Guido Martinelli è avvocato e ha insegnato diritto sportivo al corso di laurea in Scienze motorie delle università di Padova e Ferrara. Svolge docenze per la Scuola dello sport del Coni. E’ autore di 15 volumi sulle società e associazioni sportive dilettantistiche, dirige la rivista Associazioni e sport edita da Euroconference.

Caro Guido in questo mondo in cui le notizie viaggiano così veloci ma le informazioni sono al contempo così frammentate… ci faccia capire, solo come sa fare lei, la riforma dello sport con le sue proposte quando potrà essere operativa in modo definitivo?

In settimana avremo il parere della Conferenza permanente Stato – Regioni e delle Commissioni parlamentari che hanno, nel frattempo, esaurito le audizioni che avevano programmato. Il testo sarà rielaborato per accogliere (o meno) in tutto o in parte le osservazioni formulate tornare in Consiglio dei Ministri per la successiva approvazione finale ed approdo finale in Gazzetta Ufficiale. A quel punto la decorrenza che sarà immediata per tutte le parti salvo quella sul lavoro sportivo e sulla abrogazione del vincolo per le quali è previsto una entrata in vigore successiva.

Ci conferma quindi che, ad oggi, la riforma è in un momento di stallo?

Si non sappiamo se il nuovo Governo farà in tempo a convocare il consiglio dei ministri entri il 28 febbraio. Il rischio che salti tutto è molto alto.

In una sua nota sui social sottolinea che “i decreti di riforma dello sport italiano continuano a suddividerlo in due mondi: quello professionistico e quello dilettantistico e conseguentemente lo disciplinano. Anzi avvicinando molto il dilettantistico (che continua a non avere una sua definizione specifica e viene determinato sempre come differenza da quello professionistico la cui attivazione continuerà ad essere decisa dalle Federazioni) a quello professionistico”. 

Pare infatti che questa riforma possa essere salutata come buona nel momento in cui vengono riconosciuti per la prima volta gli istruttori/insegnanti “dilettanti” come lavoratori con gli stessi diritti degli altri ma d’altra parte rischia di far diventare professionale un “lavoro” quello che per molti non è… cosa ne pensa? Quali i lati positivi e negativi di questo dualismo?

Siamo passati da una fase come l’attuale in cui non vi è alcuna tutela ad una in cui vi è un eccesso di tutela. Se è un dato oggettivo che per molti operatori della danza questa è una professione, e quindi ben vengano le tutele previste da questa riforma, è altrettanto vero che molti operano prevalentemente per passione, avendo e gestendo attività lavorative e professionali estranee allo sport. Pensare che anche costoro siano “lavoratori” significa negare che allo sport e alla danza ci si possa accostare in modo disinteressato anche per sola passione. Ma così facendo si impongono per tutti regole, adempimenti e costi difficilmente sopportabili per tutte le realtà che operano nel campo sportivo. Il rischio è quello di far consolidare le realtà medio – grandi e meglio attrezzate per assorbire nuovi oneri e costi e vedere sparire quelle che io chiamo le associazioni naif, ossia quelle nate spontaneamente dalla aggregazione di un gruppo di soggetti interessati a vivere una esperienza sportiva in comune.

Mi è piaciuta molto anche una sua provocazione in cui diceva che a suo avviso si dovrebbe avere “l'attuale sport professionistico (che per i costi indotti che comporta può essere "sopportato" solo dalle attuali discipline), un semi professionismo, in cui inserire tutti i club non professionistici che svolgono prevalentemente la promozione e la pratica agonistica delle discipline sportive riconosciute dal Coni, un "dilettantismo sociale" che come tale di diritto dovrebbe entrare nella riforma del terzo settore che fa diffusione sia degli sport come tali che della pratica motoria e, infine, le "imprese sportive" che sono quelle che gestiscono impianti sportivi e che principalmente vendono servizi "motori" all'interno degli stessi e per i quali la pratica delle discipline sportive riconosciute appare del tutto residuale…”.

