Perché chi studia danza contemporanea dovrebbe praticare danza classica? E quale è il modo più corretto per inserire nozioni di balletto in un percorso che privilegia altre tecniche?

Ne abbiamo parlato con la docente Laura Nardi, diplomata all’Accademia Nazionale di Roma, da sempre versatile danzatrice e, come coreografa di danza contemporanea, vincitrice di numerosi riconoscimenti in numerosi festival e concorsi di rilievo nazionale.

Laura, cosa rispondi a chi pensa che la tecnica classica sia addirittura d’ostacolo a chi ricerca un movimento naturale e non vincolato alla forma?

Direi che non c’è conflitto, anzi sono certamente di più i vantaggi per chi ha la fortuna di inserire nel suo programma di studio elementi di base del balletto nonostante il suo obiettivo non sia quello di fare il danzatore classico.

Per un ragazzo/a che aspiri al professionismo, prendere parte ad una classe di danza classica è un po’ come prendere le vitamine: la danza classica aiuta a migliorare la prestazione fisica, la coordinazione, la consapevolezza dello spazio e permette di lavorare alla sbarra su forza ed elasticità in maniera simmetrica su ambo i lati del corpo.

Come può un insegnante di contemporaneo aiutare i propri studenti ad impadronirsi della tecnica di base della danza classica?

Spesso si rinuncia ad introdurre un training di balletto in percorsi formativi di modern o contemporaneo per paura di spaventare gli allievi che scelgono questa disciplina dopo aver avuto approcci traumatici con la danza classica oppure con allievi che nutrono pregiudizi di base verso una disciplina percepita come troppo rigida e dogmatica. Poi, avendo poche classi a settimana a disposizione, i docenti rinunciano spesso ad affrontare l’argomento per mancanza di tempo.

Il tutto credo dipenda però dalla modalità di approccio alla materia che va introdotta nella consapevolezza da parte del Maestro di dover costruire classi o esercizi di balletto per il contemporaneo, prevedendo una programmazione delle sequenze specificatamente formulate per chi necessita di muovere il corpo nella fluidità, senza insistere ad esempio sulla ricerca dell’en dehors come necessità prioritaria, obiettivo imprescindibile invece per chi segue una formazione accademica.

Quali consigli si possono dare ad un insegnante di modern o di contemporaneo per presentare nelle proprie classi anche gli elementi base della danza classica?

Credo sia importante prima di tutto valutare il materiale umano che si ha a disposizione per formulare una pianificazione del programma adeguata ai bisogni del gruppo e cercare freschezza e versatilità nel trasferire le nozioni. Per questo con Ida abbiamo pensato ad un corso finalizzato per stare accanto a tutti quei docenti che desiderano integrare le loro lezioni di modern con le basi essenziali della tecnica accademica: vorremmo si facesse largo l’idea che il corpo è uno e più esperienze sane e corrette gli facciamo fare più contribuiremo a renderlo sapiente.

Come si svolgerà il percorso proposto?

Dopo aver analizzato i concetti fondamentali della tecnica classica si parlerà di come e quando introdurli, si analizzerà poi come la danza classica possa supportare e coadiuvare, le caratteristiche primarie della danza modern e contemporanea: musicalità, uso dello spazio, delle direzioni e dinamica.

Saranno proposte anche diverse parti pratiche in modo che gli insegnanti partecipanti siano stimolati a sperimentare e a provare su di sé: ci tengo molto ad instaurare un clima aperto con i docenti perché ogni tanto deve poter essere divertente tornare ad essere allievi ed apprendere senza nessun giudizio… credo infatti che solamente in questa modalità aperta e disponibile di scambio i docenti possano tornare nelle proprie classi e nella propria routine avendo tratto i migliori benefici dal lavoro svolto assieme.

Laura Nardi terrà il corso Ballet Inside Modern Class a Ravenna a partire dal 27 novembre 2021.

© Expression Dance Magazine - ottobre 2021

La più grande rivoluzione della nostra generazione è la scoperta che gli esseri umani, cambiando gli atteggiamenti interiori delle loro menti, possono modificare l’aspetto esteriore della loro vita”  William James

Se trasliamo questa considerazione nell’ ambito dell’insegnamento della danza è evidente quanto i fattori psicologici non influiscano solo sulle prestazioni dei nostri allievi ma anche sul processo di apprendimento.

