PROBLEMATICHE, ACCORGIMENTI ED ATTENZIONI PER DANZARE NELL'ETÁ D'ARGENTO DELLA VITA

“Non è mai tardi per incominciare”, una frase che in questo caso calza a pennello. La danza dopo i cinquant’anni si può fare, non è uno spot pubblicitario che cerca di vendere un corso, bensì la realtà. Pregiudizi, credenze popolari e preconcetti non permettono a tutti coloro che possiedono un animo “gentile” di avvicinarsi al “sacro mondo” della danza. Ovviamente a cinquant’anni non si possono avere velleità ed aspirazioni professionistiche, non si può pensare di avvicinarsi ad un’arte così selettiva e difficile all’età di pensionamento di un ballerino professionista. Nel mondo della danza però tutto è più veloce, anche le tappe di studio e lavoro. Questo dualismo crea grandi titubanze e perplessità a tutti coloro  che vorrebbero, ma non osano andare a chiedere informazioni presso una scuola di danza; la paura di essere derisi, di essere considerati dei pazzi, di sentirsi rispondere: “ma signora, la danza è per le bambine, se vuole abbiamo il corso di pilates o quello di ginnastica per la terza età” è troppo grande e vince sulla volontà. Chi riesce a prendere il coraggio di avvicinarsi alla reception di una scuola di danza o di telefonare e parlare con qualcuno per ricevere informazioni in merito, subito dopo scompare nell’oblio perché sorgono i quesiti amletici: “ma dovrò indossare il body”, “mica mi faranno mettere le calze rosa?”, “ma il saggio? Lo dovrò fare? Mi piacerebbe ma…. No, no no, che vergogna!”, “ma mi faranno indossare le punte?”.

La famosa frase “la danza è di tutti ma non per tutti”, se saputa leggere, porta con sé un grande significato. “La danza non è per tutti” significa che danzare professionalmente e realizzare una carriera in questo ambito è molto difficile, duro e selettivo dal punto di vista fisico ma soprattutto psicologico. Ma la prima parte della frase, “la danza è di tutti”, è una verità assoluta. Ciò è da intendersi come la possibilità di assistere ad uno spettacolo di danza al quale ovviamente tutti possono assistere, dove non occorre una preparazione particolare; spesso anche solo l’emozione che ci da uno spettacolo è la nostra personale chiave di lettura di un’opera. Ma “la danza è di tutti” significa principalmente che il nostro corpo danza anche quando non vogliamo, quando, inconsciamente, sentendo una musica orecchiabile ci viene d’istinto  tenere il tempo, quando siamo di fronte al mare ci viene voglia di tuffarci e nuotare non a stile libero, ma con il nostro movimento, la “nostra danza”. 

Il corpo umano è una macchina meravigliosa e per quanti studi scientifici siano già stati fatti altrettanti ne sono in atto e chissà quanti ancora ne potremo fare. Muscoli ed ossa, ogni giorno, sono infatti alla scoperta di nuovi movimenti ed alla continua sperimentazione dei propri limiti. Basti pensare ai fisici degli sportivi professionisti o dei danzatori degli anni cinquanta e guardare quelli di adesso: l’uomo non ha mai smesso di ricercare il movimento e di migliorarsi. Per questo l’attività fisica e di conseguenza la danza oltre i cinquanta anni si può fare, ma, come spiegano il dott. Umberto Motta docente dell’Università degli Studi di Milano e la dott.ssa Ester da Pos, nelle persone adulte è importante fare:

• attività motoria pianificata: la danza, in questo, rappresenta un ottimo modo di pianificazione, in quanto ogni lezione è caratterizzata da una fase iniziale di riscaldamento, una parte centrale che prevede un medio impegno cardiovascolare e da una parte conclusiva di defaticamento e di mobilità articolare molto importante. La pianificazione è data anche dalla frequenza di minimo due volte a settimana se non tre;

• vanno supportati i meccanismi percettivi e di memorizzazione con mezzi specifici: la danza si basa sulla propriocezione statica e dinamica, lavora l’equilibrio e spinge fortemente sull’aspetto mnemonico motorio;

• bisogna prolungare l’attività di apprendimento fino a padroneggiare la competenza motoria appresa anche in ambienti non stabili pertanto mai smetter di imparare e, perché no, di iniziare in età adulta (ed anche oltre) una nuova passione che potrebbe dare una svolta sia dal punto di vista emotivo che fisico.