In questo senso pensa che ci potrebbe essere una apertura verso la soluzione che propone?

È chiaro che noi abbiamo realtà sportive che hanno fatto investimenti importanti in locali ampi, offrono una serie differenziata di servizi sportivi senza partecipare ad attività agonistiche. In questo caso diventa difficile pensare che non ci si trovi di fronte ad una impresa che eroga servizi alla persona. E come tale dovrebbe essere disciplinata sotto il profilo civilistico e fiscale. Così come diverge l’associazione che, ad esempio, si organizza per far fare sport ai migranti o comunque a soggetti con disagio sociale. E’ chiaro che questo è il vero sport da terzo settore che deve essere valorizzato con le leggi dell’associazionismo e del volontariato. Diverso ancora appare lo sport delle associazioni che svolgono attività agonistiche a livello nazionale. Direi che qui siamo in una via di mezzo tra le due realtà prima descritte. Pensare che queste tre realtà che hanno presupposti socio economici completamente diversi l’uno dall’altro debbano essere disciplinate dalle medesime regole. 

In questo senso forse costituisce uno dei limiti più evidenti di questa riforma. 

Molti insegnanti di danza sono preoccupati per la svolta che potrebbe portare la riforma nei confronti dei propri compensi, cosa ne pensa? Crede che possa reggere questa soluzione e crede che in questo modo l’associazionismo di base possa continuare a sopravvivere in questo modo? 

Si perderanno molti posti di lavoro o in alternativa dal grigio di oggi si passerà al nero di domani. Il sistema economico sportivo non ha ricavi a sufficienza per garantire un futuro professionale sia ai laureati in scienze motorie che alle migliaia di giovani che hanno conseguito brevetti da Federazioni o Enti di Promozione Sportiva. Inevitabilmente si arriverà ad una selezione anche perché non siamo ancora in grado di valutare quale sia la domanda, da parte dell’utenza, di servizi sportivi nel post – covid. Quali strascichi psicologici questa produrrà?

E in merito all’ esonero contributivo previsto per il 2021 e il 2022 e di cui si sente tanto parlare, cosa ne pensa? 

I contributi previdenziali sui lavoratori dipendenti e sulle collaborazioni coordinate e continuative sono in parte a carico dei datori di lavoro e in parte dei lavoratori. La legge di bilancio fiscalizza solo la parte a carico dei datori ma non quella a carico dei lavoratori.

CONSULENZA PRIVATA CON L'AVV. MARTINELLI

Il nuovo servizio IDA

IDA International Dance Association ha attivato una collaborazione con l’Avvocato Guido Martinelli per fornire un nuovo servizio pensato per le scuole di danza: la possibilità di avere una videoconferenza privata dove il tecnico, la scuola o la singola associazione potrà porre all’Avvocato le proprie problematiche come statuti, contratti, ripresa dopo la chiusura, scelte societarie, etc...

Per maggiori informazioni e prenotare un appuntamento occorre contattare la segreteria IDA tramite mail danza@idadance.com oppure via telefono allo 0544/34124.

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© Expression Dance Magazine - Marzo 2021

Carlos, originario del Congo, è arrivato in Italia a soli 8 anni e già prima di arrivare nel nostro paese ballava le danze tradizionali del Congo oltre a nutrire una forte passione per la danza in generale tanto che il suo passatempo preferito era imparare i passi dei ballerini dei video clip dei cantanti pop, in particolare Michael Jackson, che per lui sono stati una continua fonte di ispirazione.

Seguito da tanti giovani sui social lo abbiamo anche visto sul piccolo schermo il 1 gennaio ospite di Roberto Bolle.

Carlos come sei arrivato fino a qui?

Danzavo continuamente ma ho cominciato a danzare in una scuola a soli sedici anni. In quel periodo ho avuto il forte desiderio di imparare qualcosa di più e mi sono iscritto in un corso di hip hop a Ravenna al Centro studi La Torre dove insegnava Kris, con il quale da allora collaboro professionalmente e con cui ho un rapporto di stima e di amicizia. 