Facendo luce su ciò che può influenzare il benessere psichico degli allievi durante la lezione di danza e diventando consapevoli dei “demoni” che possono affacciarsi nel praticare questa nobile arte, possiamo diventare maestri sapienti, capaci di motivare nel modo giusto i nostri studenti, rafforzandone le abilità interiori.

Prima di agire sui nostri allievi, credo sia importante lavorare su noi stessi e prendere consapevolezza del modo in cui pratichiamo l’insegnamento per questo ho voluto approfondire l’argomento con la Dott.ssa Francesca De Stefani, Psicoterapeuta specializzata in Psicoterapia Biosistemica ed esperta Psicologa in ambito sia sportivo che coreutico.

Dott. ssa De Stefani cosa intende quando parla di “demoni” della danza?

 una definizione un po’ forte ma in grado di esprimere bene i disagi che un insegnamento non adeguato possa creare in bambini ed adolescenti come, per fare un esempio, l’eccessivo perfezionismo che viene stimolato e coltivato dalla danza.

Il profilo caratteriale migliore di un danzatore è sicuramente quello di una persona altamente motivata, responsabile e autodisciplinata; tuttavia se si esasperano questi aspetti si rischia di sconfinare e diventare ipercritici, continuamente accompagnati da pensieri negativi e dicotomici.

Secondo lei quindi quali strumenti può mettere in campo l’insegnante di danza per contrastare la tendenza degli allievi a diventare ossessionati dalla perfezione?

In questo senso il Maestro di danza può davvero fare la differenza fornendo ad esempio feedback chiari e costruttivi.

La prima regola per avere allievi fiduciosi nelle proprie capacità è far sì che stabiliscano una sana competizione con i propri limiti… cerchiamo l’eccellenza e non la perfezione!

In che modo il suo lavoro può essere importante per gli insegnanti di danza?

Credo che preparare gli insegnanti di danza trasmettendo loro maggiore coscienza sugli aspetti psicologici che determinano o meno un apprendimento di successo possa prevenire tanti disagi e/o patologie che una volta manifestati possono essere trattati esclusivamente dal punto di vista clinico.

Purtroppo sono ancora molti gli episodi di cronaca che riguardano abusi fisici e mentali a danno di giovani aspiranti ballerini in prestigiose accademie di balletto: questo è un chiaro segnale che non si sia fatto ancora abbastanza per emanciparsi da modelli di insegnamento errati che in molti casi purtroppo creano solchi profondi nell’emotività di chi è disposto a tutto per inseguire il proprio sogno.

Nelle esperienze più distruttive poi, l’allievo per gestire le richieste assurde del docente, diventa ipercritico e autodistruttivo fino ad arrivare all’anoressia come strumento di controllo.

Per questo ringrazio l’opportunità che mi ha dato IDA nel sensibilizzare i maestri di danza e di conseguenza la possibilità di intervenire anticipatamente nella formazione di bambini ed adolescenti, prevenendo i disturbi che spesso mi trovo a curare in studio.

Viviamo nell’era dell’immagine perfetta e del corpo come misura del valore sociale. I ragazzi che praticano danza sono immersi nei social media, nei quali vedono corpi di danzatori perfetti e prive di difetti fisici. Come viene influenzata secondo lei la percezione di sé stessi?

Il corpo è il primo elemento con cui si entra in contatto con gli altri ed è un fattore molto importante per lo sviluppo della definizione del sé. Ci si costruisce un’idea del proprio corpo sia con l’esperienza diretta sia attraverso il confronto con gli altri e le opinioni delle persone per noi significative (genitori, amici, insegnanti).

Gli adolescenti, in particolare, sono giudici severi ed implacabili sia con loro stessi che con gli altri e cercano continuamente conferme. Queste premesse mixate allo sguardo sempre rivolto ad immagini perfette crea il rischio di perdere il contatto con la realtà.

Per questo credo sia importante insegnare ai ragazzi a fare un uso consapevole dei social media, spiegando loro che quello che vedono è spesso ritoccato ad arte e che la verità di una performance è molto più complessa.

Non dimentichiamo che la danza è racconto e prevede personalità, intelligenza, valori, cultura e per questo è importante che gli insegnanti di danza riportino l’attenzione alla peculiarità di ogni individuo, ad una bellezza non imposta ma veicolata dalla scoperta di sé.