Alcuni piccoli accorgimenti e falsi miti da far crollare:

• i salti non hanno nessuna controindicazione in un corpo sano, anzi stimolano la produzione osteoblastica per la rigenerazione del tessuto osseo. Le uniche precauzioni sono come prima cosa assicurarsi che il corpo sia veramente sano poi che sia stato ben eseguito il riscaldamento globale di tutto il corpo e secondariamente controllare il picco cardiaco in soggetti non allenati o persone principianti o che superano i 65 anni di età.

• Lo stretching deve essere fatto in maniera intelligente, cioè a muscolatura calda, sotto soglia del dolore e non molleggiando sulle posizioni (evitare il metodo balistico), tuttavia, ricordiamoci, tutti possono migliorare ma nessun cinquantenne raggiungerà l’elasticità di un quindicenne, quindi occhio a non esagerare.

• L’extrarotazione coxofemorale, cioè il temutissimo en dehors, non deve essere raggiunto a tutti i costi e non partendo dall’appoggio dei piedi, bensì dal lavoro attivo dei muscoli rotatori e dei glutei, infatti la rotazione forzata potrebbe andare a sovraccaricare le ginocchia e creare problematiche infiammatorie non facilmente risolvibili.

• Le pirouettes, farle o non farle, questo è il problema. Vedrete che se non sono presenti problemi pregressi di labirintiti o problematiche cinestetiche con la lenta metodica piano piano si possono fare anche i giri.

• Le scarpette da punta: state tranquille nessuno ve le metterà ai piedi anche perché se non avete avuto un background da danzatrice non sopporterete il dolore e comunque perché rischiare di farsi male per un hobby? 

Comunque la regola più importante è: si può fare tutto, ma sempre rispettando i tempi individuali della persona, con intelligenza e seguiti da insegnanti competenti. 

Ricordatevi una cosa importante: non vi corre dietro nessuno e tanto meno vi dovrete fissare degli obiettivi irraggiungibili. Divertitevi e state in salute, il benessere personale vi aiuterà a stare bene con voi stessi e ad avere gli strumenti adeguati per aiutare gli altri.

© Expression Dance Magazine - Ottobre 2020

Il principio fondatore della metodologia IDA è dato dal mettere al centro l’allievo basandosi su conoscenze scientifiche e pedagogiche, per questo motivo è stato così semplice condurre la tavola rotonda sulle propedeutiche a confronto. 

Nella suddivisione del percorso didattico che porta dai 4 anni ai corsi avanzati, in IDA abbiamo individuato tre macro-gruppi: l’avviamento, la propedeutica e la tecnica dal livello base all’avanzato. Tutti i corsi preparatori (avviamento e propedeutica, dai 4 anni ai 10 anni circa) hanno come finalità generale lo sviluppo delle capacità coordinative speciali per preparare il terreno allo sviluppo ottimale delle capacità condizionali (forza, velocità e resistenza) e per progredire nel modo più “sano”, ottenendo i migliori risultati possibili nella tecnica dei vari stili di danza.