All’inizio danzavo più che altro per piacere personale poi, dopo i primi provini, alcuni buoni risultati e dopo aver capito che i feedback della gente erano sempre più alti, ho deciso di dedicarmi al 100% alla danza; anche se ci ho messo tanto impegno per avere solo questo come lavoro e vivere solo di danza perché, come capita spesso, avevo un altro lavoro per guadagnarmi da vivere. Poi pian piano ho cominciato a partecipare e a vincere battle anche internazionali e così il mio nome è cominciato a rimanere sulla bocca delle persone e hanno cominciato a chiamarmi “in giro”.

Quello che colpisce della tua “danza” è come riesci a creare un mix perfetto tra hip hop e danza afro. Come hai creato questo tuo particolare stile?

In Congo è difficile che esca un pezzo musicale che non sia accompagnato da una danza, e, come in tutta l’Africa, la danza è qualcosa di sociale, di comunità. Per questo credo che l’hip hop sia molto simile alla danza afro: li accomuna la parte urban e il concetto di danza come social dance. Poi ho arricchito il mio stile studiando anche le danze tradizionali provenienti da altre culture africane.

E come sei approdato in alcuni tra i programma televisivi più seguiti?

Quando avevo vent’anni mi sono presentato ai provini di Amici ma non sono stato preso perché in quegli anni l’hip hop non era ancora considerato tantissimo poi, però, vedendo che avevo uno stile particolare mi hanno richiamato al serale e feci come professionista una esibizione con Kris nell’edizione in cui vinse Alessandra Amoroso. Da lì è nata la collaborazione con Maura Paparo, poi mi sono esibito con Liza Minelli a New York e per due anni sono stato nel corpo di ballo a Zelig dove ho avuto l’occasione di esibirmi con Michelle Hunziker, Emma Marrone e Macia del Prete.

Poi uno degli ex produttori di Zelig, che era molto affascinato dalla mio modo di fare danza, ha prodotto lo spettacolo teatrale Around che ha girato tantissimo e per la prima volta con questo spettacolo una compagnia hip hop si è esibita al Teatro Regio di Parma. Quel passaggio per me è stato fondamentale e importante per trasferire la mia danza in un dialogo dal vivo con uno spettatore. A seguito di quel fortunato tour, nel 2016, mi hanno chiesto di partecipare a Pechino Express che è stata una bellissima esperienza anche se non aveva niente a che fare con il mio lavoro di ballerino.

E Carlos come si vede come ballerino? 

Secondo me il ballerino deve ricoprire tanti ruoli e credo che anche il ballerino hip hop si debba adattare e debba essere bravo a rispondere alla richiesta del momento e per questo credo che oggi il ballerino hip hop si debba raccontare in modo diverso. 

Come ballerino io ho accettato compromessi che mi hanno fatto comunque crescere: siamo ballerini e performer… scegli dove è la tua cifra e questo sei tu!

Pensi quindi anche a un tuo futuro come coreografo?

Si assolutamente, mi piacerebbe dire la mia anche come coreografo, come è successo nel programma Danza con me dove ho rappresentato la poesia scritta dell’attivista Maya Angelou, I Still I Rise, che è stata recitata dalla voce del rapper Ghali. Roberto Bolle mi ha chiamato perché ha compreso che la danza non si fa solo con i passi e questo per me è un riconoscimento dell’importanza artistica di quello che faccio. Roberto Bolle, seduto immobile, mi guardava mentre danzavo su un monologo in cui si parlava di discriminazione. Le parole su cui ho danzato sono parole che conosco bene: è come se il mio corpo avesse parlato raccontando la dolcezza e la rabbia di parole che ho realmente vissuto.

Discriminazione, una parola che spesso si vede combattere nelle tue parole “social”, quale è il messaggio che cerchi di trasmettere?

