisi del rischio, a seconda della disciplina che viene svolta e a seconda delle linee guida emanate a corollario da ogni singola regione.

Per quanto concerne le associazioni e le società sportive che praticano la danza e che seguono le classificazioni del Coni, oltre alle Linee guida sopra citate, valide a livello nazionale, occorre far riferimento al Protocollo applicativo di sicurezza emanato dalla Federazione Italiana Danza Sportiva e aggiornato il 3 settembre anche per le discipline di contatto e, se esistenti, ai protocolli emessi dagli Enti di promozione sportiva di riferimento.

In questi ultimi protocolli si va a specificare meglio quanto descritto dalle linee guida in merito alla disciplina della danza:

- definizioni degli attori coinvolti nella pratica sportiva

- l’informazione da rivolgere a tutti gli attori coinvolti nella pratica sportiva

- criteri della valutazione del rischio con particolare riferimento all’ambiente sportivo

- la sicurezza sul lavoro nelle associazioni sportive: in questo capitolo si segnala che non è richiesto il DVR (documento valutazione dei rischi infortunistici) per chi “abbia in forza solamente dei collaboratori ex art.67, co.1, lett. m) Tuir e/o volontari (o meglio lavoratori gratuiti)

- misure di prevenzione e protezione

- pratiche di igiene 

- disposizioni tecnico/operative che sono quelle specifiche riguardanti la danza e in cui si parla dell’allenamento della disciplina di contatto in cui specifica che “per l’attività propriamente definita “amatoriale” o di avviamento allo sport… è richiesto il possesso del certificato medico sportivo non agonistico… e, in deroga a quanto sopra previsto alla luce dei movimenti tecnici tipicamente stazionari, una superficie minima per unità competitiva coppia/duo di almeno 10 mq”

In appendice sono inseriti inoltre l’Autodichiarazione preliminare all’ammissione ai locali e l’Autodichiarazione preliminare all’ammissione ai locali minorenni, fac simile che devono compilare atleti, accompagnatori, ove presenti, e operatori sportivi (insegnanti, personale di segreteria, etc…) con le relative indicazioni di modalità di somministrazione e di conservazione.

RIFERIMENTI NORMATIVI

Linee guida per l’attività sportiva di base e l’attività motoria in genere: http://www.idadance.com/images/2020/linee-guida-sport-di-base-e-attivita-motoria.pdf 

Protocollo applicativo di sicurezza emanato dalla Federazione Italiana Danza Sportiva_rev. 3 settembre: https://www.federdanza.it/documenti-fids/1780-linee-guida-allenamenti-3settembre2020/file 

Protocollo Asi per gli affiliati IDA/Asi: http://www.asinazionale.it/news/le-linee-guida-per-la-ripartenza