La propedeutica è già di per sé una preparazione globale allo studio approfondito e analitico della tecnica; in quanto globale va a “toccare” tematiche universali necessarie in qualsiasi disciplina: schemi motori di base, strutturazione dello schema corporeo e corretta postura, consapevolezza del sé, coordinazione spazio temporale, coordinazione ritmica, musicalità, equilibrio e così via. I movimenti più strettamente ginnici proposti sono esercizi globali che hanno importanti benefici: la tonicità della muscolatura (in particolare addominale), la consapevolezza del respiro, quindi la capacità respiratoria e l’ossigenazione dei tessuti, l’elasticità del corpo, le capacità attentive, di concentrazione e di memorizzazione. Va da sé che attraverso la conoscenza delle tappe evolutive e delle capacità motorie ogni propedeutica deve puntare allo sviluppo di questi punti, indipendentemente da quello che il bimbo sceglierà in futuro. Più si scende nello specifico rispetto alle tematiche sopra citate, più la differenza tra discipline emerge, soprattutto a partire dai 7 anni circa. Nella propedeutica alla danza classica si lavora su un piazzamento che è prevalentemente in “en dehors”. Si ricerca una postura  caratterizzata da una profonda tenuta dei paravertebrali in allungamento,  una precisa posizione delle braccia e della mano. La sensibilità musicale che si coltiva, così come la ricerca musicale da parte dell’insegnante, si diversificano. I programmi di propedeutica alla danza classica prevedono inoltre le prime nozioni di balletto alla sbarra e al centro.

Il punto comune a tutte le propedeutiche è sicuramente l’approccio di tipo ludico-espressivo. In ogni attività proposta l’insegnante deve avere come primo obiettivo quello di catturare l’attenzione dei giovani allievi; i bambini devono letteralmente innamorarsi della lezione di danza e sentire sin da subito l’energia e la bellezza del movimento. A prescindere dal tipo di danza che si studia, il metodo (ovvero “come“ si conduce la lezione, non solo “cosa” si propone) fa la netta differenza ai fini di un insegnamento di successo.

In questo percorso comunque, prima di tutto abbiamo esaminato il termine “propedeutico”. Nel mondo della scuola, quando si parla di “propedeutico”, si intende una didattica relativa ad uno studio introduttivo, che mira a far apprendere le nozioni di base necessarie allo studio di una scienza o arte; la danza propedeutica quindi si rivolge a bambini e prepara i giovani allievi ai futuri studi di danza, discipline classico o moderno.

In un corso propedeutico, vengono solitamente proposti esercizi che hanno i seguenti obiettivi:

• preparare il corpo allo studio della danza;

• migliorare la postura e correggere abitudini motorie errate;

• sviluppare una conoscenza dello spazio, del tempo, le qualità di movimento, del peso, il campo visivo;

Due argomenti condivisi e discussi con gli insegnanti sono: “divertente” e “noioso”; cosa intendiamo per divertente e noioso in una lezione per bambini? 

La risposta è semplice: per essere divertente e non noiosa, la lezione, deve essere gestita dall’insegnante con qualità.

Cosa significa essere un insegnante di qualità? 

L’insegnamento è una professione caratterizzata dalla complessità, nella quale entrano in gioco e si intrecciano molteplici dimensioni:

• conoscere la propria materia di insegnamento, fattore fondamentale, ma non è sufficiente. Non basta sapere per poter insegnare una certa disciplina;

• possedere numerose tecniche didattiche e metodi con l’obiettivo di rendere l’azione didattica più efficace. Anche questo fattore ovviamente risulta essere fondamentale, ma non sufficiente per essere un insegnante di qualità;

• la professionalità del docente è un elemento determinante, non su una, ma su più dimensioni: in particolare, la professionalità va ad agire sulle competenze relative alla buona razionalità, alla capacità progettuale ed organizzativa, al lavoro in team e ad altri aspetti; 

• passare dall’idea di programma all’idea di insegnamento a percorso;

Altro elemento importantissimo che è emerso nella tavola rotonda, considerato il centro propulsore di una didattica efficace e della professionalità del docente: la comunicazione didattica. Come sappiamo la comunicazione avviene all’interno di contesti (ambiente di apprendimento/aula di danza) che non sono semplici ‘contenitori’ o ‘sfondi’ di attività che noi svolgiamo in aula, ma, insieme alla professionalità del docente, influenzano positivamente o negativamente. Ovviamente si fa riferimento al clima della classe, in particolare, alla relazione che avvolge le varie dimensioni dell’apprendimento in aula: il docente, l’apprendente, il gruppo classe e le attività vere e proprie, in pratica tutte le modalità di interazione verbale e non verbale, il lavoro di gruppo e, non ultima, cercando sempre di incoraggiare gli alunni ad esprimersi e ad assumere un ruolo attivo.