Voglio coinvolgere i ragazzi contro il razzismo, ma sempre attraverso la danza, perché credo che nella vita occorra trovare un punto di incontro tra persone: la diversità provoca l’odio e l’odio porta solo odio. È un messaggio che cerco di dare soprattutto ai genitori perché ci vuole educazione in tal senso e credo parta tutto da un modo di parlare di un padre e di una madre: per insegnare senza puntare il dito e senza discriminare. È chiaro che dove c’è la massa non vivi nel comfort, nella massa c’è sempre un deficit, c’è sempre una persona che si arroga il diritto di voler fare quello che gli pare. 

Ti sei mai sentito discriminato? 

Si. Mi sono sentito spesso demoralizzato in passato, ma l’autostima acquisita e la dedizione alla danza a lungo andare mi hanno fatto passare oltre a queste problematiche. Sto male invece per i miei figli o per i giovani che fanno fatica a difendersi. 

Tu che insegni anche ai ragazzi, cerchi di passargli oltre all'insegnamento della danza anche questi valori?

Si per me essere insegnante vuol dire essere portatore di un lavoro, quello di compiere un obiettivo, ma soprattutto arrivare a quella consapevolezza che ti da una soddisfazione personale: ho fatto danza e sono stato bene.

E’ molto che insegni?

Ho cominciato a insegnare verso i vent’anni con sostituzioni, poi ho fatto di questo il mio primo lavoro. Anche in questi mesi di chiusura fuori dalla sala ho cercato comunque di darmi al 100% come insegnante.

In merito, mi ha colpito molto una frase che hai scritto in un post su Instagram: “2020 non sei niente”. Come stai passando questi mesi di pausa forzata?

Ho cercato di reinventarmi e di non abbattermi, ho cercato di reagire e capire come potevo per sfruttare al meglio questo momento, così ho cominciato a cercare la creatività nella mia casa: ora voglio ballare di nuovo anche solo per piacere, per svago e mi racconto così… nella mia essenza, nella mia quotidianità.

© Expression Dance Magazine - Marzo 2021

In questa landa desolata dove il trend topic del momento è solo la parola Covid, un raggio di speranza si nota nelle “diatribe” on line su film e  docufilm che vengono trasmessi da Netflix, piattaforma televisiva on line di fama mondiale che sta producendo un successo di dietro l’altro e che ha il coraggio di investire, arrivando dove molti non hanno mai osato, per ottenere successi planetari. Così sta accadendo anche per il documentario originale Netflix Move prodotto da Falabracks e Gaumont e diretto da Thierry Demaizière e Alban Teurlai, registi e documentaristi francesi avvezzi al racconto biografico e in grado di raccontare con maestria la vita di Rocco Siffredi come Lourdes, e che già nel 2016 avevano esplorato il mondo della danza firmando il documentario Relève su Benjamin Millepied, ballerino principale del New York City Ballet e coreografo di fama internazionale.

Move racconta 5 coreografi che stanno plasmando l’arte del movimento in tutto il mondo e che stanno portando in giro per il mondo il loro personalissimo modo di “fare danza”. Move racconta 5 paesi, 5 storie e 5 tipi di danza diversi.

Il primo episodio è dedicata al 're del jookin' Lil Buck con il suo partner Jon Boogz che rappresenta il sogno americano con la voglia di riscatto della cultura afroamericana. Il secondo all’israeliano Ohad Naharin con il suo stile gaga: il gaga è uno stile di danza a metà tra ginnastica e rito liberatorio, è un modo per riprendere il contatto con il proprio corpo ed è potente sui danzatori come sui non danzatori, tra la gente.

A Israel Galvan è dedicato il terzo episodio: Galvan è un ballerino di flamenco che ha completamente sradicato e reinventato il nuovo flamenco, per lui è importante la danza in tutte le sue forme e vede il suo corpo come qualcosa che possa essere plasmato e al servizio delle sue idee completamente innovative. 