La vera ricchezza pedagogica della danza sta nell’aiutare le persone che la praticano ad ascoltarsi profondamente interpretando ciò che rimane nascosto alla vista ma è sensibile all’anima.

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La danza ha sempre parlato a determinate categorie di persone.

Facendo poi riferimento al contesto occidentale, tali categorie hanno subito, nella maggior parte dei casi, una dura selezione: da sempre vista come un’arte per pochi, adatta a determinati fisici, costruiti in ogni dettaglio, sta attraversando negli ultimi decenni piccole rivoluzioni quotidiane, legate principalmente alla necessità di rendere quest’arte, un’arte inclusiva, non legata a dogmi né a preconcetti di tipo classista e razziale. Anche in questo passaggio possiamo leggere l’importanza acquisita dalle arti e dagli sport nell’evoluzione socio-culturale dei diversi contesti: la funzione sociale della danza va a ridisegnarsi in un mondo alla ricerca costante di nuovi equilibri, dove ogni tentativo di eliminare i confini, sta portando i suoi frutti anche in discipline fino a oggi caratterizzate da ferrei dettami, confini mai scritti, ma da sempre percepiti.

Ci sono persone, in questo senso, che per raggiungere il proprio sogno hanno deciso di sfidare questi dettami, superare le barriere poste da preconcetti, non solo infondati, ma soprattutto conseguenza di relazioni di potere e politiche sociali distorte.

La storia ha senza dubbio influenzato, e non poco, lo sviluppo di questo movimento, relegando certe categorie a determinati stili, “ghettizzando” certi corpi.

Oggi anche la danza, nell’acquisizione di consapevolezza legata al proprio ruolo nel contesto sociale, cerca di dar voce al cambiamento, grazie a personalità eccezionali e carismatiche come Paige Fraser.

Paige è una ballerina professionista originaria degli Stati Uniti ed è stata docente per IDA allo stage Expression Dreaming America. Con lei ci siamo confrontati su alcuni temi legati proprio alle sfide nella danza: dalla scoliosi alle divisioni etniche.

Paige, oggi ballerina di successo per compagnie e musical, balla da che ne ha memoria! Decisissima sin dagli 8 anni a diventare ballerina professionista, a 13 anni le viene diagnosticata una forma di scoliosi, con una acuta curvatura della colonna. Le prime parole del medico alla lettura della diagnosi furono traumatiche per Paige, poiché si parlò subito di intervento alla spina dorsale, ma ciò che sembrava un incubo si trasformo nella sua più grande sfida e motivazione nel raggiungimento del suo sogno.

La ricerca di trattamenti alternativi l’hanno condotta a indossare un busto correttivo durante la scuola superiore, affidandosi allo stesso tempo a trattamenti chiropratici: tutto ciò ha dato i suoi frutti, dandole la possibilità di intraprendere una carriera nella danza come professionista senza far ricorso a interventi invasivi.

Dalla scoliosi non si guarisce, plasma il corpo e sicuramente è una condizione con la quale è necessario imparare a dialogare e convivere: fondamentale per Paige è stato acquisire consapevolezza sulla sua unicità e sulle sue qualità, consapevolezza acquisita lavorando sul suo corpo, danzando.

La danza quindi può essere intransigente e pretendere perfezione, ma se si impara a cogliere l’essenza del movimento, acquisendola come naturale forma di espressione del proprio sé, in rapporto a tutti gli elementi che fan parte della danza (dalla musica, al coreografo e al proprio partner), allora si uscirà dai retaggi culturalmente dettati, comprendendo che è proprio la danza a offrire una doppia lettura della medesima storia.

Paige ha colto l’opportunità offerta dalla danza, comprendendo il grande tesoro nelle sue mani: la sfida della scoliosi nella danza le ha dato modo di confrontarsi costantemente col suo essere, dandole modo di conoscersi profondamente e abbracciare totalmente il proprio io, mente e corpo.

In questo percorso Paige ha inoltre deciso di dare vita a una fondazione, per camminare al fianco di artisti un po’ più svantaggiati, sia per condizioni fisiche che per condizioni economiche: la fondazione raccoglie infatti donazioni proprio per assistere coloro che non possono permettersi cure né tantomeno opportunità.