Tutti e tre siamo stati in assoluto accordo sul fatto che ogni docente abbia bisogno di strumenti didattici solidi e metodologia per il raggiungimento degli obiettivi. 

Da questa “chiacchierata” è nata l’idea di creare due webinar, uno sulla pedagogia della danza ed uno di metodologie e didattica, in modo da fissare i punti cardine della nostra metodologia.

© Expression Dance Magazine - Ottobre 2020

Marzo 2020, chiusura dell’Italia, dei confini, del mondo. Da un giorno all’altro ci siamo ritrovati in una dimensione sconosciuta. Noi, così abituati a muoverci, a interagire, a relazionarci in diversi contesti ed ambienti, ci siamo ritrovati chiusi, bloccati, distanti. 

Tutti abbiamo dovuto far spazio, dentro di noi, a sensazioni nuove, emozioni e paure che fino a quel momento non erano mai state davvero considerate.

Il distanziamento sociale è diventato un mantra da seguire sin dai primi giorni e proprio per questo, i primi a risentire di questo grande “salto nel vuoto” sono stati i danzatori: loro, così abituati ad esprimere la propria arte anche in relazione all’altro, al proprio compagno, in un continuo gioco di movimenti e linee a stretto contatto, sono stati costretti ad allontanarsi dall’altro immediatamente. I danzatori sono stati anche i primi a fare della propria famiglia il pubblico più affezionato e a rendere la propria casa, il palcoscenico più importante.

I giorni di chiusura si sono trasformati in settimane, poi in mesi, fino ad arrivare all’agognata fase 2.

Rientrare in ufficio è stata un’azione convinta, precisa, con pochi, ma importanti obiettivi. Uno su tutti: riportare nelle sale i danzatori nel più breve tempo possibile e sempre nel totale rispetto delle disposizioni statali in materia di tutela e sicurezza. 

Determinati e convinti abbiamo quindi deciso di confermare lo stage estivo, Campus, ormai una nostra tradizione. Il primo stage di danza confermato in Italia dopo la quarantena. Lo abbiamo confermato dopo una lunga riflessione sui numeri e su tutte le misure attuabili per rendere lo stage sereno e sicuro per noi e, soprattutto, per tutti i partecipanti. 

Abbiamo ridotto il programma, ridotto le lezioni e il numero di persone ammesse a ciascuna lezione, ma nonostante tutto, queste misure di sicurezza hanno reso questa edizione un pochino più speciale. 

Con la preziosa collaborazione dei docenti ospiti, abbiamo potuto dar vita a momenti unici. Abbiamo riaperto le porte timidamente e, delicatamente, a loro, a quei danzatori dai sorrisi nascosti dietro mascherine e occhi parlanti, vivi, felici, tremendamente desiderosi di tornare a ballare.

Abbiamo avuto la fortuna di poterli abbracciare con le parole e accarezzarli con la musica. 

Con la disciplina che contraddistingue la danza, non abbiamo potuto far altro che emozionarci davanti a quelle sale così ordinate, ma, allo stesso tempo, così ricche di entusiasmo.

Abbiamo letteralmente “riaperto le danze” e, dietro a coreografie montate per l’occasione, disinfettanti in ogni angolo, parole sussurrate mantenendo le distanze e abbracci desiderati, ma solo immaginati, abbiamo capito che anche quando il mondo sembra fermarsi, le persone raramente si fermano davvero: l’entusiasmo contagioso di chi ha vissuto Campus come un ritorno alla normalità, al proprio ambiente naturale, ci ha fatto capire che nonostante tutto, la danza può. La danza può creare nuove occasioni, reinventarsi in situazioni difficili, può dare spazio a emozioni nuove e riprendere spazi che sembravano persi. La danza può.