Alla giamaicana Kimiko Versatile, tra i nomi di punta della dancehall a livello mondiale, è riservato invece il quarto episodio: la sua danza racconta storie di resilienza femminile e un modo per liberarsi dal potere maschile e da una danza “popolare” fino ad oggi governata dal machismo.

L’ultimo episodio è dedicato al Bangladesh e ad Akram Khan danzatore e coreografo, emigrato con la sua famiglia in Inghilterra, che è riuscito magistralmente a coniugare le danze tradizionali indiane del Kathak con la danza contemporanea occidentale.

Gli episodi, che durano tra i 45 e i 60 minuti, sono docufilm del tutto autonomi e si possono anche vedere singolarmente, ma certamente è più interessante vedere tutta la serie per percepire quanto abbiano in comune le cinque narrazioni e come la narrazione proceda attraverso schemi abbastanza definiti: grandi scritte in arancione con passaggi e parole chiave chiosate da didascalie, i protagonisti che vengono raccontati a partire dalla loro estrazione sociale, dai luoghi in cui si sono formati, tra passato e presente. Filmati d’epoca, panoramiche sulle città e sui paesi coinvolti, le interviste personali e ai parenti stretti che si intrecciano con quelli dei collaboratori e degli addetti ai lavori. I protagonisti che vengono investigati nei loro momenti creativi, interrogati nelle loro motivazioni e colti nel loro ambiente privato. Riprese che meriterebbero il grande schermo, un montaggio appassionante e mai noioso, un uso sapiente dei silenzi e delle musiche combinate con brani e spezzoni di coreografie fuori e dentro dai teatri e dalle sale prova. 

L’intento unico è quello di far capire meglio come lavorino questi coreografi che hanno come base di partenza le proprie origini e la propria società alla base del proprio lavoro coreografico grazie al quale hanno cambiato non solo loro stessi ma anche i canoni della danza attuale. Tutti gli episodi raccontano di una storia di riscatto, di un sogno mai spezzato, come sia giusto credere sempre nella propria arte coreografica senza mai cedere alle porte in faccia. Raccontano come ogni elemento trovi spazio nei movimenti fisici, nei gesti, nel coraggio, nella determinazione e nella fatica. Raccontano della danza come forma d'arte capace di trasformare i contesti sociali e incidere sulle vite infondendo coraggio anche allo spettatore che vuol fare della danza la propria vita, teorizzando come la vita stessa possa portare ad un percorso artistico unico al mondo.

D’altro canto, vedendo Move, è anche abbastanza chiara una certa retorica tipica del racconto biografico americano che vuole mescolare i generi accostando modalità di approccio, stili e geografie molto distanti tra loro. Inoltre i “puristi” della danza potrebbero storcere il naso perché le coreografie si vedono a tratti e non se ne vedono interi segmenti ma, soprattutto dopo la messa on line di così tanti spettacoli, penso che un nuovo linguaggio che racconti l’essenza della coreografia piuttosto che la coreografia stessa possa aiutare maggiormente nell’intenzione di crearne una originale e propria. 

Credo che questo progetto abbia il pregio di raccontare ad un pubblico planetario la danza, nelle sue forme e nei suoi luoghi. 

Consiglio di vedere questo documentario a chi è appassionato di danza per trovare nuovi spunti e nuove conoscenze sugli stili di danza che vengono raccontati e per approfondire approcci coreografici completamente diversi; lo consiglio ugualmente anche a chi non è particolarmente interessato alla danza perché potrà conoscere delle storie emozionanti e trovare uno stimolo per conoscerla e magari innamorarsene.

Personalmente guardando Move ho sentito di aver conosciuto questi coreografi nella loro essenza che è poi il loro modo di essere artisti e mi è venuta una gran voglia di seguire questi protagonisti anche dal vivo (quando si potrà) per conoscere ancora meglio la loro arte coreografica. Spero vivamente che Netflix produca altri episodi di questo docufilm così ben riuscito.