Con la professionista ci siamo confrontati sulla reale funzione della danza nella nostra società e ci spiega come anche il suo essere nera abbia reso il suo percorso ancora più profondo e ricco di sfide: Paige si è da sempre battuta per diritti di uguaglianza nella danza, sostenendo a gran voce la rappresentanza di ballerine professioniste nere nel panorama artistico nazionale e internazionale.

Al giorno d’oggi essere donna ed essere una donna nera non è più motivo di vergogna, ma di orgoglio. La storia ci ha riportato racconti di sofferenza e difficoltà da parte di ballerini neri, le avversità sono state tante e la maggior parte delle volte purtroppo a causa del razzismo imperante.

Poi negli anni ’50, ’60 e ’70 i primi ballerini neri hanno spinto per un cambio di rotta epocale, garantendo la presenza di ballerini neri nelle compagnie, in tour e spettacoli.

Oggi non è più necessario modificare le proprie caratteristiche fisiche per incontrare le richieste del mondo dello spettacolo, ma quelle che a volte sono viste come differenze, oggi sono accolte come ricchezza.

Oggi anche i ballerini neri possono ballare senza paura di essere bullizzati.

Ricordiamo che anche piccole vittorie quotidiane ci hanno condotto alla situazione attuale, vittorie come la commercializzazione di scarpette di diversi toni,  in questo modo, chiunque potrà acquistare scarpette anche adatte alla propria carnagione (la scarpetta oggi non è solo rosa pallido). Ogni sfumatura è finalmente accolta con gratitudine.

Farsi portavoce oggi significa dar voce a chi non può, per un motivo o per un altro, affrontare una determinata sfida.

Paige ha danzato tanti anni per la Visceral di Chicago, passando da essere l’unica ballerina nera della compagnia, a essere chiamata per uno dei palchi più famosi d’America e del mondo: Broadway!

Nel 2019 arriva, infatti, la chiamata tanto agognata: interminabili cicli di selezione l’hanno portata a vestire i panni di un leone, di una zebra e addirittura di un albero in quel musical chiamato "Il Re Leone" nel tour nazionale.

© Expression Dance Magazine - ottobre 2021

Come tutti i ballerini ha una vacanza di un mese e al massimo due settimane di riposo dagli allenamenti ma proprio durante uno di questi rari momenti di vacanza, Claudio Coviello ci ha riservato un po’ di tempo in una domenica infuocata dal caldo perché conosce molto bene la nostra rivista e la segue da tempo. 

Primo Ballerino della Scala, classe 1991, ci ha raccontato con assoluta modestia e grande stima e riconoscenza la storia di un bambino che dalla sua città nativa, Potenza, è arrivato sino all’Olimpo dei grandi della danza italiana.

Parlando si avverte subito indistintamente l’amore che coltiva per il suo mestiere di danzatore e la grande capacità che possiede nel descrivere il suo lavoro che, crede, sia solo uno dei tanti lavori possibili ma che, nel suo caso, ha fatto coincidere passione, dedizione e sacrificio con il lavoro.

Claudio possiamo ancora seguire su Rai Play la docu-serie Corpo di ballo di cui sei stato protagonista e che racconta la storia di alcuni danzatori del Teatro alla Scala nell’anno di pandemia e del vostro rientro sulle scene. Com’è stato l’impatto con il mezzo televisivo per te così abituato al linguaggio teatrale?

All’inizio mi sembrava davvero strano, avere tante persone in giro e poi noi danzatori siamo molto più abituati ad esprimerci con il corpo che non con le parole quindi proprio in quei mesi in cui ci stavamo nuovamente abituando a “rivivere la nostra vita”, il mezzo televisivo mi sembrava qualcosa di ancora più difficile. Poi invece chi lavorava dietro le quinte è stato davvero bravo a metterci a nostro agio quindi alla fine essere ripreso durante la mia quotidianità non mi ha più messo in crisi e a un certo punto tutti noi ci siamo persino dimenticati della presenza dello staff che è rimasto con noi per più di un mese.

Nel complesso sono davvero stato molto contento e orgoglioso di questa esperienza perché credo che ci sia bisogno di abbattere molti stereotipi sulla danza e parlare di danza al grande pubblico, specie con nuove modalità, non può che far bene al nostro mondo.

Di quali stereotipi parli in particolare?