© Expression Dance Magazine - Ottobre 2020

L’eccezionale situazione che stanno vivendo tutte le scuole di danza italiane (e non solo) ha messo in evidenza un nuovo modo di fare didattica, in una nuova prospettiva.

Innanzitutto la scuola che usufruisce di una didattica a distanza deve tenere sempre in considerazione che essa non può sostituirsi a una didattica frontale: una didattica fatta di relazioni educative, in un ambiente di apprendimento che è l’aula, in cui studenti e docenti comunicano non solo con le parole, ma con i gesti (linguaggio non verbale) e soprattutto con la fisicità degli sguardi, con l’incontro del docente e apprendente e con tutti gli elementi della prossemica.

Il Covid-19 ha procurato la chiusura forzata delle attività e questo ha interrotto bruscamente questa rete relazionale che quotidianamente noi tutti intessevamo di rapporti in presenza. 

Questa emergenza ha innescato l’urgenza di attivare un “surrogato relazionale” che aiutasse la scuola a non trasformarsi da luogo di inclusione sociale a luogo di abbandono ed isolamento. 

In questa nuova esperienza della didattica “on line” ho riscontrato numerosi aspetti positivi, anche se in molti hanno criticato questo genere di soluzione emergenziale. I docenti, ad esempio, hanno avuto il piacere di salutare i propri colleghi; lo stesso dicasi per le “lezioni” online con i propri studenti, da un inizio un po’ confuso, di disorientamento, al piacere di ritrovarsi in una comunità educativa; da una relazione virtuale che inizialmente poteva apparire superficiale, ad una relazione più profonda: la scuola, il docente, il discente e la famiglia si sono trovati uniti nel creare un ambiente di apprendimento significativo.

Per la danza, l’esperienza della didattica a distanza ha i suoi risvolti positivi e negativi per ovvie ragioni. La danza ha una necessità: la presenza dell’insegnante, un insegnante corpo, come sostiene Chiara Andrà in un suo articolo pubblicato sulla rivista “L’insegnamento della matematica e delle scienze integrate”: l’insegnante corpo è colui che usa la comunicazione verbale e non, caratterizzata da un uso intensivo dei gesti iconici e metaforici, ossia gesti che hanno principalmente una componente immaginativa e figurata.

Per la danza, questa tipologia di didattica, ha permesso di creare reti e ha dato l’opportunità di non troncare di netto il rapporto didattico con i nostri allievi, rimanendo in contatto con loro, anche se a distanza. Questa modalità atipica di relazione però non la possiamo considerare come una relazione formativa fisica in classe, dove le correzioni del gesto, dei movimenti e dell’espressività emozionale vengono assorbiti; l’emergenza ha dato la possibilità ai docenti di orientarsi su nuove modalità di apprendimento, su nuove strategie utilizzando la propria creatività, innescando nell’allievo un nuovo interesse, una nuova curiosità e una nuova motivazione.

Infatti, le strategie utilizzate sono state molteplici anche se ne riporto due esempi: 

1. laboratori coreografici: esperienze di creatività dentro luoghi diversi (le proprie case), con stili di vita diversi, sono diventati il centro della narrazione del vissuto quotidiano, ma anche il punto di partenza della conoscenza;

2. la didattica della complessità, la pluridisciplinarietà: non trasferire contenuti, chiedere nozioni o conoscenze imparate a memoria, ma chiedere un ragionamento attraverso temi molto complessi e articolati. Sono temi che non si possono risolvere copiando da un libro oppure da internet, ma richiedono pensiero ed elaborazione personale per fare emergere le competenze reali. 

In conclusione una didattica a distanza per la danza non deve mimare falsamente una situazione in presenza, ma può essere concepita come una “palestra per pensare” perché la danza non va solo eseguita, è un’arte, è immersa in diverse dimensioni culturali e l’allievo deve acquisire la consapevolezza che danzare significa avere una testa pensante. 

© Expression Dance Magazine - Ottobre 2020