© Expression Dance Magazine - Marzo 2021

Diventato famoso per la filosofia di benessere che promuove, lo yoga è ormai una disciplina universalmente riconosciuta e praticata a livello globale anche da molti atleti, che sempre più spesso parlano in pubblico dei suoi effetti positivi per il miglioramento delle loro prestazioni sportive e per affrontare le crescenti esigenze fisiche e psicologiche che ogni sport richiede. Anche molti danzatori utilizzano e seguono questa disciplina per ottenere la massima funzionalità sul proprio corpo perché sviluppa la respirazione, la stabilità posturale e aiuta a prevenire e a curare infortuni, oltre che a riequilibrare e a liberare dalle tensioni e dalle emozioni negative. Spesso infatti i danzatori professionisti “soffrono di perfezione” provando e riprovando in sala per mostrare al pubblico un risultato che è un perfetto mix tra anima e tecnica rischiando, tuttavia, di dimenticare il proprio equilibrio interiore. Per questo ed altri motivi sempre più di frequente i danzatori ad un certo punto del loro percorso lasciano la danza per praticare lo yoga.

Abbiamo voluto capire meglio questa tendenza parlando con due danzatrici che ora praticano lo yoga in maniera professionale. Nei loro racconti abbiamo scoperto differenze e similitudini ma un deciso punto di unione: la passione che le ha travolte per questa disciplina che aspira ad un maggiore allineamento ed equilibrio tra corpo, mente e spirito.

Charlotte Lazzari, ballerina professionista, inizia i suoi studi a Cannes, presso l’Ecole Supérieure de Danse di Rosella Hightower per poi diplomarsi presso l’Accademia di Ballo del teatro alla Scala di Milano. Nel suo percorso professionale ha lavorato presso la Compagnia dello Junior Balletto di Toscana, per poi trasferirsi in Germania e danzare presso lo Staats Oper di Hannover. Charlotte con il suo profilo Instagram seguito da 28 mila follower propone dirette video con esercizi e sessioni di yoga seguendo un suo personalissimo stile e ha deciso di lasciare il suo mestiere di danzatrice per dedicarsi esclusivamente allo yoga e al suo insegnamento.

Charlotte dove hai praticato per la prima volta yoga? E come ti sei approcciata inizialmente a questa disciplina?

Durante la mia permanenza ad Hannover, in Germania, il direttore della compagnia ci ha affiancato la pratica yoga come supporto per lasciare defluire le tensioni dal corpo impegnato durante le tante ore di studio e di lavoro in preparazione degli spettacoli. Qui per la prima volta ho potuto conoscere lo yoga, praticandolo come disciplina terapeutica e di sostegno alla danza, ma di quelle prime lezioni ho ricordi davvero poco piacevoli perché, mentre praticavo, sentivo aumentare le tensioni nel mio corpo che ha avuto una sorta di rigetto a livello fisico: è lì che ho capito che ero bloccata. E’ stata la curiosità che mi ha spinto a capire meglio le ragioni di questo blocco: ho compreso come la danza che da tanti benefici da una parte, dall’altra porta al rigore e al fatto di dover dimostrare sempre qualcosa, che sia davanti ad uno specchio o a un pubblico, così ho scoperto di danzare solo per gli altri e non solo per me stessa. 

Per questo ho voluto capire meglio cosa mi stesse accadendo e mi sono chiesta perché fossi così a disagio: spesso con il controllo crei inconsciamente dei blocchi che ti fanno stare male. Ho voluto fortemente indagare su me stessa e ho cominciato così ad interessarmi allo stile yoga Odaka, pratica che proviene dalle arti marziali, che mi ha aiutato a risolvere queste mie problematiche riuscendo finalmente ad ampliare le vedute sul mio movimento corporeo. Cerco di portare questo stile yoga nel mio quotidiano perché lascia la libertà di esprimermi e riesce a lasciarmi andare liberamente: ho finalmente la consapevolezza di praticare non per rigore ma solo per me e così, non avendo uno spirito competitivo, anche la mia attitudine alla danza è cambiata. 