In Italia, rispetto ad altri paesi, c’è ancora poca attenzione rispetto alla danza come lavoro e ancora troppi, a mio avviso, pensano che sia un capriccio andare a ballare e che danzare sia un hobby, solo una passione che non porta a vivere. A queste persone posso dire che io, come molti altri, vivo di danza e questo può essere qualcosa possibile anche se non facilmente realizzabile.

Certo, l’altro lato della medaglia è che il mercato del nostro lavoro è abbastanza duro e che in Italia abbiamo visto chiudere tanti Corpi di ballo in diversi Teatri lirici e molti sono costretti a cambiare paese per realizzarsi, ma io sono stato molto fortunato e sono riuscito a vivere di danza rimanendo nel mio Paese.

Ritornando al tuo lavoro, come ti ha cambiato questo momento di chiusura dei teatri?

Il primo mese dopo il lockdown non sapevamo bene cosa ci dovessimo aspettare, alla fine un mese lo vedi un po’ come una vacanza, un gioco… fai tutto quello che di solito non riesci a fare. 

Poi, non lo nascondo, mi è caduto un po’ il mondo addosso, sono rimasto male e ho fatto tanta fatica a riprendermi, non riuscivo ad accettare questo cambiamento, questa costrizione; anche se mi sono dovuto comunque sforzare per tenermi in allenamento prendendolo un po’ come un allenamento da periodo di riposo durante i giorni di vacanza: non ero contento ma lo dovevo fare… Allenarsi così per mesi è stato davvero molto strano: ho una casa piccola e non ci sono spazi in cui muoversi quindi tutto è stato meno dinamico e il mio corpo ne ha risentito davvero tanto. 

Quando sono rientrato in una vera sala, che di solito considero come una seconda casa, mi sono sentito stranamente spaesato: è stata davvero una sensazione straniante e dopo sei mesi da quel giorno in avanti ho avvertito comunque una grande fatica.

Ancora oggi non credo di essere nel pieno della mia forma fisica anche se in questi mesi io e alcuni miei colleghi siamo stati protagonisti di un Gala e siamo andati sul palcoscenico con assoli e pas de deux, in autunno invece interpreterò finalmente di nuovo un balletto intero, Don Chisciotte, con le coreografie di Rudolf Nureyev… non vedo l’ora!

Com’è nata la tua passione per la danza?

Mi ricordo che è nato tutto per gioco, in famiglia nessun era appassionato di teatro e tanto meno di danza, tuttora mi ricordo però il giorno in cui ho avuto la folgorazione: ero in vacanza al mare a 5 anni in un villaggio vacanze e lì ho capito che mi piaceva tantissimo ballare così chiesi ai miei genitori di iscrivermi ad una scuola di danza. Mi sono subito approcciato alla danza classica poi sono stato notato dall’allora primo ballerino dell’Opera di Roma, Salvatore Capozzi, e a 10 anni e mi sono trasferito a Roma per studiare alla scuola di danza dell’Opera. Sono andato a Roma con i miei nonni perché i miei genitori lavoravano: è stato un periodo di sacrifici per tutti.

All’ inizio l’ho presa come un gioco, poi a Roma ho subito notato un impatto diverso, un ambiente professionale ma stando con la famiglia e passando molto tempo con i miei compagni di corso ho vissuto in maniera molto serena quei momenti.

Credi dunque che sia importante la funzione delle scuole di danza private?

È fondamentale l’approccio di un bambino/a alla scuola di danza di “paese”, credo che sia importantissimo e decisivo come approccio nella disciplina della danza e serva ad indirizzare alla disciplina e alla passione oltre che a far conoscere la danza come tecnica. Io poi sono stato particolarmente fortunato sia a Potenza che a Roma ad avere incontrato maestri che hanno saputo cogliere le mie qualità di danzatore e mi hanno spronato a fare sempre qualcosa di più: credo sia decisivo per ogni artista avere più punti di riferimento di maestri durante la propria carriera per ampliare la propria conoscenza e personalità.

E a te piace insegnare danza?

Ho insegnato in alcune occasioni ma ho capito che non mi sento portatissimo nell’insegnamento e vado fiero nel riconoscere questa cosa perché per insegnare devi riuscire a trasmettere qualcosa di più della semplice tecnica; devi essere un esempio ed essere in grado di far crescere il talento a cui insegni dedicandogli tutta la passione possibile.

Quando hai capito invece che la danza poteva diventare la tua vita?