Ora, oltre alla pratica, sto conducendo una battaglia per praticare questo stile yoga anche nelle scuole di danza e a mio avviso sarebbe importante proporlo anche a scuola, come in Germania, dove viene proposta la meditazione: lavorando su tanti aspetti psicofisici, credo che lo yoga sia un importante alleato a livello mentale.

In tal senso per gli insegnanti di danza che vogliono integrare lo yoga nelle loro lezioni cosa consigli? 

Che insegnare yoga è una gioia e che è bene sperimentare più cose possibili nelle proprie classi e che l’integrazione di più cose rende l’insegnante e l’allievo più consapevoli.

Chiara Taviani giovane danzatrice contemporanea di origine genovese ora insegnante di danza e yoga, inizia con una formazione classica presso l’accademia Princesse Grace di Monaco specializzandosi nella formazione contemporanea “Coline” in Francia dove interpreta le creazioni di Emmanuel Gat, Georges Appaix, Lisi Estaras, Mathilde Monnier, Salia Sania e Seydou Boro. Dal 2010 collabora come interprete con il Balletto Civile di Michela Lucenti e nel 2011 fonda la compagnia C&C. 

Chiara perché secondo te dal mondo della danza ci si avvicina sempre di più allo yoga e spesso la si lascia per questa disciplina?

Nel mio caso lo yoga è stato capace di riequilibrarmi quando ho sentito ad un certo punto della mia carriera di ballerina la necessità di riallinearmi. Accade spesso perché molti danzatori hanno dolori e questa può essere una buona conversione anche per chi, come me, dopo i 35 anni è alla ricerca di una vita più stabile. Nel mio caso lo yoga è stato infatti una necessità e il desiderio di praticare è arrivato pensando di non stare in scena ad oltranza: ho iniziato con un master posturale poi ho incontrato sulla mia strada un’insegnante di anatomia che mi ha fatto appassionare alla disciplina.

Secondo la tua esperienza, in che modo la pratica yogica può essere utile alla danza e viceversa?

La danza e lo yoga sono due cose separate ma parallele dove si può trovare il proprio equilibrio e per questo, a mio avviso, lo yoga, a differenza della danza, è una disciplina molto personale. Solitamente, anche inconsciamente, utilizzo nel riscaldamento degli elementi dello yoga e anche nelle coreografie ho privilegiato la staticità viva così com’è nello yoga affrontando quindi una dinamica diversa nella coreografia. 

Attualmente insegni sia yoga che danza e sei una coreografa oltre che una danzatrice, come imposti le tue lezioni?

A seconda della professionalità dei danzatori che mi trovo davanti utilizzo lo yoga nel riscaldamento che preparo per chi interpreta le mie coreografie.

Lo yoga e il suo insegnamento rappresentano per me un percorso personale profondo e ho fatto mio il motto della formatrice con cui ho iniziato: “mi raccomando non fare lezione tu, l’obiettivo è guidare i tuoi allievi il più possibile”. Credo che insegnare yoga sia talmente personale che devo trasmettere, invece con la danza è molto diverso: mi devo emozionare per emozionare.

Credi che per tutti i danzatori sia utile praticare yoga?

Credo sia molto utile ma non credo sia utilissimo quando sei giovane: l’ho imparato a mie spese in accademia quando frequentai la lezione di yoga all’interno del mio percorso. Ero giovane e proprio non capivo perché dovessi praticare lo yoga; anzi andava contro la mia concentrazione fisica e mentale, per questo non so quanto serva ad un giovane danzatore che faccia un percorso simile a quello che ho intrapreso io. In accademia lo trovavo noioso e ostacolante al mio approccio alla coreografia, lì frequentavano “teste” pronte e smaniose per l’esplorazione tramite prove e coreografie e come approccio, a mio avviso, lo ritenevo molto più importante per un giovane come me. Lo consiglio invece vivamente ad un danzatore che ha già capito la propria strada professionale.

© Expression Dance Magazine - Marzo 2021