Solo nell’adolescenza ho capito veramente che danzare poteva diventare la mia professione, poi a 18 anni quando ho fatto l’audizione per entrare alla Scala ne ho avuto la controprova finale. Quando mi sono trovato a Milano, questa volta da solo senza alcun appoggio familiare, ho avuto l’impatto decisivo: ho capito che ero diventato un uomo e avevo trovato la mia strada.

Per far capire meglio come vivi il tuo lavoro nella quotidianità, ci puoi raccontare come si svolge la giornata tipo di un primo ballerino del Teatro alla Scala?

La mia giornata inizia tutte le mattine con la lezione delle 10 di un’ora e un quarto e prosegue con le prove fino alle 17.30. Lavoriamo 6 giorni su 7 e il settimo giorno è di riposo ma molto spesso diventa un ulteriore giorno di lavoro perché vado da solo ad allenarmi in teatro se ci sono spettacoli imminenti. 

Si, lavoro come tutti e arrivo a casa anche io ogni sera molto stanco e ho il corpo al collasso totale. 

Per il resto della giornata cerco di vivere normalmente: mi piace stare con gli amici, in compagnia. Ho molti amici danzatori e molte amicizie durature tra danzatori sulla mia pelle però credo sia molto utile avere anche amici al di fuori del nostro mondo. Tra danzatori abbiamo un senso di responsabilità in più se lo spettacolo va male, quindi avere un amico che non fa il tuo stesso mestiere ti aiuta a metabolizzare altrimenti si rischia di pensare che il tuo sia l’unico mondo possibile.

Quale pensi che sia un lato importante del tuo lavoro su cui dovrebbe prestare attenzione un giovane danzatore? 

La danza è una disciplina atletica ma dobbiamo essere anche degli attori senza parole. Chi viene a vedere uno spettacolo di danza deve capire e sentire solo attraverso i corpi e i nostri sguardi. Effettivamente un artista deve lavorare attraverso i gesti, il movimento, l’interpretazione e non tutti sono portati. È una cosa che si fa fatica ad imparare e credo che sia più che altro una predisposizione naturale e credo che in questo senso manchino nei percorsi professionali dei corsi di pantomina e di teatro che aiuterebbero a coltivare questo aspetto del nostro lavoro. 

E tu come hai fatto ad ottenere questo risultato?

Per essere danzatori occorre avere un’ottima tecnica ma bisogna sapere anche stare in scena e questo nessuno te lo insegna, ti perfezioni tu giorno per giorno. Mi immedesimo e penso che sia facile ma dietro ogni passaggio c’è un sacco di lavoro e di questo non c’è alcuna consapevolezza nel mondo, il pubblico non sa che c’è uno studio dietro e chi non conosce il nostro mestiere non lo sa perché bisogna saper rendere tutto facile. 

Ogni giorno siamo di fronte ad uno specchio e vediamo i difetti duplicati, non ci sentiamo per niente perfetti, ogni giorno riscontriamo qualcosa di nuovo che non va per questo ogni giorno è uno stimolo nuovo per migliorare. È necessario sempre crescere e migliorare, e ogni sfida, ogni racconto, ogni spettacolo è un buon modo per crescere e migliorare.

Sei molto seguito sui social, una passione o solo un modo per mantenere un contatto con il pubblico?

Non sono un fanatico di Instagram però mi sono avvicinato a questo social perché la fotografia è una delle mie passioni anche se mi ci dedico più che altro quando sono rilassato e quindi, purtroppo, in rare occasioni. Adesso principalmente uso questo social per il mio lavoro e pubblico soprattutto foto e video di spettacoli, molto meno per momenti che riguardano la mia vita privata.

Seguire l’esempio di Claudio Coviello è seguire l’esempio di un giovane che è riuscito a vivere “nella” e “della” sua passione, che è stato definito da Roberto Bolle “il talento più evidente che ho visto, una gemma pura da coltivare” e per il quale come tanti colleghi è stata un’ingiustizia, una considerazione di inferiorità del mondo dello spettacolo perché appeso ancora di più di altre categorie al filo dei decreti sulle riaperture che hanno fatto subire al suo lavoro una forte battuta d’arresto ...ma lo conferma e lo sottoscrive con orgoglio la danza è un lavoro come tutti gli altri e per questo ha bisogno di rispetto esattamente come tutti gli altri.

Foto di © Vito Lorusso

© Expression Dance Magazine - ottobre 2021